viernes, 25 de septiembre de 2026

Reseña de la película: Moscas (Fernando Eimbcke) - 2026 / México / MUBI

Reseña de la película: Moscas


La película más reciente del reconocido cineasta mexicano, Fernando Eimbcke, es una película muy fiel a su propio universo cinematográfico, que contiene películas entrañables como, “Temporada de patos” (2004), “Lake Tahoe” (2008) y “Club Sándwich” (2013), en las cuales se encuentran historias donde navegan la adolescencia, las vacaciones, los videojuegos, la amistad, los adultos extraños que conectan con los jóvenes, la empatía, el primer amor, la madurez, entre muchos otros temas, que se pueden sintetizar en películas muy humanas, cálidas y cercanas, que aunque no estén exentas del dolor y dramas, el director encuentra la forma de darles un espacio luminoso. El estilo de Eimbcke y su filmografía ha tenido enorme influencia en otras películas, como por ejemplo, “Güeros” de Alonso Ruizpalacios (2014), por mencionar una de las más destacadas.      




Reseña de la película: Moscas


“Moscas” se mantiene dentro de este universo, ya que nos cuenta la historia de una solitaria mujer, Olga, quien mantiene una vida rutinaria, estricta y monótona, en su pequeño apartamento. Un día, tras verse corta y necesitada de dinero, decide alquilar una habitación, a donde se muda un hombre, quien a la vez mete a escondidas a su hijo de nueve años. Pronto se descubrirá al menor, y se empieza a desarrollar una dinámica entre la mujer y el niño, que nos irá desvelando las historias detrás de cada uno y sus comportamientos. 




Reseña de la película: Moscas


Me pareció una película bella, humana, y a la vez triste, que nos habla nuevamente de la empatía, de la soledad, de la madurez, de la infancia, de los vínculos, de la pérdida y los videojuegos. Poco a poco, el pequeño Cristian va minando la rigidez, la hostilidad y desconfianza de Olga, logrando crear un bello vínculo de amistad intergeneracional y filial. También es una película sencilla y austera a nivel de producción (como han sido sus anteriores películas también), pero muy bien escrita y estructurada, bellamente filmada y fotografiada, en ese blanco y negro que funciona muy bien para resaltar la atmósfera melancólica que atraviesan sus personajes, además de los claroscuros que todos tenemos. 




Reseña de la película: Moscas


Las moscas normalmente, y en la película también, son vistas como seres molestos e invasivos, así como Olga ve a Cristian y su padre al inicio, como inquilinos indeseables, a quienes les restringe usar espacios comunes del apartamento como la cocina y el baño (con ciertas limitaciones), celosa de su espacio personal, cubierto de esa muralla emocional que ha levantado por distintas razones que iremos descubriendo. Y el pequeño Cristian, es travieso pero adorable, quien solo tiene interés en jugar, pasar de nivel y encontrar a su madre, internada en un hospital cercano.       




Reseña de la película: Moscas

 

Creo que “Moscas” estuvo en la preselección para representar a México en los Oscars, aunque finalmente fue elegida otra buena película, como es “En el camino” de David Pablos, pero no dejen de verla, ya que es otra buena película de ese director mexicano que siempre nos habla de lo humano, lo doméstico, de las relaciones, los vínculos, entre muchos otros temas. Estuvo en salas de cine limitadas del país y en la plataforma MUBI. Y acá dejo otros posts que le hice a otras de sus películas.


Tráiler de Moscas - (Link 1)

Reseña de la película: Club Sándwich - (Link 2)

Frases de la película: Club Sándwich - (Link 3)




domingo, 13 de septiembre de 2026

Reseña de la película: Un fantasma servicial (A Useful Ghost) de Ratchapoom Boonbunchachoke - 2025 / Tailandia / En Cines

Reseña de la película: Un fantasma servicial (A Useful Ghost)


También en otros países se ha titulado como "Un fantasma para servirte". Es una ópera prima muy curiosa y extraña, pero hipnótica, que estuvo en mi top de lo mejor del año pasado. Nos muestra una fábrica de electrodomésticos, en donde un empleado muere y su fantasma permanece en la fábrica poseyendo distintos electrodomésticos para atormentar a sus compañeros y sus jefes. Por otro lado, el hijo de la jefa de la fábrica pierde a su esposa embarazada por una enfermedad respiratoria y su espíritu queda atrapado en una aspiradora de la misma fábrica. Ambos casos nos sirven para retratar en un tono de fábula y sátira, los conflictos y abusos de las empresas con sus empleados, junto a la rigidez de las tradiciones en la sociedad y en las familias, recordando que en Tailandia la religión oficial es el budismo. Al mismo tiempo, la película abre otro frente, pues nos presenta a un ministro y sus amigos de altos mandos, quienes son atormentados por fantasmas y pesadillas de personas que fueron reprimidas y asesinadas durante sus mandatos. Y esta parte sirve de crítica a los diversos conflictos políticos del país, como la masacre de las Camisas Rojas, las dictaduras y golpes de estado que han azotado al país durante el último siglo. 




