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domingo, 6 de octubre de 2024

Reseña de la película: Joker: Folie à Deux (Todd Phillips) - 2024 / U.S.A. / En Cines

Reseña de la película: Joker: Folie à Deux


Bueno... esta semana se ha estrenado esta secuela de la exitosa película que le dio el Oscar a Joaquin Phoenix como mejor actor. Y debo decir que cae dentro de ese grupo de secuelas innecesarias y directos despropósitos. Teniendo una primera película tan bien estructurada y auto concretada, que sin ser perfecta logró ser muy efectiva y sólida, para llegar al declive con esta segunda parte que es todo lo contrario. Aunque al parecer por el enorme éxito de la primera parte el director se vio obligado a hacer esta segunda parte sin estar convencido, y se nota la falta de espíritu y de corazón en esta película.


La película es una especie de drama carcelario revuelto con un musical insoportable (los números musicales no tienen hilo con la narración, son muchos y además de la mayoría aburridos... confieso dormirme en algunos). Aparte de eso, todo lo construido en la parte psicológica con el personaje se desploma, y es evidente que no supieron qué hacer para continuar la historia y mucho menos para cerrarla. Y con todo ello, creo que sí tenían un planteamiento interesante para explotar y darle una continuidad coherente a la historia, con este personaje desencontrado que se ve inferior a las expectativas que tienen los demás sobre él. Pero no supieron desarrollar bien esa evolución, o lo trataron de hacer de una forma no convencional, y no les salió muy bien el intento. Ese planteamiento incluso les daba un buen punto de enlace para conectar con cómic y otras secuelas, si se quería, pero la verdad no lo han aprovechado, y hasta parece un auto saboteo.




Reseña de la película: Joker: Folie à Deux


Un punto aparte son las actuaciones, de Joaquin Phoenix y Lady Gaga, que me parece que están bien en sus papeles, pero lamentablemente no pueden hacer nada con ese guión, que los lleva por una senda confusa y somnolienta. Aunque Gaga parece haber sacado ya un disco inspirado en la película (el cual aún no he escuchado), y a veces los números musicales donde ella participa parecen incluidos a la fuerza y sin una real conexión con la trama. Por otra parte, la BSO de Hildur Guðnadóttir, sigue siendo muy destacable, caso aparte de la mayoría de los números musicales. 




Reseña de la película: Joker: Folie à Deux


En fin, la verdad es que no me ha gustado nada. Y si van a verla, será bajo su propio riesgo. El final, es como toda película, apresurada y sin sentido, aunque se entiende la intención y el mensaje que intentan dar, sobre el tema de las ideas que escapan a sus inspiradores/creadores, y eventualmente se heredan con distintos propósitos. Pero ojalá la película hubiese tenido un mejor desarrollo para llegar a esa conclusión, y de allí ya pudiesen seguir ampliando el universo o conectando con la otra película, The Batman, si es lo que querían. Por otro lado, me encanta que "La Sustancia" siga en cartelera de la ciudad (Cartagena de Indias) tras tres semanas, y ha ocurrido lo mismo en otros países, en donde han ampliado su proyección y número de salas, gracias a un buen boca a boca. No dejen de ir a verla. Otras interesantes en cartelera: "No hables con extraños" (le debo comentario), "María Montessori" y "Horizonte. Una leyenda americana".




Reseña de la película: Joker: Folie à Deux

 


sábado, 27 de mayo de 2023

Reseña completa y Análisis de la película: La Sirenita (The Little Mermaid) de Rob Marshall - 2023 / U.S.A. / Disney

 
 
Me resultó curioso que la película iniciara con una cita de Hans Christian Andersen sobre las sirenas, quien fue el autor danés, autor del cuento original, que a su vez adaptó Disney en su versión animada y mundialmente famosa de 1989. La adaptación de Disney es un gran musical animado con canciones memorables pero lejos del espíritu y la esencia del cuento original, que es una tragedia sin final feliz. Bien dice Andersen en el cuento cuando el rey le advierte a su hija, la Sirenita, cuando cumple la mayoría de edad y tiene permitido visitar la superficie:

"-¡Bien, ya puedes salir a respirar el aire y ver el cielo! ¡Pero recuerda que el mundo de arriba no es el nuestro, sólo podemos admirarlo! Somos hijos del mar y no tenemos alma como los hombres. Sé prudente y no te acerques a ellos. ¡Sólo te traerían desgracias!"

