Mostrando entradas con la etiqueta Análisis. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Análisis. Mostrar todas las entradas

domingo, 14 de junio de 2026

Reseña y Análisis de la película: Disclosure Day (El día de la revelación) de Steven Spielberg - 2025 / U.S.A. / En Cines

Reseña y Análisis de la película: Disclosure Day (El día de la revelación)


Se estrenó este jueves en salas de cine del país y Cartagena la más reciente película de Steven Spielberg, el emblemático director norteamericano, que regresa con uno de sus temas favoritos: la existencia de vida extraterrestre. Desde sus inicios en los años 70, Spielberg nos compartía su fascinación por este tema con "Encuentros cercanos del tercer tipo" (1977), luego con la icónica "E.T. "El extraterrestre" (1982), nos introducía desde la fascinación, la sorpresa, la empatía y el misterio, en la existencia de vida extraterrestre y la evidencia de su contacto con la tierra. Años después, en el 2005, retomaría el tema con una visión más tradicional, como es la de la invasión alienígena a la tierra, con la adaptación de la novela de H.G. Wells, "La guerra de los mundos", con un guión escrito por el autor, David Koepp, con quién también trabajó en Jurassic Park, entre otras, y quien también escribe el guión de "El día de la revelación", basado en una historia original del mismo Spielberg. El director ha mencionado que esta fascinación con el tema viene desde su infancia, y con el tiempo se desarrolló con todo el conocimiento y evidencia que iba descubriendo. Como el protagonista de la película, Spielberg cree que esta información merece ser conocida por toda la población, y más aún, con las recientes revelaciones acerca la desclasificación de archivos que evidencian esta información (aunque Trump lo haya hecho para desviar la atención de otros temas locales). Estos hallazgos recientes confirman la inquietud que el director tenía desde sus inicios e inspiraron esta película.




Reseña y Análisis de la película: Disclosure Day (El día de la revelación)


La película nos muestra a un joven hacker, Daniel (Josh O'Connor), que se encuentra con esta información, custodiada por una organización privada, y su travesía para divulgarla a la población mundial. De forma paralela se nos muestra a una presentadora del clima, Margaret (Emily Blunt) quien un día tiene una revelación, al ver fijamente a un bello cardenal, y empieza a percibir cosas que antes no percibía. En el camino ambos caminos se cruzarán, evidenciando la existencia de algunas personas en la tierra con esencia extraterrestre con un objetivo en común.




Reseña y Análisis de la película: Disclosure Day (El día de la revelación)


Ahora sí, la película me pareció muy entretenida, ya que mezcla muy bien el thriller, con la intriga, el misterio y la ciencia ficción, con un ritmo trepidante desde el inicio. Me gusta cómo desarrolla el tema y las historias paralelas, hacia un final que aunque hace revelaciones, nos deja muchas preguntas e interpretaciones, pero sobre todo plantea una duda. Es cine de entretenimiento de calidad como él sabe hacerlo. Pero, aunque entiendo que él siempre quiere llegar al mayor público posible y es una especie de divulgador cinematográfico de misterios de la ciencia, estaba esperando que ahondara un poco más en el misterio, y se sirviera de ellos para darnos una propuesta más innovadora visualmente y conceptualmente. Pero entiendo que prefirió mostrar apenas la superficie y disfrazarla de un blockbuster trepidante (como suele hacer), metiendo por el medio el viejo dilema ético de si es bueno dejar que la información sea conocido por todo el público, y hacerlos dudar de sus creencias y religiones. Esa parte me pareció ya muy cliché, y hubiese preferido que lo reemplazara por algo más de riesgo en su propuesta, además que tiene escenas y detalles muy efectistas. En cierta forma me recordó un poco a la trama de “Bugonia” de Yorgos Lanthimos, pero con desarrollos completamente diferentes. Pero bueno, aún así es una película entretenida, muy bien dirigida, actuada y técnicamente destacable, además de poseer cierta información valiosa, que ojalá lleve al público a investigar más y preguntarse más cosas, porque ya hoy en día existe mucha evidencia para seguir pensando ingenuamente que somos los únicos seres en el universo.