Reseña de la película: Un fantasma servicial (A Useful Ghost)


Como pueden ver, es una película con muchos temas, pero son muy bien hilvanadas por el director y guionista tailandés, quien logra unir bien todos los relatos y personajes, ya que posteriormente uno de los personajes fantasmas se presta para ayudar a los políticos para acabar con sus respectivos fantasmas acosadores, a través de una dura terapia de electrochoque contra las personas vivas que siguen manteniendo en su memoria a sus muertos, y para conseguir un beneficio personal. Aquí se mantiene de forma literal el pensamiento, que mientras no olvides a los muertos, éstos seguirán con vida dentro de cada recuerdo. 




Reseña de la película: Un fantasma servicial (A Useful Ghost)


Al final la película logra unir muy bien todos los relatos y a los personajes. Me parece que reflexiona sobre la culpa, el poder, la muerte, la venganza, las tradiciones, el duelo, el olvido, e incluso hay otros subtextos más sugeridos, como es la lucha de la misma comunidad LGBTIQ+, entre otros temas y lecturas. Pero a la vez, me parece una película bastante ambiciosa en su concepto y en lo que quiere abarcar. Política, industria, familia y sociedad. Y la fragilidad con la que los oprimidos acceden a trabajar contra sí mismos por intereses propios. A veces ese querer abarcar mucho puede abrumar al espectador y sentir además que se alarga mucho. Pero sigue siendo una película original, extraña y fascinante, llena de humor negro, muy bien dirigida, actuada, fotografiada y un destacado diseño de arte y producción, sobre todo en esas escenas que juegan con lo onírico y de posesión de objetos, que son a la vez con intención, bastante sencillas y sin grandes efectos. No dejen de verla en cines. En Cartagena en Plaza Bocagrande. La película ganó el Gran premio en la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes 2025 y premios en el Festival de Sitges de cine fantástico y de terror. 




Reseña de la película: Un fantasma servicial (A Useful Ghost)

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

sábado, 22 de agosto de 2026

Reseña de la película: En el camino (David Pablos) - 2025 / México

Reseña de la película: En el camino


Hace unas semanas llegó a carteleras limitadas del país el estreno de esta película, dirigida por el joven cineasta mexicano, David Pablos, quien dirigió en el 2020 otra película queer, “El baile de los 41” de Netflix. En “On the road”, Pablos nos cuenta la historia de un joven desamparado, llamado Veneno, quien suele, como otros jóvenes de su edad, acostarse con camioneros o mafiosos para poder sobrevivir en las dificultades de su entorno, con paisajes desérticos y abandonados del norte de México. Un día Veneno se mete en un problema y huye hasta encontrarse con un camionero, al que llaman Muñeco, quien lo acoge y deja que lo acompañe por un tiempo. 




Reseña de la película: En el camino


La película cuenta una historia que ya se ha contado varias veces dentro del mismo género LGBTQ o Queer, del hombre mayor que acoge a un joven homosexual desamparado, pero es interesante cómo Pablos intenta narrar la historia con algunos aspectos distintivos, como adentrarnos al mismo mundo de los camioneros, como hizo recientemente la película “Pillion” con los moteros, y retratar ese interesante universo, de los hombres que viven en la carretera, la hiper masculinidad que manejan, y a la vez, el homoerotismo que rodea al mismo gremio, entre otros detalles muy interesantes, que reflejan una vida itinerante y solitaria.   




Reseña de la película: En el camino


Pero aparte del mundo de los camioneros, me gustó el cuidado en el aspecto visual que maneja el director, pues pude sentir influencias o me hizo recordar estéticamente al cine del director brasileño, Gabriel Mascaro, quien en varias de sus obras mezcla de forma excelente y efectiva el realismo con elementos oníricos y un simbolismo visual que sirve de elemento narrativo para completar o ayudar a entender mejor a los personajes, y lo que callan (en el caso de la masculinidad, como en su película “Boi Neon”). Creo que Pablos lo hace muy bien, y esos momentos oníricos funcionan muy bien, así como los mismos flashbacks que van desvelando el misterio del pasado de Veneno. 




Reseña de la película: En el camino


Creo que es una película muy bien estructurada, que dentro de las cosas terrible que muestra, retrata y denuncia, también permite que crezca un bello romance, en donde ambos deben superar sus miedos y sus fantasmas, las ideas de masculinidad y el abuso, para dar paso al descubrimiento de la sensibilidad, la intimidad y sus propios deseos ocultos o reprimidos. Me gusta que no se regodea en la violencia y la tragedia, como suele ocurrir, sino que se permite el espacio para mostrar los aspectos más vulnerables, sin temor a explorar el deseo y con algo de esperanza en su definición.      




