Reseña y Análisis de la película: The Killer (El Asesino) de David Fincher - 2023 / U.S.A. / Netflix

“The Killer” es el más reciente trabajo del reconocido director David Fincher, disponible en la plataforma Netflix. La película es una adaptación de una novela gráfica de Alexis Nolent, y se nota mucho la base de la historia, porque es una película en donde la atmósfera es casi todo, junto al protagonista (un sobresaliente Michael Fassbender) y esos largos monólogos internos con voz en off, que nos sitúan y nos ponen desde muy temprano en la perspectiva que se prevalecerá durante toda la película: la mente del protagonista, de Fassbender, del asesino. La atmósfera la logra con una excelente coordinación de los elementos técnicos que tan bien maneja Fincher, como un gran narrador y director audiovisual: la fotografía, el montaje, el sonido/BSO, la iluminación, etc.

Nos cuenta en síntesis el estado mental de un asesino, el cual comete un terrible error en una misión, lo que lo pondrá por primera vez en una situación que lo pondrá en riesgo y a replantearse distintas cosas sobre su oficio y su vida. Fincher orquesta muy bien este viaje interno, y me hizo pensar en muchas referencias literarias y cinematográficas, tales como Paul Auster y uno de los relatos de su “Trilogía de Nueva York”, “Wakefield” de Nathaniel Hawthorne y el cuidado técnico e inmersivo del gran Alfred Hitchcock, y estas referencias específicamente en esos aspectos en donde el Asesino describe su oficio con detalle: la planeación, el análisis y la ejecución, mientras se repite de forma constante los códigos, normas y principios que nunca debe romper para evitar fallar en una misión. 

Me gustó esa introspección en el personaje, que lo dibuja muy bien sin necesidad de conocer o ahondar en detalles específicos de quién es este hombre y sus motivaciones, y eso es parte también al trabajo de Fassbender, quien logra darle la distancia y la frialdad, pero también los detalles y micro gestos en la interpretación que te reflejan su alma y sus conflictos. Reconozco que en algún momento me asusté al pensar que Fincher podría estar jugando a hacer un ejercicio de mero estilismo superficial, como los del señor Nicolas Winding Refn, pero afortunadamente la película avanza lentamente y se aleja de esos terrenos, al mantener una propuesta sencilla y minimalista narrativamente en términos generales, pero cargando el mayor peso a la psiquis del personaje principal y llevar al espectador a que lo acompañe en el descubrimiento de esas nuevas sensaciones, como la amenaza, la incertidumbre y la creciente violación de esos propios códigos que no deja de repetir en ningún momento. Y ese proceso nos revela la contradicción y la humanidad del ser humano. 

La intenté ver al final de un día agotador y casi me dormí, pero le di la oportunidad el día siguiente más descansado y la disfruté mucho más, y logré captar y conectar más temprano con su propuesta. A pesar de ser una película con una temática tradicional en el género de Thriller de asesinos y crimen, no es una película que se ejecuta de forma convencional, sino que el director mueve otros hilos y la lleva a terrenos más psicológicos e introspectivos. Me gusta la propuesta, y las pocas escenas de acción son muy bien rodadas, recordando a un buen John Wick. 

 

Y finalmente, al contrario de otros espectadores, a mí no me molesta mucho su tramo final porque es coherente con esa evolución interna que va teniendo el personaje, que es la clave para entender por qué termina así. No es una gran película, ni de las mejores del director pero es una buena y muy interesante propuesta dentro del género en el que Fincher se siente como pez en el agua. Recomendada.  

Tráiler de The Killer - (Link 1)

Frases y Diálogos de la película - (Link 2)

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

Facebook

Instagram

Twitter personal y A.S.B Virtual Info

Twitter de @CineenFrases

Google+

Fan Page A.S.B Virtual Info

Fan Page de Grandes Frases y Diálogos del Cine

Song to Song (Terrence Malick)

La más reciente película del gran director, y el ya conocido gran poeta del cine, Terrence Malick: Song to Song. La película hace parte de su trilogía sobre las relaciones de pareja, que inició con "To the Wonder" (2012), y siguió con "Knight of Cups" (2015), y finaliza con "Song to Song" (2017). 