Reseña y Análisis de la película: Disclosure Day (El día de la revelación)

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)


miércoles, 18 de febrero de 2026

Reseña y Análisis de la película: "Wuthering Heights" (Cumbres borrascosas) de Emerald Fennell - 2026 / UK / En Cines

Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


No he leído aún la novela de Emily Brontë y sólo sé generalidades, así que no me centraré en esas comparaciones entre libro y película, aunque sí me gustaría mencionar antes algo en referente a lo literario, y son los evidentes paralelismos entre la historia de Brontë y la novela de Margaret Mitchell, “Lo que el viento se llevó”, que dio a luz a una de las películas más icónicas de la historia del cine. Y pensé preciso en esa historia porque la directora Emerald Fennell decide copiar o replicar literalmente la estética y escenas de la película dirigida a tres manos por Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood y estrenada en 1939 (de hecho el póster es un homenaje directo también). Y cuando uno lo piensa empieza a ver muchas relaciones entre los cuatro protagonistas principales, la relación principal conflictiva, una ama de llaves importante en la trama y escenarios con personalidad propia que contrastan con la personalidad de los personajes (la plantación de Tara en la Guerra Civil, en la novela de Mitchell; y los páramos desolados de Cumbres Borrascosas). Pero bueno, este homenaje estético a esa bellísima y épica historia romántica en Technicolor, me gusta porque logra (y réplica) tomas muy bellas. Pero sí hay que dejar claro, que aunque ambos son grandes melodramas (casi novelones, como los que conocemos bien en Latinoamérica), la versión de Fennell queda lejos de la calidad de su objeto de inspiración.  




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


La película de Fennell (de la que aún lamentablemente no me ha gustado mucho ninguna de sus películas, y al final pondré link de mis posts respectivo) me parece un interesante pero torpe melodrama, que es por momentos salvaje, íntimo y emotivo, pero a la vez, cae en un sentimentalismo exagerado, mientras añade los elementos más psicopáticos entre los personajes principales, pero todo lo anterior alterado en una inconsistencia en el tiempo, que a la vez da paso a una inconsistencia en el tono que quiere trasmitir en general, y en pasajes específicos. Por lo tanto, disfruto algunas escenas e imágenes, y el aspecto técnico en general, el diseño de arte y de producción, la fotografía, y en general los elementos que logran crear una atmósfera que contrasta con las emociones internas de los personajes, pero no se logra un énfasis o una pausa que te ayude a conectar más a fondo con algo, porque la historia necesita avanzar ( y eso que me cuentan que al parecer se omitieron muchas cosas de la historia original). Todo eso hace que mis emociones al estar viendo la película se vayan difuminando durante todo el metraje.




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


Para los que no conocen nada sobre la historia o el libro, “Cumbres borrascosas” narra la intensa historia de amor entre Heathcliff y Catherine Earnshaw en los páramos del condado inglés de Yorkshire. Heathcliff es acogido y adoptado desde niño por el padre de Catherine, y ambos crecen juntos hasta enamorarse, en una relación y vínculo que se encuentra lleno de poder y sumisión, y que mientras crecen va evolucionando en una tensión sexual y erótica no resuelta. La relación de ambos además se muestra imposible por la diferencia de clases sociales y el deseo de Catherine de vivir bien, tener dinero y desposarse con alguien que le ofrezca todo eso. Hay algo que creo que le ha jugado un poco en contra a la película, y es la publicidad engañosa, pues ha sido vendido como una película muy erótica, y para ello contrató a dos de los símbolos sexuales del momento, Jacob Elordi y Margot Robbie, pero la verdad es que la película tiene momentos muy contados que explotan realmente el erotismo de la pareja, pero en general es bastante pobre, e incluso algunas no tan bien rodadas. 




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


El erotismo se extingue rápidamente, así como la química entre la pareja protagonista, pues aunque ambos hacen un trabajo aceptable de forma individual, no siempre tienen o mantienen la chispa en sus escenas juntos, aunque evidentemente se siente y se ve el retrato de una relación problemática, llena de traumas, sentimientos narcisistas, de dominación, etc.,. Y lo pude comprobar con dos grupos de mujeres que estuvieron en la sala muy emocionadas al inicio y con escenas específicas, pero al parecer esperaban también algo más en ese aspecto, aunque creo que en términos generales la película fue efectista y les gustó. Aunque no me gusta mucho el cine de la directora, creo que esta es su película menos arriesgada y más “comercial”, planeada fríamente para el gusto del público masivo y específico (de hecho la actriz y productora hace unos días dijo algo al respecto, confirmando esta idea). En efecto, no hay corazón, calidez, humanidad ni sensibilidad auténtica en nada de esta película (ni auténtica representación de la lujuria, el deseo y la locura). Hay esbozos, que parecen totalmente culpa del material original, que empezaré a leer próximamente, para seguramente encontrar mayor desarrollo del que seguro tiene esta propuesta, con mucho potencial.  