Reseña de la película: En el camino


En síntesis, es una película muy interesante, que mezcla el drama romántico queer con el thriller, la road movie o el género de viaje en carretera, mientras explora el universo de los camioneros en el norte de México, en donde conviven la violencia y presencia del tráfico de drogas, con la prostitución masculina y el abandono en un entorno machista e hipócrita. Mientras los personajes al conocerse entran en conflicto con ese estilo de vida, y juntos van encontrando un espacio de paz, calidez y seguridad que nunca habían conocido, lo que les hace replantearse todo hasta ese momento y tomar nuevos caminos en la búsqueda de sus respectivas identidades. Muy bien el trabajo de los protagonistas, el joven Veneno (Victor Prieto) y Muñeco (Osvaldo Sanchez), que logran una buena química en conjunto. La película ganó el premio a Mejor película en la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2025, en donde también ganó el Queer Lion Award.




Reseña de la película: En el camino

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

viernes, 7 de agosto de 2026

Reseña de la película: Sound of Falling (Mascha Schilinski) - 2025 / Alemania

Reseña de la película: Sound of Falling


Hace meses se estrenó en el país la película "Sound of Falling" (El sonido al caer) de la joven directora alemana, Mascha Schilinski, que quedó en 2do lugar de mi listado de las mejores películas del 2025, y logró el Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025. Es una película abstracta, enigmática, etérea y bella en su crudeza. Con una estructura fragmentada y no lineal que nos sitúa en distintas épocas de la historia en Alemania, pero con el mismo centro o espacio físico en donde se desarrollan los eventos, que es una granja al norte del país. Pasa el tiempo, cambian las personas, pero el escenario es el mismo, por lo que el mismo espacio, la granja y distintos elementos y objetos, adquieren un significado y protagonismo especial.




Reseña de la película: Sound of Falling


Aunque no se específica las épocas, podemos atisbar que hay una parte que transcurre en la Alemania anterior a la Primera Guerra Mundial, misma época en que transcurre "La Cinta Blanca" de Michael Haneke (de la cual bebe estética y conceptualmente), y también se traslada posteriormente e intercala con la Alemania dividida en medio de la Guerra Fría hasta una Alemania más actual. En ese intervalo de tiempo de más de un siglo, observamos en este drama generacional a un grupo de mujeres que luchan contra la adversidad del tiempo y la sociedad, mientras buscan su propia esencia, intentando sobrevivir a las cargas del pasado, o su propia extinción de ese territorio contaminado y hostil. 




Reseña de la película: Sound of Falling


La película, aunque estéticamente, artísticamente y formalmente presenta una experiencia que alude a lo etéreo, casi como una sucesión de imágenes oníricas fundidas con voces fantasmales que quedan impregnadas en el espacio para la eternidad, también posee una belleza poética como de un documental muy sofisticado y experimental sobre las heridas generacionales de este grupo de mujeres. Pero no se limita al drama, porque también la parte documental nos muestra la cotidianidad, los lazos familiares y la madurez de la juventud con todos sus deseos a flote, pero siempre con los testigos invisibles de los antepasados, y de las fuerzas  invisibles que amenazan por cambiar el rumbo de todo el país. Y en su tramo final si están atentos, pueden identificar que las historias intentan mezclarse, por lo que hay interferencias en el sonido (el trabajo de sonido es muy importante en la trama) e imágenes de cada época, ahondando en el concepto de la circularidad del tiempo y de la existencia misma. 

En fin, es una experiencia que exige del espectador, pero si logras entrar y dejarte llevar, serás recompensado con una gran película. 







Reseña de la película: Sound of Falling

Reseña de la película: Sound of Falling

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

viernes, 24 de julio de 2026

Reseña extendida y Análisis de la película: The Odyssey (La Odisea) de Christopher Nolan + Comparación con la película The Return (La Odisea: El regreso) de Uberto Pasolini



Ya había compartido una MiniReseña sobre la película de Nolan en mi blog de frases, y ahora voy a aprovechar para extenderla y mencionar más detalles que me faltaron por decir en este post, y también hacer una comparación con otra película que se está mencionando mucho, porque se estrenó el año pasado, también adaptando la Odisea. Entonces en este post se va a ver literalmente cómo extiendo la reseña, porque voy a copiar la misma y extenderla en algunos puntos. Además voy a compartir otros links, como mi Diario de Lectura sobre la obra de Homero, mis posts de las otras películas de Nolan, y por supuesto las frases y diálogos de la película de Nolan. Entonces, acá vamos:   