 
Pero ya entremos de lleno a la nueva adaptación del cuento de Andersen, y sobre todo de la adaptación animada de Disney:
 
 
 

 
 
Siento diversas emociones encontradas y varias cosas por mencionar.  Inicialmente debo decir que me gusta esta "reinvención" de la adaptación animada de Disney ambientada en el Caribe, específicamente en la costa de Brasil para justificar las características étnicas de la población. Creo que eso pudo ser una buena oportunidad de reinventar el relato, pero puse la misma palabra anteriormente entre comillas porque todos estos elementos nuevos son sobrepuestos y quizás de relleno ante una serie de escenas calcadas de la versión animada con sus canciones, aunque sin la estética de los planos. En la primera parte que es prácticamente calcada de la animación, tengo problemas porque en mi infancia vi muchas veces todas las películas animadas de Disney, así que tengo grabados cada plano, canción y secuencia, por lo que era inevitable la comparación con esas escenas copiadas, y debo decir que honestamente se me hicieron muy pobres desde el punto de vista estético y visual porque no logran calcar los planos y encuadres originales, sobre todo cuando son escenas sincronizadas con música, pero tampoco propone nuevas opciones creativas coreográficas sino que me parecen realmente encuadres feos y cutres directamente, donde no hay sinfonía ni fluye como debería. En un momento vi que quizás el problema de sincronía se debía al mismo CGI utilizado en casi todas las escenas, las que quizás no permitieron un acoplamiento más orgánico, ni la construcción de encuadres decentes, pero la verdad eso no es excusa.  

 
 

 
 
Y sabemos que una buena dirección y fotografía ayudan a resaltar la obra en general, la narrativa, el lenguaje no verbal, el significado del espacio y el trabajo de los actores. Pero tristemente con estas fallas evidentes, ninguno de estos elementos destaca especialmente y realmente luce bastante mal, opaco, sin alma y superficial. Eso nos lleva a apreciar el nivel de calidad de la animación, que era un excelente musical, con muchos momentos memorables y muy bien sincronizados. En cuanto al CGI y la animación de los personajes secundarios, diría que están correctos, aunque por momentos menos creíbles que otros.
 
 
 

 
 
La siguiente parte, la intermedia, me gustó un poco más. Cuando Ariel sale a tierra a cumplir su misión tras su amor. Y aunque siguen habiendo escenas calcadas, son mucho menos y hay más exposición y mayor desarrollo de la nueva propuesta en el Caribe. Además que los dos actores tienen buena química, lo que le da cierta fluidez al fugaz enamoramiento. Las canciones nuevas tampoco son tan buenas, pero supongo que no desentonan. Pero en general disfruté un poco más esta parte. 

Y en el tramo final, volvemos de nuevo con las sensaciones de la primera parte porque hay nuevamente muchas escenas calcadas, además de algunos cambios para dar mayor relevancia a la protagonista y el poder femenino, pero en general no disfruté mucho ese cierre. Porque cae nuevamente en el error de la mala ejecución de la imitación y se evidencia como algo innecesario. Y con las nuevas adiciones a la propuesta muy flojas, a pesar de esa nueva concepción del espacio geográfico.
 
 
 

 
 
La Ariel, la Sirenita, Halle Bailey, me gustó. Creo se resalta su encanto, su voz, y teniendo en cuenta la nueva concepción de la propuesta, creo que está más que justificada su presencia, y que no parezca del todo una brusca adición. Los que siguen criticando su aspecto e incluso la ropa que usa, como he leído últimamente, me parecen lamentables y deberían revisar su racismo interno. Bailey está bien en su papel, a pesar de lo floja y fallida de la nueva propuesta, que creo pudo haber brillado más si hubiese desarrollado más esa nueva idea y no mirar tanto al pasado, tratando de imitar la animación. Y sobre el cuento original de Andersen hay unas muy sutiles y casi imperceptibles referencias, que pudieron haber sido interesantes de explorar un poco más, sin miedo a caer un poco en el drama más oscuro, porque de trasfondo vemos una historia muy triste, de un amor imposible, pero la película tenía su mirada y referencia fija en la adaptación animada, que fue bastante blanqueada, y que además de la consumación del amor, nos dio la resolución de los conflictos parentales y la referencia a la unión de los mundos diferentes, de la intersección del mito con la historia, de lo mágico con lo terrenal. 