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


Y por último, he leído que se compara esta propuesta con el cine de Baz Luhrmann, quien es conocido por su estilo maximalista, frenético, barroco, el uso de música anacrónica pop, la estética teatral, de videoclip y el estilo kitsch, entre otros elementos, que lo ha llevado al adaptar obras literarias clásicas también (y melodramas), pero creo que le han funcionado mejor, porque se entrega totalmente a esa propuesta y se arriesga sin temor a romper todas las reglas posibles, logrando que el espectador se sumerja en esa fantasía. Creo que Fennell intentó hacer algo parecido, y nuevamente digo, creo que lo logra por momentos, pero le faltó tomar un mayor riesgo e irse a algún extremo, como se esperaba que hiciera (viendo su trabajo anterior, que aunque no me haya gustado, se notaban unas búsquedas e inquietudes artísticas interesantes). Pero bueno, son todas las sensaciones que me dejó, y no me parece que sea una película terrible o mala, sino que creo que es efectista, sosa y seguramente encontrará a su público. A mí, al menos, me despertó las ganas de leer finalmente la novela.





Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

domingo, 25 de enero de 2026

Reseña y Análisis de la película: Marty Supreme (Joshua Safdie) - 2025 / U.S.A. / En Cines

Reseña y Análisis de la película: Marty Supreme


Esta semana se estrenó en salas de cine del país y Cartagena la película con la que Timothée Chalamet ganó su primer Globo de Oro y esta semana recibió una nueva nominación al Oscar, donde es el favorito. Debo decir que su actuación es excelente y se luce de principio a fin en esta nueva historia trepidante de Joshua Safdie (con un estilo similar al de sus anteriores trabajos, "Good Time" (2017) y la excelente "Uncut Gems" (2020), películas que dirigió junto a su hermano Ben, pero se nota que el estilo era suyo, comparando con la otra película que estrenó Ben en solitario este año, "The Smashing Machine"), con un estilo completamente diferente y bastante tópico en la forma de abordar un biopic. 




Reseña y Análisis de la película: Marty Supreme


Y sobre Chalamet, quien en otras películas he mencionado que no parecía el actor apropiado para algún papel, acá sí se entrega y nos da la mejor interpretación hasta ahora de su carrera (superando hasta ahora la mejor, la de Call me by your name, así él diga que todas sus actuaciones han sido grandiosas). Pero bueno, dejemos a Chalamet (quien también es productor) y sigamos con Joshua, quien también escribe el guión, y quien desde hace años es uno de los autores más sólidos del cine independiente en U.S.A., y quien siempre nos sumerge en historias eléctricas y vibrantes, con un ritmo acelerado constante y creciente, ambientadas en las calles de Nueva York y su particular fauna, llena de personas con grandes sueños, de estafadores, de pobreza y de crimen. También acá mezcla géneros, pero introduce dos que creo no había explorado antes, como el biopic y el mundo de los deportes, pero ninguno de los dos es central ni tópico (lo que se agradece), ya que la historia se mueve también en los géneros que tan bien maneja el director, como el thriller, la acción y la comedia negra. 




Reseña y Análisis de la película: Marty Supreme


Técnicamente me parece notable, y aunque no me gusta más que "Uncut Gems", que es otra película caótica, trepidante e impredecible, me parece que es un trabajo sobresaliente. La película nos cuenta la historia de un joven judío de clase trabajadora en la década de los 50 en Nueva York, quien sueña con ser un campeón reconocido de Ping Pong en U.S.A., donde no es un deporte popular. Así que Marty lleva la carga de ser campeón a toda costa, de ganar en el deporte que le apasiona, para que el espíritu de triunfo ayude a popularizar su deporte, y en efecto, que su vida cambie por completo. El Marty de Chalamet como el Howard de Adam Sandler, son personajes que se hacen odiar, por su falsedad, descaro, soberbia y narcisismo, pero también quizás logran empatizar porque son seres que enfrentan el fracaso cada día, pero no pierden la ilusión de algún pequeño cambio en el mañana, así solo sea una idea a la que se aferran para no cambiar o hacer realmente lo que deben hacer. Lo menciono, porque el personaje no deja de sabotearse constantemente, a pesar de tener un talento visible para socializar, para comunicarse y sobre todo para vender cosas, incluso así mismo, para seducir y persuadir. 