Reseña extendida de “La Odisea” de Christopher Nolan

“La semana pasada se estrenó en salas de cine la adaptación de Nolan al enorme poema épico de Homero, que se considera fundamental en el desarrollo de la novela en occidente. Es una obra que adoro, que he analizado y estudiado varias veces, y aunque no tenía muchas expectativas, he disfrutado mucho de esta adaptación de Nolan. "La Odisea" cuenta la historia de Odiseo (mismo Ulises) y su largo viaje a casa, de más de 10 años, tras triunfar en la guerra de Troya. Nolan es fiel a los episodios más emblemáticos de la obra, que son muchos, y los retrata con mucha maestría (emociona ver en pantalla, el cíclope Polifemo, Circe, el monstruo Escila y Carabdis, las sirenas, el episodio de las vacas sagradas del dios Sol en Trinacia, Calipso, etc., y era difícil meter todos), todas esas historias que forman las aventuras o desventuras de Odiseo antes de volver a casa, tras los hechos de la guerra de Troya, de la que también se muestran fragmentos y se resalta la magnitud de su crudeza, además de las secuelas que dejó en los sobrevivientes y vencedores, tras la ingeniosa idea de Odiseo de infiltrarse en el famoso caballo.” 

Extensión sobre el tema de Troya: Me parece correcta la forma que se introducen los acontecimientos de Troya, que transcurren más que todo en la Ilíada, dentro de la estructura de la narración, dosificadas creo que en tres momentos específicos. Son de las escenas mejor logradas, al Nolan darle una importancia especial a la figura del caballo, y a la estrategia ideada por Odiseo, que llevó a los griegos (aqueos) a vencer pero a la vez a romper “La Ley de Zeús” (Xenia), pero además las leyes de la piedad y el respeto a los templos (se muestra en la decapitación que hacen a una estatua de Atenea), que trajo eventuales consecuencias para los vencedores en sus respectivos regresos. Y está correcto el retrato como salvajes y saqueadores, que eventualmente atormentan a Odiseo (y a continuación hablaré de eso). 






“Odiseo es un personaje mucho más complejo psicológicamente en la obra original, y Nolan decidió quitarle algunas capas para encajarlo más en el prototipo de héroe. Es entendible la decisión y no molesta.”

Extensión sobre el tema de Odiseo: Cuando menciono esto, me refiero a que el Odiseo de Nolan es un poco suavizado para encajar en un prototipo de héroe más tradicional y moderno. Pero Odiseo ya era un personaje complejo y fascinante, aunque entiendo la decisión de Nolan de hacerlo de esa forma en su versión. Pero me hizo falta el retrato del Odiseo astuto, perspicaz, implacable, narcisista e impulsivo, características que le sirvieron para sobrevivir pero también le hacían meterse en más problemas. Y por supuesto, el Odiseo que conscientemente disfrutó de los años en compañía de Calipso sin amnesia o remordimiento, así como tampoco se sintió atormentado por los sucesos en Troya, era simplemente la guerra. Odiseo también depende mucho para sobrevivir de la ayuda de la diosa Atenea, quien interviene en cada suceso, incluso en la lucha con los pretendientes al final. Pero como mencioné al inicio, no molesta porque encaja en esta versión épica y un poco más liviana que Nolan quiso llevar al público masivo, pero no olviden que ven un retrato unidimensional y un poco endulzado de uno de los héroes más importantes, tanto que era el favorito de la misma Atenea, diosa de la guerra estratégica y la sabiduría, porque Odiseo representa fielmente ambos aspectos: la inteligencia y el talento bélico.






“Además de toda esa parte épica, me gusta también el tratamiento y la importancia que da al drama doméstico y familiar que transcurre durante esos años en Ítaca con su esposa Penélope y su hijo Telémaco, a la espera del rey y al acecho de los pretendientes, los fieles y traicioneros empleados, el perro Argos, en fin, todos retratados y muy bien interpretados (algunos mejor que otros), y dentro de todo resaltar la importancia del don de la hospitalidad, de recibir al visitante por educación y temor al castigo de los dioses, quienes en la obra original son los grandes manipuladores de los acontecimientos, y acá también lo siguen siendo pero se limitan sus apariciones, con excepción de Atenea, la protectora de Odiseo, y se representan más con las fuerzas de la naturaleza y sus impactos.” 

Extensión sobre el tema de Ítaca y el hogar: Me gustó la dosificación que Nolan hizo a los dos grandes pilares de esta historia: las aventuras y el drama del hogar. En Ítaca con la casa siendo asaltada por los que pretenden ocupar el lugar de Odiseo, mientras Penélope espera con paciencia y esperanza. Y aunque el retrato de los pretendientes es fiel, me hizo falta más presencia del erotismo, pues éstos hombres también tomaron posesión de las mujeres de la casa, y no todas ellas eran forzadas. Y aquí entramos al debate de si Penélope esperó con lealtad o también aprovechó de algunas propuestas de los pretendientes, o usó su poder seductor y poder como reina para manipularlos hasta el regreso de Odiseo. El tema siempre da para diversas interpretaciones, y Nolan prefiere no meterse por esos lados, ya que sus películas siempre carecen de erotismo y sexo, por lo que es normal para sus estándares.






