jueves, 12 de julio de 2018

The Handmaid's Tale (El cuento de la criada) (Season 2) - TV Series

Crítica de la serie The Handmaid´s Tale (Season 2)



Desde hace ya varios meses que inició la transmisión de la 2da temporada fui haciendo pequeños comentarios de varios capítulos, y diciendo que al final de la temporada haría un post especial a la segunda temporada. Y el final ha llegado el día de ayer, Miércoles 11 de Julio con la emisión del capítulo 13: The Word. Un final de temporada que mantuvo el alto nivel que la serie fue llevando durante en casi todos los capítulos de esta temporada, aunque al final, mientras iba avanzando el metraje, iba adivinando lo que iba a pasar segundos y minutos más adelante. No sé si porque es predescible, o porque ya el espectador se ha conectado tanto con el personaje de June, que podemos preveer cómo va a actuar, y el camino que la serie va a dar… teniendo en cuenta que se renovó en una tercera temporada. Sin embargo, aunque pude adivinar en el camino cómo terminaría, me gustó mucho esta temporada y voy a tratar de hacer un análisis general. 



Elisabeth Moss



En esta 2da temporada se acentuaron las protestas por las escenas violentas de la serie, especialmente por ese impactante inicio de temporada que dejó a muchos atormentados e indignados. Hay que tener claro que la historia del libro original de Margaret Atwood terminó en la 1ra temporada, y la 2da es una extensión de la historia original. La serie desde su 1ra temporada es uno de los productos televisivos con mayor calidad y de cuidado visual y estético. La historia es muy buena y explora una realidad histórica latente... y un futuro cercano, pero que sirve más de retrato de una sociedad, y la fragilidad de la institucionaliad cuando nos enfrentamos a una crisis de la especie (como la crisis de la fertilidad en la serie). Y en esta 2da temporada abundan las referencias políticas y sociales, y muchas con relación a aspectos de la sociedad actual. Conocimos más detalles de Gilead, incluso alcanzamos a ver el mapa de la división de USA y qué territorios pertenecen a Gilead y cuales a la resistencia como Alaska, y cómo Cánada alberga a los refugados que escapan del régimen.  También en uno de los capítulos finales, el 2X10, uno de los capítulos con escenas muy fuertes, conmovedoras y tristes, se hace una referencia al tema tan actual, donde la realidad supera la ficción: se ve reflejado un caso parecido al reciente de la separación de padres e hijos de inmigrantes en USA.



Crítica de la serie The Handmaid´s Tale (Season 2)


La serie trata muy bien los temas, a veces me parece que abusa de los planos lentos, y que algunas historias anexas no tienen la fuerza de la protagonista, pero en esta 2da temporada se exploró en el pasado con flashbacks de otros personajes, como el de Serena, sin dudas un personaje clave en esta temporada. Es el personaje más complejo de la serie, porque es la esposa de un comandante, pero también fue clave en la creación de los cimientos de Gilead. Gracias a estos flaschbacks la entendemos un poco más, y su personaje cobra una gran importancia. Y la actriz que la interpreta, Yvonne Strahovski, simplemente borda a su personaje. Quedé con ganas de conocer el pasado de otros personajes claves en esta temporada… quizás en la 3ra temporada. 



Max Minghella


Hay un tema que flota en toda la temporada, y es precisamente los cimientos de Gilead: la base de la religión, gobernar con la biblia bajo el brazo literalmente, y el poco compromiso de los líderes hombres en seguir sus propias reglas. Las contradicciones de este sistema son los que van dando fuerza a la resistencia y a la revolución, que se va creando y fortaleciendo en secreto por cada uno de los distintos roles de los oprimidos en Gilead, en su gran mayoría todas mujeres. Desde las esclavas de las criadas hasta las mismas esposas de los comandantes. 