Reseña y Análisis de la película: Marty Supreme


Me pareció un personaje complejo y muy bien retratado (como en sus anteriores películas, ya mencionadas), pues los Safdie crecieron en ese ambiente de las calles de Nueva York, y conocieron a varios personajes así, como el mismo Scorsese también lo hizo en su momento, y en gran parte de su carrera. Personajes que parecen de ficción por lo locos, histriónicos, y lo desesperados que están por triunfar de la forma que sea, de seguir su propio sueño americano. Y Chalamet le saca el juego a todas esas características de su personaje y Joshua le crea escenas para que se luzca, y las aprovecha muy bien. Pero siguiendo con la película, me parece que dentro de todo, también hay una reflexión sobre el reconocimiento, la madurez, el poder, el trabajo y los sueños. Es una película para disfrutar y sentir en un viaje frenético junto a los personajes y esa atmósfera desasosegadora del director. Por criticar algo, quizás sentí en su tramo final algunas partes que se extendieron mucho y que pudieron recortarse, sobre todo conociendo el trabajo de edición milimétrico del director. Pero en general es disfrutable y vale la pena ir a verla a cines. Disponible en todas las salas del país y Cartagena.




Reseña y Análisis de la película: Marty Supreme

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

jueves, 16 de octubre de 2025

Reseña de la película: Sirat (Oliver Laxe) - 2025 / España

Reseña de la película: Sirat


El sábado 7 de Octubre del 2023 el mundo recibió la noticia del atentado del grupo Hamas que mató a más de 200 personas durante una fiesta rave en Israel, lo que volvió a retomar ese eterno conflicto entre Israel y Palestina. En las imágenes veíamos escenas de la fiesta rave, que es una especie de baile clandestino que se puede realizar en sitios abandonados, a la intemperie, en desiertos, pero también en clubes y espacios privados, en donde normalmente la música que se escucha es electrónica, techno, house y distintas vertientes, según el ánimo y preferencia de los asistentes, quienes bailan, muchas veces bajo efectos alucinógenos, constantes ritmos repetitivos durante una noche o más de dos noches seguidas . Aunque el origen de éstas fiestas se remonta la década de los 80 en Inglaterra, se ha popularizado tanto, que actualmente festivales comerciales y masivos han copiado el mismo esquema. Porque las fiestas rave tradicionales tienen tras de sí la misma cultura rave, que se asocia a la libertad, la autoexpresión creativa, la solidaridad y la unidad, ya que normalmente no se cobra por asistir a estos espacios, y es toda una comunidad en armonía.




Reseña de la película: Sirat


Pero bueno, hice toda esta introducción porque es importante entenderla para la película que voy a comentar ahora. El más reciente trabajo del joven director español, Oliver Laxe, quien ya nos había sorprendido con títulos como, Mimosas (2016) y Lo que arde (2019), ésta última especialmente me gustó mucho y le hice una reseña en el blog (la comparto al final del texto). Curiosamente, el significado de la palabra “Sirat” tiene varios significados según el contexto, y al inicio de la película nos sale el siguiente que es referente al Islam: se refiere al puente del Juicio Final que deben cruzar los fieles para llegar al paraíso; mientras que en árabe, la palabra significa "camino" o "sendero". En “Sirat”, Laxe nos sumerge en una especie de thriller combinado con road movie, que nos presenta la historia de un padre (Luis) y su pequeño hijo (Esteban), quienes se dirigen en una furgoneta a una fiesta rave en una zona apartada en el desierto de Marruecos. Ambos van en búsqueda de Mar, la hija y hermana de ambos, quien lleva desaparecida hace varios meses en algunas de esas fiestas sin fin. Al no encontrarla, se dirigen a un grupo de raveros, quienes les informan que más adelante hay otra fiesta, por lo que deciden seguirlos, al tener que escapar por una redada policial, que a la vez muestra ciertas tensiones políticas de trasfondo. Y la mayoría del metraje es lo que sigue, ese viaje en compañía de los raveros en búsqueda de Mar. La película ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025 y fue seleccionada por España como candidata al Oscar a Mejor película internacional.