Así que solo puedo decir que me pareció interesante, no es un completo desastre, pero creo que tenían material para explorar más allá de lo expuesto. Y las cuestiones artísticas y visuales, bastante imperdonables. Los Live Action que han hecho han tenido ese problema, pero mientras sigan facturando, les importará muy poco ofrecer productos (o refritos) con mejor calidad.

 
 
 

Reseña completa y Análisis de la película: La Sirenita (The Little Mermaid)

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

lunes, 12 de diciembre de 2022

Reseña Completa y Análisis de la película: Pinocchio (Guillermo del Toro, Mark Gustafson) - 2022 / U.S.A. / Netflix

 
 
Finalmente he visto la adaptación de Pinocho de Guillermo del Toro, estrenada en Netflix. La obra del italiano Carlo Collodi es una de mis favoritas, y tuve en mi infancia mucho aprecio por la adaptación de Disney en 1940, que representó un logro en la animación en su tiempo. También he sido un eterno amante y defensor del cine de animación, y Del Toro con su equipo han creado una pequeña joya contemporánea de la animación, a la vez que han respetado la esencia de la obra original pero también la han reescrito libremente dotándola de mucho más contexto, texturas y con el sello del universo del cineasta mexicano.

El diseño del personaje se acerca más al de Enrico Mazzanti, ilustrador de la obra original de Collodi, y en general todo el diseño de personajes, de producción y decorados es increíble. Se usa la técnica del stop motion, que es una de las que más aprecio y valoro dentro de la animación, por su detalle y toda su esencia artesanal en el proceso de creación. Pero al contrario de lo que he leído en algunos lados, tampoco es bueno decir que nunca se había hecho una película así. El stop motion tiene mucha historia y en cinematografías alejadas a nuestro entorno, como la República Checa por mencionar uno, y además se han hecho muchas películas con historias originales y muy profundas, como hace pocos años la de otro cineasta que incursionó en la animación como Charlie Kaufman con "Anomalisa" en el 2015. Pero aún así, sí valoro algunos detalles nuevos que ha introducido al proceso de la creación de los personajes, como ese sistema mecánico interno que dota de movimiento a las figuras, y que se puede apreciar en el documental de making off de la película también en Netflix, entre otros detalles.
 
 

 
 
Pero aparte de ese tema, la película me ha parecido preciosa y una joya, que entiendo que recuerde al Laberinto del Fauno por el tema de la guerra (acá la Italia fascista) y el diseño de los monstruos del director, que acá se aprecian en varios personajes, como el de ese contraste de los espíritus de la vida y de la muerte. También incorporaciones como el hijo de Geppetto y la guerra permiten ahondar más en temas importantes de la obra original, como son la paternidad, la iniciación, la educación, el deber, la aceptación, la consciencia, el sacrificio; y a la vez dar cabida a temas más reales y místicos como la importancia de la vida pero sobre todo de la muerte, que es la que le da valor a la primera. Así que en cierta forma la versión de Del Toro sí da una leve vuelta de tuerca a la esencia del personaje y la historia, pero esto no lo afecta en nada, sino que lo enriquece y sella una versión personal y original.
 
 

 
 
Como se puede apreciar en el documental todo es muy detallado y minucioso, desde la ambientación, los personajes, la selección de encuadres y la fotografía hasta la música de Alexandre Desplat, quien hizo un bello trabajo, junto con las voces de los grandes actores tras los personajes. Y me gustan que las canciones dentro de la música general del filme (que son aparte de la BSO) no entran en un formato tradicional de los musicales animados, donde normalmente se introducen en un momento específico que es completamente anticipado, sino que acá son bastante instantáneas, impredescibles y naturales. Y sin dejar de mencionar al icónico Pepe Grillo (acá Sebastián Grillo), la consciencia, quien acá recibe los golpes que recibe realmente en la historia original, y me encanta su papel más al margen, más individual y ese detalle de que su hogar terminase en el corazón del muñeco de madera.
 