Ann Dowd


Y si hablabla de Serena, hay que hablar de todas las excelentes actuaciones femeninas, que lograron unas merecidas nominaciones al Emmy, que salieron hoy Jueves 12 de Julio: Alexis Bledel, cuya historia también avanza y conocemos más de ella en esta temporada. Ann Dowd, la curiosa tía Lydia, que siempre también está en escena, con su prioridad que son los niños, los bebés de Gilead. Y por supuesto, Elisabeth Moss, la gran protagonista, y que merece capítulo aparte. En esta temporada da un recital interpretativo de inicio a fin, y la cámara se regodea con sus expresiones, su sufrimiento, su silencio y su dolor. Si en la primera temporada la voz en off de June era un elemento imprescindible, en esta segunda temporada no aparece mucho esa voz en off, y la serie justifica ese cambio. 



Yvonne Strahovski


La 2da temporada, inicia con la esperanza de la revolución, y el primer capítulo es tremendo, sobre todo ese campo de tortura que asimila a un matadero de vacas... pero en la primera ya se vieron cosas duras, la 2da lo mantiene, y sigue un curso... y aunque la esperanza de revolución se vea truncada, ya está está chispa. Y June tiene mucho que ver, porque con sus acciones y la de otras criadas despiertan la motivación de otros. Como en una bella escena donde por iniciativa de June, todas empiezan a decirse sus nombres verdaderos entre sí, al darse cuenta de que no sabían ni sus propios nombres sino los que le confería la sociedad por su rol y por sus casa.



Joseph Fiennes


Muchos episodios me gustaron. Y uno de ellos, fue el 6to episodio de la 2da temporada porque refleja uno de los momentos más importantes de una relación con dos personajes que tienen una importancia y un acercamiento muy alto en esta temporada: June y Serena. Una relación muy ambivalente, que por momentos es cercana y otras es nuevamente distante y fría. En este capítulo vemos una de las cosas más fascinantes de la serie, el contraste y juego de poder entre dos mujeres: June y Serena. La criada y la esposa, las dos son reprimidas (pero Serena represora también). Ese juego, ese duelo constante entre ambas es genial, y en la exploración individual de cada una, podemos encontrar muchos detalles para analizar, y para entender parte de nuestra sociedad, y el papel de la mujer en ella. El capítulo es impecable, tiene escenas, como siempre, cuidadas al más mínimo detalles. Y el final es increíble. 



Alexis Bledel


Otros de los episodios que me gustaron mucho fue el 8vo de la 2da temporada, titulado: "Women´s Work" (El trabajo de las mujeres). La serie desde su inicio y desde la obra original que la inspiró es abiertamente feminista. Para ambientar y dar contexto, Gilead, es el lugar donde transcurre la serie (que es el mismo U.S.A en un futuro), donde se extendió la crisis mundial de la infertilidad. Por lo que nace la figura de las "criadas", mujeres fértiles, con algún pecado o prácticas de dudosa reputación en su pasada vida, que se ven esclavizadas y destinadas a casas de comandantes con mujeres infertiles, con el fin de procrear hijos para la nación. La realidad es que todas las mujeres son reprimidas en esta nueva sociedad, incluso las esposas de los comandantes, las Martha, entre otras clasificaciones (en esta temporada también vimos más de cerca la clasificación social en Gilead), que se ven reprimidas en una sociedad dominada por los hombres. En este episodio, vemos como algunas mujeres recuerdan con nostalgia y tristeza sus anteriores oficios de los que fueron relevadas. Una de las escenas más hermosas del capítulo, corresponde a la imagen, una mujer, la mejor neonatóloga del país, que en la nueva sociedad sirve como una Martha (encargadas de servicio doméstico), es llamada para asistir a uno de los pequeños bebés que está enfermo y no encuentran la causa del problema. Todo el proceso es ilegal, por lo que lo hacen a escondidas... y cuando la mujer llega de nuevo a un hospital, se pone la bata, y todas sus herramientas, y el médico encargado le hace sendos cumplidos, recordando que ella fue la maestra de su instructor. Las emociones de la mujer ante esta situación y lo que trasmite, es increíble. Y una reflexión sobre el oficio, sobre el trabajo, y la pasión... y cuando se nos es arrebatada violentamente.