Reseña de la película: Sirat


La película es excelente, y creo que es el mejor trabajo de Laxe hasta la fecha, siendo “O que arde” también una muy buena película. Me gusta mucho la ambientación de estas fiestas y el retrato del mismo desierto, solitario, silencioso y engañoso a la vez. En su estética es inevitable no recordar o comparar con la de “Mad Max. Fury Road” (2015), con esa estética crust punk, que se ha convertido en un referente en el cine contemporáneo. La dirección de Laxe y la fotografía de Mauro Herce es muy sobresaliente, y de verdad logran que el espectador experimente un poco de esa cultura, más el uso de la música y los actores raveros, que creo son raveros de verdad. Me gusta también cómo se establece el vínculo entre los raveros, Luis y Esteban, y el perro que los acompaña. Junto a ellos descubrimos parte de esa cultura, y por un momento se sienten y se reconocen, como seres que han sufrido pérdidas y se encuentran en búsqueda de algo más, dentro de esa ruta mística, que podría equipararse a un inframundo o un purgatorio, en donde deben atravesar el dolor y ciertas pruebas para acceder a un paraíso o un lugar deseado. La película transmite muy bien esa sensación y esa atmósfera etérea, y quizás surreal y onírica. 




Reseña de la película: Sirat


No me gustaría hacer spoiler de los sucesos que pasan que quiebran brutalmente la armonía de los viajeros, pero digamos que suceden diversas situaciones dramáticas y trágicas que rompen totalmente el curso del viaje, y por un momento se convierte todo en una situación de supervivencia. Es muy duro y sorprendente lo que empieza a ocurrir, que incluso por momentos me hizo dudar de mi propia reacción ante ciertos eventos, ya que en algunos de esos casos, no sé si es porque todo empezaba a ser un poco absurdo, me invadió una risa repentina, que no estaba seguro si era de nerviosismo (porque es terriblemente tensionante y angustiante, como una película de terror) o por alguna otra cosa. Esa brutalidad da un giro brusco a la trama, y me recordó a las propuestas que iniciaron ese cine disruptivo y brutal, como es el del autriaco, Michael Haneke, que ha inspirado a una gran camada de directores en todo el mundo, con una especial mención a varios cineastas mexicanos en sus inicios. Entonces, no sé aún si ese final me gustó del todo o me bajó un poco la emoción por la película, pero sé que tampoco me disgustó y está muy bien rodado, y el final está bien, pero esa sensación de duda es quizás la que no me haga verla como la gran película del director. Pero igual, no dejen de verla, es un excelente ejercicio cinematográfico de un muy buen director, que sigue cimentando una filmografía muy interesante e inquietante. Se estrenó en estos días en el BIFF (Bogotá International Film Festival), y seguro pronto se estrenará en cines y plataformas. 




Reseña de la película: Sirat




Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

sábado, 27 de septiembre de 2025

Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra) de Paul Thomas Anderson - 2025 / U.S.A. / En Cines

Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra)


Que Paul Thomas Anderson estrene una nueva película inmediatamente nos eleva las expectativas, pues hablamos de uno de los mejores (sino el mejor) cineastas contemporáneos, que nos ha acostumbrado a darnos grandes películas y obras maestras desde el inicio de su carrera (Boogie Nights, Magnolia, There Will Be Blood, The Master, Phantom Thread) y otras que son sobresalientes, notables y originales (Punch-Drunk Love, Licorice Pizza). Debo decir que la que menos me ha gustado, sin ser una mala película es "Inherent Vice", que es una adaptación de una novela de Thomas Pynchon. Por eso, cuando leí que la nueva película era otra adaptación de una novela de Pynchon (Vineland, 1990), pensé que quizás esta nueva tampoco iba a entrar dentro del primer grupo de grandes obras. Por lo tanto, estaba muy reservado y no hice mucho caso cuando empezaron a salir todos esos comentarios de que era la mejor película de la década, de la filmografía de Anderson, etc., etc. 




Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra)


No he leído la novela de Pynchon, pero al parecer es una adaptación muy libre, y es más que todo una inspiración. Anderson como siempre es el guionista, y en esta ocasión nos cuenta la historia de Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio), quien es un revolucionario miembro de un grupo radical llamado “French 75”, quienes abogan y luchan por diversas causas sociales a favor de la igualdad, contra la corrupción y en apoyo a las minorías y grupos vulnerables, como los latinos y afroamericanos. Al inicio de la película, que es una especie de prólogo, el grupo ayuda a escapar de un centro de detención a varios mexicanos y dejando encarcelados a los presidiarios. En este prólogo conocemos también a Perfidia (Teyana Taylor, que está sensacional en este papel, lleno de fuerza y sensualidad), quién es la pareja y camarada de Bob en la lucha, pero todo cambia cuando conciben una hija y Perfidia se siente reemplazada, lo que la lleva a alejarse de su familia y del grupo, y es capturada por la policía. Posteriormente, la película da un salto temporal, en donde ya vemos a Willa, la hija de ambos, como una joven que vive con su padre lejos de la vida revolucionaria de antaño. Pero no cuentan con que el coronel Steven J. Lockjaw (Sean Penn), quien estuvo enamorado de Perfidia y la atrapó, sigue interesado en encontrarlos. Esa es en forma general la sinopsis, ya que todo se complica cuando el coronel los encuentra y empieza la persecución, mientras que vuelve a aparecer el grupo de revolucionarios para ayudarlos, y por el otro lado, el coronel está a punto de entrar a ser parte de un grupo exclusivo de extremistas de élite, quienes rechazan las relaciones interraciales y abogan por todo tipo de segregación de quienes no cumplan los estándares de lo que consideran el norteamericano regular.




Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra)


Como vemos, la película tiene una premisa muy sencilla, y yo la he descrito como la película más cercana a un Blockbuster comercial que ha hecho el director. Pues, es en esencia una película de acción, pero además es un thriller policial y de crimen, con un trasfondo político muy identificable que se puede comparar al de los años que corren, también hay drama político y conspirativo, drama familiar, y todo acompañado de un humor negro y mucha sátira, en donde podemos reconocer algunos aspectos previos de algunos trabajos de Anderson, en cuanto al uso de la comedia en sus obras. Pero aún así, la película me pareció bastante inusual en el cine del director, y un acercamiento por primera vez a un género (o mezcla de géneros) que le da mucha versatilidad a su catálogo, y en donde podemos identificar referencias a los hermanos Coen (El Gran Lebowski) y visualmente, gracias al uso del formato VistaVision, a algunas película del maestro Hitchcock, entre otras. 




Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra)


Personalmente disfruté mucho de la película. Es muy disfrutable y entretenida, y a pesar de su duración (casi 3 horas), es una película con un ritmo trepidante de inicio a fin, con mucha tensión, muy bien dosificada por los momentos cómicos, pero que en general no da respiro para el aburrimiento. Creo también que ese toque humorística y satírico muchas veces dibuja a los personajes en los extremos, muy caricaturescos, como ocurre en casi todos los Blockbusters, y en donde también tenemos a un antihéroe (DiCaprio), y en algún momento aparece un salvador latino, protagonizado por Benicio del Toro, quien hace un muy buen papel, con su tranquilidad y estoicismo en medio del caos. Así que, aunque hay algunos protagonistas principales, el resto del reparto es muy coral y tienen importantes participaciones, y cada uno también representa una especie de etiqueta (símbolo) dentro de todo este cóctel de emociones y acciones. Creo que tal como la estoy describiendo, me da la sensación que puede acercarse al efecto que tuvo en mí la película, “Mad Max Fury Road”, otro Blockbuster de calidad y muy bien hecho y cuidado estética y artísticamente. Y debo decir que “One Battle After Another” cuida muy bien estos aspectos. La dirección de Anderson es muy eficaz y cuando escuchas la excelente banda sonora de Jonny Greenwood combinada con algunas imágenes y planos de Anderson, inmediatamente piensas que estás viendo una de sus películas. Anderson es un maestro en el uso de la música en sus obras, por algo también es director de vídeos musicales, y acá no es la excepción, tenemos varias escenas y planos muy bien logrados, como esa escena de persecución de los autos en la parte final de la película, que además es muy Hitchcockiana, entre otras secuencias. 




Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra)


Las mejores películas de Anderson, personalmente me han encantado, además de por su siempre virtuosismo en la parte visual, artística y estética, por sus historias y personajes. Es un excelente guionista y nos ha dado una variedad de personajes complejos, además de un toque psicológico que siempre contrasta paralelamente con el análisis de algún movimiento, con una institución, con alguna emoción (trauma, pérdida) o con el poder en general. Si he de identificar algún tema general sobre el que descanse toda esta historia, supongo que en la superficie saldría a flote el tema de la familia, específicamente de la paternidad (y por supuesto, la ausencia de la maternidad). El personaje de DiCaprio abandona su ideología y su lucha colectiva cuando se convierte en padre, mientras su madre es incapaz de hacerlo. Y hay otra vertiente correspondiente al tema que no puedo comentar para hacer spoiler, pero supongo que en efecto, la paternidad es uno de los temas centrales, así como el legado y el futuro de las luchas sociales. 