 

 
 
He disfrutado mucho el visionado. Me ha parecido bella, conmovedora, mágica y con la dureza que proporciona el relato original, porque todo crecimiento e iniciación no se lleva a cabo sin conflictos, problemas y pérdidas. Una joya imperdible, que aún así esperé que me conmoviese un poco más de lo que lo hizo, no sé ahora mismo si es por la resolución final, pero algo adicional me faltó en ese tramo. Aún así creo que sin dudas es la mejor adaptación de la obra de Collodi y me encantó esa reivindicación del pedazo de madera que jamás renunció ni cambió lo que era sino que cambió a los demás, como dice el mismo Collodi al inicio del libro:

"Érase una vez... <¡Un rey!>, exclamaréis los lectores más jóvenes. Pues no, niños; os habéis equivocado. Érase una vez un pedazo de madera"
 
 
 
 
 
 

Reseña Completa y Análisis de la película: Pinocchio (Guillermo del Toro, Mark Gustafson)

Reseña Completa y Análisis de la película: Pinocchio (Guillermo del Toro, Mark Gustafson)

 

 

 

sábado, 1 de diciembre de 2018

The Ballad of Buster Scruggs (La balada de Buster Scruggs) de Joel Coen, Ethan Coen

Joen Coen, Ethan Coen



Película más reciente de los laureados y maestros del cine: Los hermanos Coen. Se hablaba mucho de su proyecto con Netflix, que al parecer iba a resultar en una miniserie de varios episodios, pero al final han decidido mantener la división en pequeños capítulos pero unificar todas las historias en una sola película. La película se estrenó sorpresivamente en el Festival de Venecia 2018, donde ganó un merecido premio al mejor guión. 



Tim Blake Nelson


Hace rato la tenía pendiente por ver pero no me había animado, y no veía una animada recepción de la crítica. Tras verla no pude dejar de decirme el tiempo que había perdido sin verla, porque me ha parecido estupenda y de lo mejor que he visto en el presente año. Inicialmente me fascinó la estructura de un libro de cuentos, que se abre al espectador, como hiciesen antes los clásicos de Disney, te muestran fragmentos escritos de la historia, una ilustración e inmediatamente empieza a reproducirse la historia visual. 



James Franco


En este tipo de películas (una reciente sería la argentina Relatos Salvajes), como ocurre en las mismas recopilaciones de cuentos literarios, siempre se corre el riesgo de que algunos brillen más que otros. También ocurre acá, pero aunque son distintas todas las historias, todas tienen algo particular y especial. Personalmente las disfruté todas, desde la primera que da nombre a la película “The Ballad of Buster Scruggs”, que es un Western Comedia/Musical, corto pero brillante. Si hay algo que caracterizan y tienen en común todos los relatos, y que son marca de la casa de los Coen, es esa comedia negra, la sutileza y simplicidad de la narración, y también todos se ambientan en el lejano oeste de USA. No recuerdo todos los títulos de las historias, pero hay una donde James Franco es un ladrón de bancos siempre preparado para la muerte, muy divertida y con un bello final; también está otra que me encantó, “Meal Ticket”, creo es la 3ra historia, que cuenta la historia de un hombre sin extremidades que es paseado y presentando en un circo andante por otro hombre, creo que es la más dura y despiadada; y las primeras 4 historias las cierra otra estupenda, donde Tom Waits es un hombre en búsqueda de oro en un bello valle, la fotografía es estupenda, y es un monológo visual sin apenas palabras. Las dos últimas historias, que son un poco más extensas en duración también, especialmente la 5ta, son muy buenas y mezclan lo absurdo, el drama, la comedia, la tragedia y el azar, y con la última hasta la filosofía.



Harry Melling


Cada historia también cuenta con muy buen reparto, y cada uno cuenta con algo muy común en la filmografía de los Coen, una excelente fotografía y una selección de planos, y la conjución perfecta de todos los elementos técnicos que realzan cualquier toma. Me encantó también, que tras terminar cada historia se vuelva al libro, donde se alcanza a ver el final escrito y pasa la página a la siguiente historia. Otro detalle en común que tienen las historias, es la tragedia pero también hay belleza y humanidad en cada relato.