En este capítulo me quedé con una frase que dice June al final, que dice:

“Alguien dijo una vez, los hombres tienen miedo de que las mujeres se rían de ellos. Las mujeres tienen miedo de que los hombres las maten”.


Al parecer la frase es de la misma autora del libro original, Margaret Atwood.




Crítica de la serie The Handmaid´s Tale (Season 2)


Todos los capítulos, dirigidos por mujeres, están muy bien cuidados y rodados. Como uno de los capítulos finales (Holly), donde no hay casi palabras y June ocupa toda la pantalla, con una alta carga de simbolismo y metáforas. Pero si hay alguien que sigue creciendo y sufriendo con el espectador es June, creo que al final de la temporada ya ha comprendido su papel en Gilead, el alcance de lo logrado, y su compromiso con las personas que ha conocido, los luchadores invisibles y silenciosos, y por su propia hija que sigue junto con otra familia. 

Me parece que esta segunda temporada es excelente y mantiene el nivel de la primera, a pesar de no contar con la influencia del libro original (aunque en la 2da temporada hacen referencias al libro que no estuvieron en la 1ra) y de algunos detalles menores. Esperaba con muchas ganas cada semana el estreno del nuevo capítulo, y es una serie que además ha sabido tomar referencias actuales y acoplarlas a su trama. Por lo que es de vital importancia varios temas tratados, y hay muchos detalles en sus escenas, hay que mirar atentamente o mirar más de una vez cada capítulo. Sólo esperemos que el tercero siga la misma línea, y no entre al juego de alargar la serie, sino que sea justificada su ampliación. Por el momento, la recomiendo mucho. Es de las mejores series de tv que se emiten en estos momentos. 


Season 2: 8.5/10


Trailer Season 2




Elisabeth Moss

lunes, 2 de julio de 2018

Las Herederas (Marcelo Martinessi)

Marcelo Martinessi



Sigo con mis reseñas Post-FICCI, y llega el turno de una de las mejores películas que vi en el festival. La ópera prima del director paraguayo Marcelo Martinessi, y ganadora del Premio Especial del Jurado, Mejor Actriz, y FIPRESCI, en el Festival de Berlín 2018: Las Herederas. Y por ahora, una de las mejores películas que he visto en el 2018.



Margarita Irún


Cuenta la historia de dos mujeres, Chela y Chiquita, quienes viven como pareja, y que heredaron bienes y dinero de sus familias, lo que les permitía vivir cómodamente. Pero a los 60 años, el dinero se ha acabado, y deben de tomar nuevas decisiones para afrontar la situación. Pero contrastando con su difícil situación, también se encuentra la situación de la casa, de la cual deben empezar a vender objetos para poder solventar las deudas y poder mantenerse.



Ana Brun


Chiquita es enviada a prisión por deudas contraídas, por lo que le toca a la frágil y más conservadora Chela ponerse a trabajar y afrontar la situación, a la que le había sacado el cuerpo por el momento. Asume el papel de conductora de otras señoras de edad de alta sociedad, que se encuentran a jugar cartas. En ese nuevo papel y esas nuevas responsabilidades contraídas, Chela descubre cosas de sí misma y cambia muchos aspectos de su vida.



Ana Brun


Es una película tan bien hecha, minimalista pero muy detallista, con un gran trabajo de dirección, que explota cada plano como elemento narrativo. Es un retrato social y humano, lleno de humor, decepción, amor y descubrimiento. La perspectiva utilizada es poco habitual en el cine, con mujeres mayores de protagonistas, de voces narrativas, que demuestran su gran riqueza como eje central de una historia, y como a través de su retrato y análisis, se puede ahondar en muchos aspectos psicológicos y humanos de la sociedad.



Ana Brun


Y gran parte del mérito pertenece a Ana Brun, la actriz que hace de Chela, es el punto central de la narración y a través de ella pasa y sucede todo. Y la actriz asume con gran habilidad este reto, entregándose al personaje y haciendo que el espectador empatice, sienta y sufra con ella. Es un experimento intimista y psicológico, tratando con pinzas, con delicadeza, con sutileza, y con verdadera maestría humanista.  