Extensión sobre el tema de los Dioses y Atenea: Es entendible que muchos lectores echen de menos la presencia de los dioses, porque ellos son los grandes manipuladores de todo lo que ocurre, y su presencia y discusiones son vitales para la obra, además de ser tan pasionales e impulsivos como los mismos humanos. Pero comenté que me parece acertado que hayan limitado su representación física, porque hubiesen implicado más tiempo de metraje, quitar enfoque a los humanos y desenfocar la propuesta del director, por lo tanto, me pareció acertado representarlos a través de la misma naturaleza, el viento, el mar, el rayo, el fuego, etc. Y la única diosa que tiene representación es Atenea (Zendaya), porque es la diosa más importante del poema y la que más interviene. Me gustó Zendaya, de hecho no tengo problema con la elección del elenco, por eso no lo he mencionado, pero más adelante hablaré de personajes. Quizás el problema es con la misma representación de Atenea de Nolan, que en la película es bastante silente, casi invisible y sufre mucho por todo (lo que es algo que no representa al personaje de la diosa, quien solo sufre por los problemas que pueda tener Odiseo, su favorito). Atenea acompaña tanto a Odiseo, como a su hijo, Telémaco, durante todo el poema, aunque Nolan sí decide introducir al personaje de Mentor, quien en la obra original es la misma Atenea en uno de sus tantos disfraces terrenales. Nolan lo introduce como compañero y protector de Telémaco durante su visita a la tierra de Menelao, y como un buen detalle, Telémaco le menciona constantemente que sus ojos se le parecen a los de la diosa Atenea, lo que me pareció un bonito detalle y referencia. Pero en definitiva, ya que solo introducen a Atenea, me hubiese gustado más presencia de su parte, y no digo en tiempo en pantalla sino que fuerza y poder en sus apariciones, y no tan sufridora. 






“Creo que Nolan hizo un buen trabajo al sintetizar la obra con la importancia en ambos pilares (La guerra, la épica y la aventura, junto al hogar y el drama doméstico), y a veces se hace rápida mención a otros acontecimientos y personajes que son importantes (incluso con algún flashback) que creería podrían confundir al espectador que no conoce la obra original y todos sus personajes, pero creo no tiene gran incidencia, porque junto a mí estaba una señora, que me parece que quizás no conocía la obra porque se sorprendía por todo, pero que disfrutó la película en sus momentos épicos con tensión y sorpresa, y en la parte doméstica, como en cualquier melodrama, y me gusta que Nolan logre eso, y que acerque la obra a mucha más gente. Tiene una excelente dirección, fotografía, dirección de producción y arte, actuaciones y la banda sonora de Ludwig Göransson, siempre potente, detallista y acertada. Me parece también que Nolan deja marca de estilo en varias escenas, pero a la vez hace algo nuevo o distinto a sus anteriores producciones. La disfruté bastante y espero volver a verla pronto. No dejen de verla en salas de cine.”

Extensión sobre el tema de personajes y actuaciones: En general el elenco me parece que cumple, pero haré breves comentarios de algunos de ellos…

Odiseo (Matt Damon): Me gustó mucho su actuación, aparte de los cambios al personaje que hizo Nolan, creo que Damon lo saca adelante. 
Penélope (Anne Hathaway): Me gustó su actuación, tiene mucha presencia. 
Telémaco (Tom Holland): En algunas partes no me convence, pero tiene buenos momentos. La evolución de niño a hombre no es tan evidente, y no me refiero a lo físico. 






Antínoo (Robert Pattinson): Hace un muy buen trabajo.
Eumeo (John Leguizamo): Hace un muy buen trabajo como el fiel criado y porquerizo de Odiseo.
Circe (Samantha Morton): Muy buena interpretación, y toda su parte más la del Hades me parece de las mejores logradas de la película.
Calipso (Charlize Theron): Lo hace bien en sus pocos minutos de presencia.
Helena/Clitemnestra (Lupita Nyong'o): También me parece que lo hace muy bien en los pocos minutos que aparece. 
Sinón (Elliot Page): Nolan añade este personaje que no sale ni en la Ilíada ni la Odisea, sino en la Eneida, y en una parte le quita diálogos al adivino Tiresias en el Hades. No molesta su incursión y el actor lo hace bien.
Otros que cumplen: John Bernthal (Melenalo), Himesh Patel (Euríloco), etc.