Tom Waits


Un homenaje a las novelas y películas del viejo oeste, porque tanto la literatura como el cine son el espíritu de las historias... además sobre el arte de contar historias; y quizás los Coen inauguren este tipo de películas con episodios dentro del catálogo de Netflix, porque las primeras 4 historias, que duran alrededor de 15 minutos cada una, independientemente en ese poco tiempo son más redondas que muchas series que andan por ahí y que se extienden tan innecesariamente. Pero no todos tienen el talento para escribir y dirigir de los Coen. Muy recomendada e imperdible. De lo mejor del 2018.

8/10


Trailer de The Ballad of Buster Scruggs




Crítica de la película The Ballad of Buster Scruggs


Crítica de la película The Ballad of Buster Scruggs

martes, 17 de abril de 2018

Season of the Devil (Ang panahon ng halimaw) de Lav Diaz

Lav Diaz



Sigo con mis reseñas Post-FICCI, ahora con una de sus gemas, “Season of the Devil”. Película más reciente del reconocido director y autor filipino, Lav Diaz, multipremiado y alabado en todos los festivales. La película fue un estreno iberoamericano, ya que se había estrenado mundialmente días antes en el Festival de Berlín 2018. 

Diaz, quien también es muy prolijo, es conocido por sus obras profundamente humanas, sociales, psicológicas, y extensas en duración. De hecho, se podría decir que “Season of the Devil” es de sus obras más cortas, con “solo” 4 horas de duración. La película también despertaba mucha expectativa, porque es un musical. Y se promocionaba como un “anti-musical, una ópera rock que se adentra en la mitología”.




Lav Diaz


La película me gustó mucho, me parece brutal, con planos estupendos en una estética de contrastes, sombras y en un impecable uso del blanco y negro, como es habitual en el director. El texto de las canciones son muy buenos también, y toda esa gama de personajes en las que ahonda, y vuelve a retomar. La película se ambienta en Filipinas, cuando se proclama la ley marcial, que facultó al presidente (Ferdinand Marcos), que en la película llaman Narciso (y tiene dos caras), a tener plenos poderes durante 9 largos años que duró. No es la primera vez que Díaz aborda el tema de la ley marcial en Filipinas, ya lo había hecho anteriormente con “From What Is Before” (2014), que es incluso más larga que “Season of the Devil”, donde se centra especialmente en los dos años antes de la implementación de dicha ley, y aborda de forma minuciosa la psique de una comunidad, sus individuos, y como van reaccionando a los cambios. Díaz filma en tiempo real, filma la vida, quizás por eso siempre es necesario que sus películas duren tanto. 



Lav Diaz


La película realiza un homenaje a las víctimas y victimarios, quienes interactúan y se comunican a través de canciones sin fondo musical. Hay escenas duras, otras muy bellas, los actores en general tienen buenas voces, pocos parecen recitados. Incluso hay algunos que cantan muy bien, sobre todo algunas mujeres, que parece que estuviésemos viendo un musical tradicional de desamor y pérdida. Hay varios personajes, y durante el metraje, los vamos visitando uno a uno, y volvemos nuevamente a ellos. Creo que el único problema que tengo con la película, como tengo con algunas del director, es que pudo ser más corta. Porque aunque hay escenas que se repiten, otras se dilatan, personajes que retomamos y visitamos uno por uno, no se puede negar la forma brillante en que están rodadas, y atisbar tras el eterno retorno, el cuadro eterno del dolor y del mal que el director plasma con tanta maestría. El espectador terminara repitiendo mentalmente, luego de salir de verla: “La la la la, la la la la, la la la……” 