8/10


Trailer de Las Herederas




Ana Brun

lunes, 25 de junio de 2018

El Búfalo de la Noche (Guillermo Arriaga)

Guillermo Arriaga



Tercera novela del escritor, productor, guionista y director de cine mexicano, Guillermo Arriaga; conocido por sus guiones en la famosa “Trilogía del dolor” del director mexicano Alejandro González Iñárritu: Amores perros, 21 gramos y Babel. Era escritor de ficción mucho antes de incursionar en el cine y de escribir guiones, desde principios de los 90. Sus novelas están siempre caracterizadas por ese estilo que siempre se trasmite en sus guiones, de atmósferas densas, de hiperrealismo, dramas humanos y conflictos psicológicos y existenciales. 

“El Búfalo de la Noche” publicado en 1999 es su tercera novela, y cuenta la historia de Gregorio y Manuel, dos jóvenes mejores amigos que se enamoran de una misma mujer, Tania. Gregorio empieza a presentar problemas psiquiátricos, mientras la relación de Tania y Manuel se refuerza. Una tragedia ocurre, Gregorio se suicida, pero deja una caja con misteriosas cartas, mensajes y símbolos que atormentan a Manuel y Tania. 

La novela es ambientada en ciudad de México, y se encuentra muy bien retratada desde la atmósfera y el paisaje, hasta el lenguaje que utilizan sus protagonistas. 

Me pareció una buena novela de Arriaga, dibuja bien los personajes, la ambientación y los diálogos. Te mantiene constantemente en expectativa, aunque la resolución del misterio y de la novela en sí, deja un poco a medias las expectativas iniciales. Me parece que se resuelve de forma muy facilista, y que todo lo anterior te había generado tantas expectativas, que al final te deja a media marcha y te corta el ritmo de repente y de forma violenta, pero sin ninguna sorpresa o emoción particular. 

Quizás lo mejor de la novela, y una de las grandes virtudes de Arriaga se encuentre en la construcción de los personajes, en la inmersión en su psicología, en su psique, en sus delirios, en sus fantasmas, en sus miedos y pesadillas. Por eso quizás me sentí cortado cuando al final nos vemos enfrentados a la realidad, y nos damos cuenta que habíamos estado tan tensionados porque estábamos conviviendo con la angustia de su protagonista. 

Otra parte donde Arriaga extiende su talento es en las descripciones carnales de sus protagonistas, en la consolidación de sus deseos, y cómo llevan la culpa, como cuando Tania y Manual se acuestan por primera vez, siendo ella novia de Gregorio. Alcanzas a visualizar las escenas, a sentir la gota de sudor, a sentir los gemidos y las respiraciones; los espacios que se mezclan con los personajes y los diálogos que funcionan tan bien dentro de esta mecánica. 

Siempre suelo resaltar frases y diálogos que me gustan de las novelas o películas que veo (tengo un blog dedicado sólo a frases y diálogos de películas: enlace), de esta novela saqué varios, hay algunos muy largo que no pondré pero me parecieron muy buenos, como una descripción sobre el padre de Manuel, que me pareció excelente, donde describe la rutina de levantarse todos los días para ir al trabajo, y analiza en perspectiva la vida de su padre y la contrasta con la suya y la proyecta a 20 o 30 años más adelante.

Pero en general, disfruté mucho de la novela, especialmente de su inicio y desarrollo hasta más de la mitad, pero en su tramo final me dejó un poco con ganas de algo más. Aunque hay algo que es innegable, y es el enorme talento de Arriaga como narrador, como constructor de escenas, imágenes y diálogos perdurables y muy fuertes, que dejan marca. Lo escuché en una conferencia, y me pareció una excelente Master Class. No se guarda nada, es muy abierto y emocional. Y como él mismo dice, sólo escribe de lo que ha vivido y sentido, que no podría escribir sobre algo que no ha vivido en carne propia. Esa noche, luego de la conferencia, preciso tenía el libro “El búfalo de la noche”, y le pedí la firma. Lo que me escribió fue gracioso, porque al principio no podía entenderlo, entonces lo publiqué en Facebook y le pedí a mis amigos que me ayudaran a descifrarlo. Al final me ayudaron y escribió lo siguiente:

 “Alejandro, busca tus búfalos y corre a darles caza, antes de que ellos te encuentren”.