Comparación con “The Return” (La Odisea: El regreso) de Uberto Pasolini - 2024 / UK




Aunque también lo pensé, el director Uberto Pasolini no es familiar de Pier Paolo Pasolini, pero al parecer sí está relacionado con Luchino Visconti. La curiosidad de esta película que llegó a cine también este año, y en otros, el año pasado, es que la historia se centra únicamente en el regreso de Odiseo a Ítaca, sin incluir las desventuras por todas las pruebas a las que lo somete el dios del mar, Poseidón, antes de regresar a casa. 

Me pareció una buena película, que tiene detalles importantes que no salen al final de la Odisea de Nolan, pero no por ello me parece en general mejor película, además que también se da sus licencias en algunos temas y resoluciones. Quería hacer la comparación con el retrato que hacen de algunos personas y algunas decisiones que toman en la resolución de cada obra:






Penélope: En la versión de Pasolini está interpretada por la gran Juliette Binoche, y es un buen retrato, aunque parece aterrada por la violencia, lo que contrasta  con la versión de Nolan, que no parece tan aterrada de la violencia que trae su ausente marido, sino que lo ve como una liberación y justicia. 

Telémaco y Odiseo: Este es quizás el personaje con más contraste en ambas adaptaciones, porque el de Pasolini es más cercano a la obra original, se nota el miedo, el conflicto interno, aunque no acepta a su padre inmediatamente sino que guarda un resentimiento que es inexistente en la obra original. Esa parte no me gustó tanto de ese retrato porque parece un poco inmaduro y haciendo rabietas, también la coge contra la madre. Pero en lo que sí coincide con la obra original es que decide participar en la batalla final junto a su padre, a su par como apoyo. El de Nolan, Odiseo no se lo permite, para que no sea exiliado, al quebrar la “Ley de Zeus” (Xenía), la ley de la hospitalidad hacia los viajeros y extraños (y ser el mismo Odiseo el que finalmente sea exiliado). En la obra original, en realidad, la ley entró en conflicto porque los pretendientes habían abusado de la hospitalidad, por lo tanto estaba justificada su muerte y castigo. En la obra de Homero, Atenea plantea el problema y Zeus aprueba la matanza sin consecuencias. Aunque según la profecía de Tiresias, Odiseo al final sí tendrá que hacer un viaje para hacer un sacrificio lejos del mar para aplacar la ira de Poseidón. 






El Odiseo de Pasolini está interpretado por otro gran actor, Ralph Fiennes, quien aunque muestra algo de culpa por su ausencia, no se encuentra atormentado por su pasado.





 

El final: Lo que me pareció interesante de ambas adaptaciones fue el final que decidieron darle. Mientras Nolan hace que Odiseo haga su viaje pero a la vez se exilie junto a Penélope, dejando a Telémaco como Rey de Ítaca, y con el peso de la culpa. En la de Pasolini, Telémaco abandona Ítaca, después de ayudar a su padre en la matanza, pero no exiliado sino por decisión propia. Odiseo dice que regresará cuando entienda todo. Mientras que en la obra original, no hay nadie exiliado, pero Odiseo sí debe hacer el viaje para hacer un sacrificio a Poseidón, pero regresará a reinar hasta morir en su tierra natal, junto a su esposa e hijo, quien no le guarda ningún resentimiento sino que ha demostrado fortaleza al ayudarlo en la batalla, y se queda como un fuerte aliado y heredero, quien además ve con devoción a su padre. Algo que ambas adaptaciones decidieron ignorar en el final, es que los padres de los pretendientes van a Ítaca a tomar venganza, y Odiseo está dispuesto a luchar contra ellos (incluso alcanza a matar a uno), pero los dioses observan todo y deciden intervenir, exigiendo que haya paz, solo porque no querían más guerras y conflictos, por el momento. Y ese es el real final de la Odiseo, con los dioses poniendo paz al conflicto. Pero algo que me gustó de la versión de Pasolini, es que Penélope, aunque muestra un pequeño rechazo por su marido tras la masacre, le hace una última prueba, para ver si recuerda el espacio de su cama matrimonial, que es una cama construida por el mismo Odiseo sobre el tronco de un olivo, y que Penélope clausuró tras la partida de su marido. Odiseo encuentra la habitación y ella lo acepta con devoción y con los deseos reavivados. Y ese es otro detalle interesante, que ambas adaptaciones ignoran por obvias razones, y es que la diosa Atenea puede envejecer o hacer más joven a los protagonistas, y lo hace tanto con Odiseo como con Penélope, y al final terminan reuniéndose en el lecho nupcial rejuvenecidos y amándose. Como ven varios detalles distintos, por lo que los invito a no dejar de leer la obra literaria. Y bueno, es todo lo que recuerdo por ahora y lo que quería compartir.