Lav Diaz


Ver una película de Lav Diaz en cine, también es otra película, jeje, aquí en el FICCI se presentó otra de él en otra edición. Te encuentras a las personas que no saben a lo que se meten, no tienen referencias del director y su cine. Por eso, cuando la presentadora de la película dijo que era un anti musical de largo aliento de 4 horas, unas señoras encopetadas se alarmaron. También a mi lado había 3 jóvenes, quienes sabían a que se enfrentaban y estaban compitiendo por quien aguantara más, o quien se quedara dormido primero.  Luego, se apagan las luces e inicia la película. A los 5 minutos, con las primeras canciones entre unos oficiales con otras personas, se empieza a salir la gente. A la hora, la gente dormida, una de la señoras encopetadas que había salido, vuelve a la sala a buscar a su amiga, desde la entrada le hace señas con la mano, se escucha el movimiento de sus pulseras metálicas… pero la amiga no reacciona… está dormida. La señora sale impotente y se va. Tres horas después, en una escena en un bar, una mujer con sobrepeso cantando versos tristes, la señora se levanta y empieza a buscar entre el público a su amiga… no la encuentra, y se va también. Pasadas las tres horas, cuando va cambiando la escena, se va saliendo más gente. Quedan pocos, y los tres jóvenes a mi lado, la chica lucha por no dormirse, se ve que está sufriendo y quiero que el martirio acabe pronto… Luego de 4 horas, quizás la escena más fuerte y con mayor tensión llega, entre la películas se repitió varias veces el “La la la la, la la la la, la la la……”, la pantalla se pone en negro, y se acaba. En las películas de Lav Diaz, también ocurren fuera de ellas.


(8.5/10)



Trailer de Season of the Devil



martes, 1 de abril de 2014

Frozen. El Reino de Hielo (Chris Buck, Jennifer Lee)

Comentario sobre la película Frozen. El Reino de Hielo


Rescatamos la reseña de "Frozen", luego de la reciente de noticia que acaba de pasar a ser la película de animación más taquillera de la historia, desbancando a Toy Story 3.

La nueva película de Disney, Frozen, había sido bienvenida con muy entusiastas comentarios, incluso calificándola de “nuevo clásico” o “el mejor musical desde la Bella y la Bestia”. Acabando de terminar de verla, y luego de imaginármela un poco ilusionado, un pequeño asomo de decepción de asoma en mi semblante. La película tiene cosas muy buenas, pero también tiene notables fallos.

Iniciemos con lo bueno: Desde el primer fotograma sientes nostalgia de estar recordando esos eternos clásicos de Disney,  el ambiente de misterio y oscuro predomina la pantalla. La primera parte me gustó mucho por eso, además de la innegable calidad técnica y artística del filme, que es desbordante durante todo el metraje. También me gustaron varios aciertos del guión, la eterna estrategia de drama, comedia, aventuras, romance y fraternidad, da muy buenos resultados, sobre todo en algunos pequeños detalles que introducen para marcar una diferencia con los clásicos de antaño. Y por último, pero el más importante, Olaf, el muñeco de nieve, quién sigue la tradición de los personajes secundarios de lujo tradicionales en los clásicos de Disney.

Ahora los puntos negativos: Seguir e iniciar un filme promoviendo el recuerdo de los clásicos de antaño de Disney, es muy bueno, pero a la vez un riesgo. Hay un momento, sobre todo en la segunda parte del filme, en que todo ocurre muy rápido, se pierde el hilo y algunas cosas me empezaron a parecer falsas, superficiales, frías y sin alma, así como las relaciones entre los personajes. Sufrí en muchos momentos de esa segunda parte, porque presentía que la historia se iba por la borda, a pesar de algunos momentos afortunados que tiene.

Además de todo lo anterior, hace falta un villano “respetable”, los que encontramos en el filme son patéticos e incluso la propia Elsa en momentos llena ese rol de mejor forma. Sin contar los números musicales, que aunque algunos son muy buenos, y nuevamente recuerdan a los clásicos musicales de antaño que seguían el guión, la historia y tenían una secuencia y coherencia, en esta ocasión hay algunos que se colaron en exceso; unos demasiado teatrales (pensé en una escena estar reviviendo  la terrible experiencia del año pasado con el musical de “Los Miserables”), y otros que más que recordar esas excelentes canciones que Disney ha sabido imprimir siempre a sus filmes, me hacían recordar más a un episodio de alguna serie de adolescentes de Disney, estilo “High Scool Musical”, lo cuál es deprorable.