7/10


Y termino con unos cuantos fragmentos del libro:

“Cómo explicarle que no se trataba de enmendar malentendidos, ni solucionar desavenencias comunes entre amigos. No se trataba de reconciliarnos, sino de perdonarnos. Perdonarnos: ¿cuándo podríamos ahora perdonarnos?
Tuve una súbita ansia de llorar, de mostrarme frágil ante la mujer de los hombros blancos, de correr a exprimir las cenizas de Gregorio para extraerles aunque fuera una palabra más.
Rebeca me miró sin entender. Se enroscó a mi cintura y así, sin entender, lloró por mí”. 


“El arquitecto Molina, director de la carrera, sostenía  que diseñar casas era una de las responsabilidades más serias del mundo. “En las casas se crece, se duerme, se pelea, se ama, se fornica, se come, se odia y se muere”, sólía decir. “No son sólo construcciones, muchachitos, son los sagrados espacios de la vida”. Tenía razón pero esa mañana no iba dispuesto a soportar sermones. Por más que se quiera, los espacios de la vida jamás podrán competir con la vida misma y ni doscientos muros perfectamente construidos pueden silenciar el ruido de un disparo resonando a la mitad de una tarde”.





jueves, 14 de junio de 2018

Afterimage (Powidoki): Los últimos años del artista (Andrzej Wajda)

Andrzej Wajda



Desde hace días está en carteleras de cine de Colombia esta durísima pero excelente película del maestro polaco, Andrzej Wajda, uno de los grandes cineastas europeos, ganador de la Palma de Oro en Cannes hasta el Óscar Honorífico por su carrera... y quien falleció en el año 2016 a los 90 años, mismo año en que se estrenó esta película, su testamento cinematográfico... pero parece que así como la película pasa sin pena ni gloria por salas de cine, y como en cierta forma pasó la muerte de Wajda... así fue la vida del personaje de su película: Wladyslaw Strzeminski.



Crítica de la película Afterimage: Los últimos años del artista


Strzeminski, uno de los artistas vanguardistas polacos más importantes... teórico de arte, creador de la teoría del unismo y autor del libro La Teoría de la Visión. Precisamente "Afterimage" hace alusión a las imágenes remanentes, a las ilusiones ópticas que continúan apareciendo bajo los párpados tras haber tenido contacto directo con la luz. 



Crítica de la película Afterimage: Los últimos años del artista


La película trata precisamente sus últimos años, donde pasó de ser un artista y teórico respetado, famoso, con prestigio, profesor de Universidad y con conferencias que atraían mucho público... a ser un perseguido político, al no someterse al régimen del estanilismo en Polonia a finales de los 40. Pierde todo... y casi pierde hasta su lugar en la historia. Muestran como el régimen destruye parte de su obra, no renueva su credencial como artista, lo que le impide trabajar, comprar material para pintar, comer... 



Boguslaw Linda


Gracias a la ayuda de sus fieles alumnos logra terminar su libro, y encontrar trabajos ajenos a sus virtudes. Es muy dura, pero muy bien realizada. Uno de los primeros planos muestra al maestro pintando en su apartamento, y de repente el ambiente se tiñe de rojo... por la ventana de su edificio expanden por fuera un enorme cartel rojo con la cara de Stalin. Un inicio que presagia el resto de la triste y dura historia. 



Boguslaw Linda


Su pequeña hija, Nika Strzeminska sobrevivió sin su padre en la casa de chicas y se convirtió en escritora, donde publicó varios libros sobre su padre y su madre, también artista. Murió en el 2001. Y Wajda, coherente con su cine, cierra su testamento con una crítica a la opresión y al estanilismo... su padre fue asesinado por Stalin en la matanza de "Katyn", así como se llama una de sus películas más conocidas.