Reseña y Análisis de la película: One Battle After Another (Una batalla tras otra)

 


Por lo tanto, aunque no considero que sea una obra maestra, ni la mejor película del director (decir eso es irresponsable e irrespetuoso con su filmografía, y creo que va en contra de la película), creo que es una buena película, un Blockbuster disfrutable y muy bien cuidado en diversos aspectos, además de un buen desempeño de Anderson en estos géneros, que antes no había explorado. Recomiendo que vayan a verla al cine, la van a disfrutar (en la sala donde estaba la gente se reía mucho), y ojalá que la atención que está tomando la película sirva para que la gente se interese en conocer las filmografía de Anderson, que es como pocas, impecable. Y no me molestaría si por esta película, un poco más comercial, le dieran a Anderson todos los premios que aún no le han dado. 


Comparto acá otros posts sobre películas de Anderson en mis blogs:














viernes, 23 de mayo de 2025

Reseña de la película: Tardes de Soledad (Albert Serra) - 2024 / España

Reseña de la película: Tardes de Soledad


Y sigo con mis reseñas extendidas sobre distintas películas que vi en el pasado FICCI 64 (Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias), en esta ocasión con “Tardes de soledad”, la película más reciente del reconocido director español, Albert Serra, que ganó la Concha de Oro a la Mejor Película en el Festival de San Sebastián 2024. Se me ocurrió continuar con la película de Serra por dos motivos: Primero, debido al reciente incidente en la ciudad de Cali con el cantante Andrés Calamaro, quien en medio de una presentación hizo una alusión a la tauromaquia, que al público no le gustó nada, por lo que lo terminaron abucheando, y el artista (conocido pro taurino) abandonó la presentación. Y es pertinente esta mención porque al día siguiente, el reconocido torero, Andrés Roca Rey, manifestó su apoyo a Calamaro. Y segunda razón, debido a la 12 Muestra de Cine Español en Colombia, en donde la película de Serra hace parte de la programación, pero solo se estará proyectando en las ciudades de Bogotá (Cinemateca) y Medellín (Colombo Americano).



Reseña de la película: Tardes de Soledad


La película de Serra entra dentro del género documental porque sigue de forma minuciosa las jornadas del torero, Andrés Roca Rey. Desde su proceso de preparación antes de salir al ruedo, su proceso al vestirse con las prendas características (quizás una de las mejores escenas del documental), sus viajes en una van junto a su cuadrilla (las personas que participan en la corrida apoyando al matador) que nos deja varias de las escenas más reveladoras, y finalmente las largas jornadas en el ruedo con la “lidia del toro”, que enfrenta al toro (herido) y al matador (y su cuadrilla). Esta última parte es la parte que más abarca el metraje, ya que siguieron a Andrés Roca a varias corridas, y en ellas lo vemos “salir victorioso”, así como otras veces en donde está cerca de la muerte. Y en esa fijación que Serra proyecta con esas escenas intenta transmitir la especie de "danza mortuoria" que se lleva a cabo, y capturar el arte, el ritual sagrado o la belleza de las corridas… pero en ese proceso también deja en evidencia (a propósito o sin querer) otros detalles que se contraponen con ese objetivo principal. La barbarie interrumpe en cada ocasión. 



Reseña de la película: Tardes de Soledad


Al parecer, Serra no estuvo presente en cada grabación siguiendo a los toreros, sino que se dejaba una cámara grabando en la van, en las habitaciones y en las plazas. Por lo tanto, se puede decir que el documental es una obra que nace y se le da forma desde el montaje, porque en ningún momento hay entrevistas, diálogos o intervención del cineasta con los personajes protagonistas, sino que la intrusa cámara sirve de interlocutora, de espejo, de confidente y de jueza, y deja que los discursos de las personas salgan a flote, tanto los directos como los indirectos. Tanto la teatralidad como la verdadera humanidad (el miedo y lo absurdo).



Reseña de la película: Tardes de Soledad


Es muy interesante y fascinante lo que se logra plasmar en las imágenes, en las rutinas del torero y su cuadrilla de trabajo, en su intimidad (en su preparación física y estética) y finalmente en la plaza frente al toro. El documental puede resultar duro e incómodo para los antitaurinos, pero lo más curioso, es que es una película que reflexiona desde la distancia, permitiendo que tanto pro-taurinos como antitaurinos puedan llegar a pensar que el documental apoya su respectiva posición (y lo confirmo al recordar los comentarios y opiniones en la sala de proyección). Aunque hay que decir que Serra en un confieso pro-taurino, y en entrevistas ha manifestado abiertamente su disgusto a la idea que los antitaurinos puedan pensar que la película va acorde a sus convicciones. Pero bueno, Serra debe saber que las obras de arte dejan de ser del autor y cobran autonomía apenas hacen contacto con el público, y que quizás inconscientemente y en su búsqueda de la imparcialidad, haya hecho una obra que en varias partes habla en contra de su propia ideología. Y eso es parte de lo bello del arte. Me parece que es un trabajo notable y un brillante acercamiento al arte (y tradición) de esta práctica, y también a la barbarie que la acompaña. Es todo eso y más. No dejen de verla estos días en la Muestra de Cine Español.