Al final, todo sigue transcurriendo demasiado rápido, todos los defectos tratan de resolverse de alguna forma, pero hay un detalle diferente y sorpresa al final, que me gustó mucho y redimió un poco el anterior suplicio. Estas son las razones que encuentro hasta ahora para calificarla de esta forma: Una historia animada y mágica que evoca el clasicismo de Disney, pero se pierde un poco en el camino, al tratar de allanar en algunas de las bases que cimentaron esos mismos clásicos. Lo que es realmente lamentable, ya que pudo ser mucho mejor. Y este nuevo trabajo no le llega ni a los talones a ese verdadero clásico de Disney “La Bella y la Bestia”. Por todo esto: 

6/10


Trailer de Frozen. El Reino de Hielo


Frases y Diálogos de la película




Comentario sobre la película Frozen. El Reino de Hielo



Comentario sobre la película Frozen. El Reino de Hielo



Comentario sobre la película Frozen. El Reino de Hielo



Comentario sobre la película Frozen. El Reino de Hielo

lunes, 21 de enero de 2013

Los Miserables (Tom Hooper)




“Los Miserables” es la última película del ganador del Oscar Tom Hooper por El Discurso del Rey, basada en la adaptación del musical de la novela de Victor Hugo del mismo nombre.

La historia ya la conocemos, la historia que retrata la sociedad francesa en pleno siglo XIX, la pobreza, luchas políticas, rebeliones, dilemas morales, etc. Con Jean Valjean, el expresidiario que escapa luego que es liberado bajo libertad condicional. Javert, el policía que lo persigue durante toda su vida. Fantine, la madre que se sacrifica por enviar dinero a su hija Cosette, quien es cuidada por una pareja de ladrones. Cuando muere Fantine, Jean Valjean jura cuidar y proteger a Cosette como su hija. Y de allí en adelante seguimos el drama de todos los miserables, quienes representaron a la sociedad de la época.    

La adaptación de Tom Hooper, este nuevo experimento, a pesar de unos cuantos momentos acertados, me ha parecido una película horrenda e insoportable. La historia en sí, ya es triste y hermosa, no hay ningún logro en esto. El musical en las tablas tiene su encanto y dinámica. Pero en la película, la dirección de Hooper es lamentable, los incombustibles números musicales, en su mayoría se hacen cansinos. Sentí que esa dinámica no funcionó en las pantallas, o no fue muy bien llevada.

En realidad me molestó, la primera vez no pude verla completa, en la segunda me dormí y en la tercera resistí las casi tres horas de metraje de este fallido musical.

La fotografía es muy buena, la estética y algunas canciones, pero en general no se logra una cohesión entre todos los elementos del filme.

Me gustan los musicales, he tolerado varios en la historia del cine, pero este en realidad no me ha gustado mucho.

En cuanto a las interpretaciones, algunas son destacables, sin ninguno que haya sobresalido especialmente, ninguno logra salvar la película. De todos, Anne Hathaway en su papel de Fantine, hace una sobresaliente caracterización y emociona, aunque no me convenció por completo. Hugh Jackman, se nota que tiene experiencia y lo hace bien, pero es el que más sale y ya a la media hora quiero que se calle y deje de cantar. Russell Crowe como Javert, también regular. Los jovencillos enamorados (Cosette y Marius), ambos desastrosos, aunque reconozco que Marius tiene uno o dos momentos creíbles. Pero se me hace difícil resaltar algo más. Además que ninguna de las interpretaciones salva al filme. Y el dúo de Helena Bohan Carter y Sacha Baron Cohen, se me hicieron graciosos.

Creo, y esto es una opinión personal, que tal vez se pudo adaptar mejor el musical, y no ser tan fieles en muchos aspectos, quizás se le hubiese dado una mayor dinámica. Tal vez con otro director. Porque creo que pudo ser mejor.

En síntesis, una película para los amantes de los musicales, y no estoy seguro que eso garantiza que les guste, ya que a mí me gustan algunos. Y en realidad, no sé a quién más recomendársela. Por todo esto, y porque mínimas cosas me gustaron, soy condescendiente:

4.5/10


Frases de la película









miércoles, 13 de junio de 2012

The Saddest Music in the World (Guy Maddin)


Quería hacer un especial sobre este filme que volví a ver nuevamente hace poco. La primera vez que vi el filme fue hace unos años. Precisamente fue el primer filme que vi de Maddin, y la verdad no me gustó, me aburrió un poco. En el segundo visionado, ya la aprecié mucho más. Y con el último visionado puedo decir que me encanta.