Trailer de Afterimage







viernes, 1 de junio de 2018

El Libro de los Baltimore (Joël Dicker)

Joël Dicker



Leí este libro ya hace bastante tiempo, pero tenía la reseña en el banco de “pendientes por publicar” como otras cuantas. “El Libro de los Baltimore” es la tercera novela del joven escritor suizo Joël Dicker, y segunda novela donde vuelve con su personaje de Marcus Goldman, personaje principal de su exitosa novela, “La verdad sobre el caso Harry Quebert”. 

Marcus, en esta ocasión, cuenta la historia de su familia: los Goldman de Baltimore, con su tío rico, Saúl Goldman, y sus dos hijos, Hillel y Woody. La familia ideal a la que siempre quiso pertenecer. Marcus vive acomplejado por sus padres, a quienes se refiere como los Goldman de Montclair, y tienen un estatus social más bajo que el de sus tíos. Los mejores momentos de Marcus en su infancia y adolescencia son aquellos en donde viaja a Baltimore donde sus tíos, sus primos, y su vecina Alexandra, con quienes conforma la Banda de los Goldman. 

La novela tiene una estructura que mezcla constantemente los tiempos narrativos. Teniendo como referente la fecha que el autor llama el “Drama”. Un evento que marcó y partió por la mitad toda su vida y la de sus familiares. 

Tenemos a Marcus como un exitoso escritor atormentado por su pasado y tratando de concebir su próxima novela; Lo vemos como un joven estudiante de instituto que va a visitar a sus primos a Baltimore, y disfruta de los lujos y atenciones; Vemos como cada uno de los primos crece y se va perfilando cuando llega el momento del final del instituto para escoger carrera universitaria. Pero sobre todo se centra en los Goldman de Baltimore, sus tíos, sus primos, y como Marcus desarrolla una insana envidia por la vida privilegiada de sus primos. 

Está bien estructurada, en el cambio de tiempos y años no pierde el ritmo narrativo, aunque a veces se dilatan mucho algunas cosas, por lo que sobran muchas páginas. También cansa mucho a veces esa descripción de la vida ideal, y del éxito que todo el mundo alcanza, aunque se puede ver justificado porque es la visión y percepción que tiene Marcus desde su juventud. Pero aún así, encuentro muchas reiteraciones innecesarias y vacías, sobre la vida lujosa, ostentosa y lo exitosos que son todos, lo atléticos, lo bellos, lo famosos etc. Da la impresión de que a veces el libro lo hubiese escrito un adolescente. Aunque afortunadamente hay momentos donde Dicker toma el ritmo de la narración y de la historia más enserio, y tenemos verdaderos momentos interesantes.

Pero en general me resulta una obra menos lograda que su anterior. Y en el juego de dar tantas vueltas en la narración, también se demora eternamente en conocer el “Drama”. 


5/10



Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)


viernes, 18 de mayo de 2018

Virus Tropical (Santiago Caicedo)

Santiago Caicedo



Sigo con mis reseñas Post-FICCI, y aprovechando además su estreno en carteleras de cine en Colombia. La película de animación colombiana, dirigida por el colombiano Santiago Caicedo, animador y artista visual, quien adapta en esta ocasión una novela gráfica homónima de la ilustradora colombo-ecuatoriana Powerpaola. 




Crítica de la película Virus Tropical


Cuenta la historia de Paola, una mujer que vemos crecer durante el metraje, junto con todas las experiencias que pasan en esa transición: celos, acoso, engaño, sexo, drogas, matrimonio, familia. Paola es la más joven de la familia, la menor de tres hermanas. Y desde que estaba en el vientre de su madre fue confundida y diagnosticada como un virus tropical, o un embarazo psicológico, debido a una operación que se había realizado la madre en sus trompas. 