A continuación, comparto distintos posts sobre la Odisea y Las películas de Nolan en mis blogs:


Frases y Diálogos de la película "The Odyssey" - (Link 1)


Acá dejo un link a un Diario de Lectura muy detallado que hice de la "Odisea" de Homero (y al final dejo otros posts en el blog de películas de Nolan):







miércoles, 15 de julio de 2026

Especial: 2 historias en Cartagena. Reseñas de las novelas: Memoria de un Crucigrama (Orlando Oliveros) y Las Bocas del Silencio (Juan Antonio Pizarro)

Especial: 2 historias en Cartagena. Reseñas de las novelas: Memoria de un Crucigrama (Orlando Oliveros) y Las Bocas del Silencio (Juan Antonio Pizarro)

 

Entre mis últimas lecturas han coincidido estas dos novelas que tienen en común a la ciudad de Cartagena como escenario, y también en que son las óperas primas de sus respectivos autores, a quienes conozco y aprecio. Por lo que he decidido juntar las reseñas en un mismo post. Disfruten y compartan:



Memoria de un Crucigrama (Orlando Oliveros)


La primera novela del joven escritor y periodista cartagenero, Orlando Oliveros, es una novela muy bien estructurada e hilvanada, que nos cuenta la historia de Anastasio, un periodista y poeta frustrado, quien un día recibe la propuesta de falsificar la obra de un excéntrico y reconocido poeta alemán, Kurt Kreuzworträtsel, maestro de la poesía arquitectónica, de origen argentino pero que vivió sus últimos días en Cartagena. Anastasio debe escribir un libro apócrifo para hacerlo pasar como obra póstuma recién descubierta del fallecido autor, para ganar dinero del muerto. Pero en ese proceso, el autor nos lleva por otras historias entrecruzadas con la trama principal, que harán viajar al lector hacia una experiencia que habla sobre las posibilidades de la escritura, la literatura y la misma creación literaria, pero también nos lleva a los territorios de la novela de misterio y crimen; en algunas partes, aparece la novela aventuras y algo de picaresca con su inherente humor y tragedia, para pasar a la misma esencia del costumbrismo y el realismo, en donde Oliveros va recorriendo con sus personajes espacios geográficos físicos de la ciudad, pero también espacios del imaginario colectivo de nuestra cultura, mitos y leyendas, que enriquecen mucho la narración, y que le permiten al lector local ubicarse entre ambos espacios, y seguramente al lector no local, intentar buscarse dentro de este compendio de historias y referencias, que trascienden los límites espaciales, y te lleva por terrenos literarios, artísticos y cinematográficos. 


La novela se divide en tres partes, unidas por dos breves capítulos de transición, que el autor titula como “Coros de Anastasio”, que evocan eventos traumáticos del pasado del protagonista en el pueblo de El Callao, que es el inicio de todo, y como la misma esencia del coro de la tragedia griega, representa la consciencia del mismo pueblo y los testigos, lo que me pareció un interesante recurso, usado especialmente en novelas vanguardistas, para sintetizar o hacer una transposición poética de esta parte de la historia del personaje principal. En la Primera parte, “El dios de las palabras cruzadas”, se nos introduce toda la trama y planeación del fraude, en donde narrativamente el autor se decanta por el uso de la tercera persona pero intercala con la primera cuando cambia la perspectiva hacia otro personaje. En la Segunda parte, “Una editorial para libros huérfanos”, se nos introduce la historia de Gregorio, quien contrata a Anastasio para el fraude, y los devenires en la creación de la editorial, en donde seguimos también con la historia de Anastasio pero se intercala con la historia de Gregorio y su viaje por Colombia buscando clientes para estafar con la literatura. Y la Tercera parte, “Sábanas blancas” nos muestra a Anastasio visto tras las cartas, noticias e imágenes vistos por Leila con escepticismo y un notable dolor silencioso. Pero luego seguimos a Anastasio en sus días en prisión, la enfermedad del Covid, algunos conflictos que no se nombran pero se dejan entre líneas, y su eventual redención volviendo a sus raíces y los traumas por sanar.


Me pareció una novela ingeniosa, didáctica y muy fluida, que nos lleva por distintos recorridos dentro de un laberinto, pero siempre acompañados por la buena prosa, las excelentes descripciones de espacios y personajes, dentro de un engranaje muy bien concebido y ejecutado. Y que por supuesto, alude a la nostalgia de pasadas generaciones que crecieron en la Cartagena de antaño, al mencionar espacios e historias de un pasado no tan distantes, como lo Cinemas Capitol o los escritos póstumos de escritores como Raúl Gómez Jattin, y el misterio tras de ellos, también el retrato de la vida de un periodista local, la impotencia en las denuncias, los cócteles superficiales, y en definitiva, la radiografía del alma de la ciudad bella pero melancólica. Muy recomendada para que la lean y disfruten. Disponible en las librerías del país.