Este filme dirigido por Guy Maddin, con un guión de Maddin y del escritor Kazuo Ishiguro, narra una historia ambientada en la época de la Gran Depresión, en esa crisis económica mundial. Lady Port-Huntly (Isabella Rossellini), la reina de la cerveza de Winnipeg, para aumentar las ventas de la cerveza, anuncia una competición para decidir cuál es la música más triste del mundo. El concurso llama la atención de muchos músicos de todo el mundo. Pero el concurso pronto toma un nuevo curso, al ser dos de los grandes favoritos hermanos, uno de ellos representando a Serbia y el otro a América. Quienes llegaran hasta al final, a demostrar cuál es la música más triste del mundo.

El señor Maddin sabe mezclar varios géneros de forma magistral, y recorrer extremos desde lo extravagante hasta lo relativamente “normal” y racional. Al final, en realidad ¿Qué diferencia hay en cada una?

La película es excelente, con una gran dirección, con la mayoría de las escenas en blanco y negro, una ambientación gris, fría y triste bastante acorde. Pasando por el musical, el drama y la comedia negra, Maddin recrea en sus curiosos personajes distintas emociones de las personas, mezclándolas con realismo y un surrealismo bastante marcado y explícito.

Las actuaciones son excelentes, desde Isabella Rossellini, María de Madeiros, que interpreta a una ninfómana que tiene una solitaria con la que habla. Mark McKinney y David Fox, y absolutamente todos están excelentes.

Hay varias escenas destacables, una de ellas, esa gran escena final en donde el señor Chester Kent, toca con su alma las últimas notas de piano, mientras el establecimiento se incendia, luego de ser apuñaleado por Lady Port-Huntly.

En síntesis, un experimento notable y un clásico de este gran director.

8/10


Escena final de la película



domingo, 25 de diciembre de 2011

Pina (Wim Wenders)


Este documental del gran director alemán Wim Wenders, es una gran obra maestra. Confieso que antes del documental no conocía a Pina Bausch. Y lo que ha hecho que mi experiencia al ver el documental sea tan grata, es que al mismo tiempo he conocido a una mujer que amaba la danza, y que la tenía en un grado tan alto, casi que místico. En realidad, me encantó la pasión que esta mujer sentía hacia su trabajo, y la forma en que se comunicaba con sus bailarines.

Este documental es especial, ya que como en otros casos, no se centra en la vida del personaje, con testimonios y narraciones sobre la vida. Al contrario Wenders trasmite con gran maestría lo que representaba y amaba esta mujer. A través de la danza y una recopilación de distintas coreografías mágicas, visual y estéticamente exquisitas, nos trasladamos en esos 100 minutos de duración, a través del universo de Pina.

Si hay testimonios, son sus bailarines, esos que trabajaron con ella, pero cuentan solamente pequeñas historias sobre su relación con Pina, lo que ella les decía, como les inspiraba y alentaba, etc.

En realidad es una gran obra de arte, y admiro esta forma de narrar u homenajear a alguien, pues creo que solamente puede hacerlo alguien quien que admire también al personaje. Y según, Wenders y Pina eran amigos, por lo que creo que es más evidente que el director supo captar la esencia de Pina y plasmarla en la pantalla. No me pareció un trabajo frio, al contrario me pareció mágico, emocional, sensorial, como debe ser todo lo referente al arte.

En síntesis, personalmente debo decir que hice dos descubrimientos: el primero (a pesar de no conocer el personaje de Pina Bausch, antes de ver la película, y a pesar de que no es una narración de su vida), conocer el personaje de Pina. Y el segundo, deleitarme con coreografías creativas y visualmente hermosas, acompañado de planos que mejoraban esa experiencia (labor de Wenders), y absolutamente todo el contenido artístico de este grandioso documental. Por lo que consideraría, que el documental no es sólo para los amantes de la danza contemporánea o admiradores de Pina, sino también para todos aquellos, que como yo, puedan llegar a enamorarse de ella.

Mi favorito de todos, aunque todos son geniales, es la coreografía de “Café Müller”.

9/10

Trailer de Pina






Pina y el director Wim Winders