Crítica de la película Virus Tropical


Paola crece en Quito, y luego en Cali, lo que nos permite una exploración territorial y geográfica a las dos ciudades, que es muy bien retratada en la animación y la historia, en los aspectos culturales, de lenguaje, tradiciones, tabúes, etc.  




Crítica de la película Virus Tropical


Vemos y vivimos la historia  a través de la perspectiva de Paola, tanto como una niña y luego como una adolescente. Y es un logro significativo haber encontrado esa voz y ese foco que ilumina y guía al espectador. Desde su perspectiva, observamos las complejas relaciones familiares, y de una adolescente tradicional en Latinoamérica. Me ha sorprendido gratamente, es una animación muy bien lograda, con una historia muy bien llevada y dosificada. Tiene humor, ternura, drama, pero sobre todo corazón. No se la pierdan. 



Trailer de Virus Tropical








Crítica de la película Virus Tropical

jueves, 3 de mayo de 2018

Cocote (Nelson Carlo de los Santos Arias)

Nelson Carlo de los Santos Arias



Sigo con mis reseñas Post-FICCI, ahora con mi película favorita de la selección oficial y del festival, que precisamente ganó el premio a la Mejor Película. Cuando la vi por primera vez, escribí en mis redes que me parecía que “Cocote” era la primera fuerte y firme candidata al premio a Mejor película en la competencia oficial ficción. La película sorprende desde el inicio con su puesta en escena, su fotografía y encuadres, que desde el principio sabes que va a ser primordial en la narración. Me gustaron mucho las tomas, los contrastes, las sombras, los movimientos rápidos de cámara… en general la cámara funciona de forma eficaz mucho como elemento narrativo. Otro elemento importante, el sonido, es muy importante en la narración, incluso es otro protagonista, que alimenta la tensión de muchos momentos, y ayuda a impacientar y abrumar al espectador en los momentos clave.



Vicente Santos


“Cocote” habla de la muerte, que es incluso otra protagonista. Desde el inicio está presente, con la noticia de la muerte del padre de Alberto, el protagonista, un evangélico que trabaja de jardinero en una casa de familia adinerada en Santo Domingo. Luego, sigue presente, cuando Alberto viaja a su casa, y se enfrenta a la furia y el dolor de las mujeres de su casa, quienes apegadas a la tradición y a la cultura, realizan todos los rituales sobre su muerto. Estos rituales son presentados casi en su totalidad al espectador, llegando a perturbarlo, a veces por la repetición (pero creo que el director lo hace de forma consciente), otras por la aparente oscuridad que presenta, con la familia y una cultura que ha estado muy ligada la brujería.



Crítica de la película Cocote


Pero particularmente, la familia que queda de Alberto, todas mujeres, quieren una cosa, “qué haga algo al respecto”, quieren venganza. Es por esto, que la evolución de Alberto en la pantalla es algo muy interesante de ver, desde el inicio la pasividad y el tono reconciliatorio, pero que en el transcurso del filme evoluciona, en parte gracias a estos elementos mencionados (los rituales, la muerte, las mujeres…).  Quizás algunos rituales se repitieron mucho, vi que hubo esa reacción en algunas personas, pero yo creo que hace parte del proceso, porque nada se repitió, sólo que vimos completo el ritual, y para mí es importante como elemento de narración, y para mostrar la evolución de la historia y los personajes. La película tiene un ritmo bestial, me mantuvo expectante en todo momento.



Crítica de la película Cocote


Otra curiosidad, recuerdo que la gente se reía en algunos momentos, especialmente cuando las mujeres atacan a Alberto, reprochando su pasividad, con discursos largos, nada exagerados, sino que son muy propios de la mujer caribe tradicional, esos momentos no eran de humor, porque había mucho dolor en ellos, pero el director se permite generar una risa nerviosa, que incluso debe hacer pensar al espectador sobre su motivo. En fin, una película muy potente, que sobre su manto, permite una reflexión muy fuerte de fondo, y una exposición muy fiel de una cultura. Una película sobre la muerte, la venganza, la tradición, las clases sociales y los límites. 


Trailer de Cocote




Vicente Santos