Especial: 2 historias en Cartagena. Reseñas de las novelas: Memoria de un Crucigrama (Orlando Oliveros) y Las Bocas del Silencio (Juan Antonio Pizarro)


Las Bocas del Silencio (Juan Antonio Pizarro)


“Las Bocas del Silencio” es también la primera novela del escritor caleño pero afincado desde hace algunos años en Cartagena, Juan Antonio Pizarro, quien llevado por su interés y fascinación por la historia y por la misma ciudad de Cartagena, escribió esta ambiciosa novela, dividida en cinco partes o “5 libros”, en donde un narrador sin nombre, nacido en los años de 1.800 en Gimaní (Getsemaní) empieza a contar la historia de su familia, empezando por su Abuelo, en quien se centra el primer libro, y que nos traslada al continente europeo, en Trujillo, España, con un niño ilusionado por cumplir el sueño de ir a América, específicamente a Las Indias, para hacer fortuna. Desde esta primera parte, Pizarro ya nos atrapa con su prosa precisa y fluida, con sus excelentes descripciones del espacio y con la minuciosa construcción de sus personajes, especialmente con la recreación de la infancia, en donde me parece que el autor es capaz de construir y evocar desde la memoria y el recuerdo, bellas escenas atemporales que conmueven al lector, y en cierta forma los lleva a encontrarse en ellos. Pero la infancia sigue siendo protagonista, porque aunque en el primer libro vemos la infancia y adolescencia del abuelo, posteriormente en los libros dos y tres, vemos la del mismo narrador, por lo que creo que la infancia y adolescencia tienen una fuerte presencia en la novela en general, y el autor se mueve como pez en el agua en ese espacio temporal. El primer libro finaliza con la partida del abuelo a las Indias, que está llena de muchos avatares y eventos emotivos y trágicos que lo dejarán marcado para siempre. Pero dentro del mismo capítulo exploramos muchos temas históricos, en referencia a las personas que volvían a España sin fortuna pero con la impresión del nuevo mundo, entre otros temas muy interesantes. 


En el segundo libro, “Bisbis”, exploramos la vida y personalidad de la bisabuela del narrador, mientras hacemos a la vez un recorrido por la Cartagena de antaño, su paisaje geográfico, sus tradiciones arraigadas y perdidas, la esclavitud, el machismo y la determinación de algunas mujeres que no se dejaron pisotear por la tradición y la historia. En el tercer libro, “Narrador”, recorremos los recuerdos juveniles del protagonista, con anécdotas, historias locales y mucha cotidianidad, más el primer amor y la primera decepción amorosa, aventuras, descubrimientos, mientras la historia de independencia de Cartagena se mueve de fondo. En el cuarto libro, “Mi amigo Ramiro”, la acción pasa a la ciudad de Bogotá, a través de las historias y vivencias de Ramiro, amigo del protagonista, quien le cuenta su historia en medio del Sitio de Morillo en 1815. Y finalmente, en el quinto libro, “Madre”, la acción se traslada a Haití, con más historias. 


Como ven, Pizarro hace todo un recorrido histórico muy bien hilvanado con la trama principal del protagonista y las personas a su alrededor, que hace que los momentos en donde se entrecruzan con personajes históricos, se sientan muy orgánicos y bien construidos. Y me gustaría hacer mención a la dificultad de la estructura narrativa, pues aunque el lector no lo siente del todo, pero sí debe estar muy atento para no perderse entre los personajes y toda esa construcción coral de secundarios, no debió ser fácil encontrar el tono para que la historia fluyese y avanzara con naturalidad. Creo que es un gran mérito del autor, quien me parece que creó una novela muy sólida, que pone el foco en episodios históricos y personajes locales que no han sido tan retratados en nuestra literatura, y se han mantenido a la espera y en silencio, a veces simplemente relegados a una breve nota en textos académicos. Así que, además de las buenas descripciones, también encontrarán muy buenos diálogos, una variedad de recursos narrativos bien implementados, mezcla de géneros literarios (desde la picaresca y la novela de formación hasta la misma novela policíaca), personajes secundarios memorables y una bien lograda adaptación de eventos y personajes históricos a la trama principal (como los mismos, Simón Bolívar o el Sabio Caldas). Una novela rica y ambiciosa, pero a la vez cálida e íntima. 


La novela ha tenido varios lanzamientos en la ciudad de Cartagena, y en nuestro Club de Lectura de Ábaco, la estuvimos socializando a través de cinco sesiones, a principios de este año en compañía del autor, dejando para el recuerdo muy buenas conversaciones y descubrimientos adicionales. No dejen de leerla. Disponible en librerías del país, ya en su segunda edición.