Reseña de la película: Tardes de Soledad

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

sábado, 10 de febrero de 2024

Reseña y Análisis de la película: Días perfectos (Perfect Days) de Wim Wenders - 2023 / Japón / En Cines

Reseña y Análisis de la película: Días perfectos (Perfect Days)


La película más reciente del reconocido y prestigioso cineasta alemán, Wim Wenders, ganadora del premio a Mejor Actor en Cannes (excelente Kôji Yakusho) y nominada a Mejor Película Internacional en los Oscars por Japón (ganándole a “Monster” de Hirokazu Koreeda, aunque ambas películas me gustaron). Me parece una película muy bella, nostálgica y contemplativa que celebra el milagro de la vida y de la existencia, del día a día, y de darle significado a las pequeñas cosas. A la vez, que aboga por la dignificación de todos los trabajos, entre ellos el que ejerce el protagonista. Porque algunos empleos son vistos socialmente como degradantes y en muchos países desarrollados, incluso muchas veces se dejan para que lo ejerzan los inmigrantes o miembros de poblaciones históricamente segregadas.




Reseña y Análisis de la película: Días perfectos (Perfect Days)


El protagonista (Hirayama) trabaja como limpiador de baños públicos y se traslada durante gran parte del día por distintos lugares, muchos de ellos sitios al aire libre como parques para cumplir su labor. Es muy comprometido, puntual y respetuoso, limpia con minuciosidad e incluso invierte en algunos implementos que usa para que el resultado sea más efectivos. Está totalmente entregado al servicio y está convencido de que su trabajo puede hacer más agradable la vida de los otros. 

Hirayama parece estar satisfecho con su oficio, y ante la menor muestra despectiva de algún usuario, él siempre tiene una sonrisa de regalo o desvía la mirada hacia los árboles o algún objeto del paisaje que le genera curiosidad y asombro. Durante la primera parte del metraje nos muestran de forma detallada su día a día y somos conscientes del paso del tiempo y de la reiteración, pero logramos acostumbrarnos por un momento a su propio ritmo, y al hacerlo identificamos los pequeño cambios que se presentan en cada día, así realice la mista rutina. Tanto nos podemos involucrar en su rutina que quizás hasta olvidemos que el protagonista durante esa parte no emite ni pronuncia una sola palabra. 




Reseña y Análisis de la película: Días perfectos (Perfect Days)


A medida que avanza el metraje, descubrimos que el juicioso limpiador de baño alterna su oficio con inusuales pasiones y aficiones artísticas, como por la literatura, la música y la fotografía. Pero no simples hobbies, sino que encontramos una biblioteca personal enorme, al igual que colecciones de clásicos de la música en cassette, y diversas cajas llenas de fotografías que él mismo toma durante sus breves espacios de descanso en medio del día. 




Reseña y Análisis de la película: Días perfectos (Perfect Days)


De forma detallada observamos su cotidianidad, mientras nos contagiamos de su entusiasmo y estoicismo; pero a medida que avanza a la historia y Hirayama tiene encuentros con otras personas, quienes le hacen hablar por primera vez, podemos tener un pequeño atisbo a su pasado. Y con esa otra parte del paisaje podemos indagar y reflexionar sobre temas como las decisiones de vida que se toman en contra de la familia o la sociedad, sobre el sentimiento de no encajar, sobre la inevitable soledad, pero a la vez, del efecto sanador y catártico del arte. Me parece la mejor película de Wenders en los últimos años, aparte de sus siempre excelentes documentales, y es una película para sumergirse en las imágenes, los detalles y la interpretación de Kôji Yakusho, quien trasmite todo con la mirada y sus gestos. Y gracias a ellos podemos ver, que a pesar del estado de armonía alcanzado con su realidad, también se oculta un dolor del pasado y una lucha (y resistencia) del presente.





Reseña y Análisis de la película: Días perfectos (Perfect Days)

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)