Malick, siguiendo el estilo de las dos anteriores películas, sigue presentando un cine cada vez más desmaterializado. En estos años ha experimentado y roto con la narración cinematográfica tradicional. Y ha experimentado no sólo en la forma sino en el fondo de sus piezas. Por momentos parece que la película transita entre el documental y el cine experimental, con una clara orientación en plasmar una perspectiva diferente en la narración. Vemos la predominante voz en off, y en los momentos donde hay diálogos, los reduce al mínimo o simplemente se reduce el sonido de las palabras y quedan los gestos de los actores y la música. Dos elementos importantes en su cine. 

Siempre he dicho que los actores de Malick son instrumentos en pro de la obra, son ánimas, elementos simbólicos, emociones... y aquí tiene un reparto de lujo que cumple su labor. Y la música, tan importante en esta película especialmente, cumple un papel de hilo conductor en la narración. Como dice uno de sus personajes, viven de canción en canción. Y por esto cada escena está acompañada de una canción diferente, además de las estrellas de la música que aparecen, Patti Smith, Iggy Pop, entre otros. 

Pero "Song to Song" cuenta la historia de un triángulo amoroso, en medio de la escena musical de Austin, Texas. Creo que es la mejor de la trilogía, aunque si no les gustó ninguna de las dos anteriores, esta tampoco gustará. Creo que para disfrutar del juego que propone en esta etapa especial de su cine, que cierra con esta película, hay que entregarse a las emociones, a las imágenes que tan bien le ayuda a componer el gran Emmanuel Lubeski, a la música, a sus símbolos y representaciones, y a la visión de un director que siempre busca capturar el instante. El amor, en esta oportunidad, sigue esquivo, difícil, doloroso, enfermo y cegador. Y la vida, a su paso la acompaña. Una película de sensaciones, emociones y música.

7/10

Trailer de Song to Song

X-Men: Days of Future Past (Bryan Singer)

Última y esperadísima película de la exitosa saga de Marvel. Retoma el director Bryan Singer, director de las sagas iniciales X-Men (2000) y X-Men 2 (2003), en esta ocasión con un filme bastante sólido, que une las tramas de los filmes anteriores, incluso el de la Primera Generación del 2011. Con un guión de Simon Kinberg, basado en el cómic del mismo nombre, en esta oportunidad los superhéroes se ven obligados a regresar al pasado, específicamente Logan, cuando el Profesor Charles y Erik eran aún jóvenes, para que eviten que ocurran ciertas sucesos que marcaron la historia de los mutantes, que se encuentran a punto de la extinción en el futuro.

Singer maneja muy bien la historia, y los cambios temporales, aunque en realidad estructuralmente no hay nada riesgoso, es un simple cambio temporal, pero que si se ve reforzado en el tratamiento del guión, que trata de llenar vacíos anteriores y desarrollar una trama mínimamente coherente, además de la vida de cada uno de los personajes, al establecer ciertos paralelos con algunos acontecimientos históricos. 

Gran dosis de entretenimiento, calidad técnica, guión coherente y efectivo, aunque al final sea un poco predecible. Pero los personajes y la historia en su mayor parte son bien tratados y te muestran matices poco explorados en los filmes anteriores, más íntimos y personales. También un reconocimiento al excelente trabajo de los actores, todos están realmente muy bien, destacando a los Charles y Erik jóvenes que soportan el mayor drama y exposición en la trama, además del siempre presente e inmutable Logan, Mystique, que tiene mayor protagonismo, y todo el resto del elenco. Personajes fugaces como el de Pietro, el chico velóz, o el hombre que en el futuro experimenta con Logan, son muy buenos ingredientes que dan también mayor contexto a las historia.

Finalmente, Singer maneja un buen ritmo y un buen resultado en general, pero sí al final me faltó un poco más fuerza, aunque no por eso deja de ser emotiva en sus últimos minutos. Y al parecer, una escena final post-créditos dan pequeños adelanto de la que será la próxima secuela. Por todo esto:


7/10

 
Trailer de X-Men: Dys of Future Past

Frases y Diálogos de la película

12 Years a Slave (Steve McQueen)

Drama biográfico basado en la vida de Solomon Northup, un hombre negro libre que de un momento a otro pierde su libertad y es sometido a la esclavitud en los años de 1850, durante 12 años. Tercera película de Steve McQueen, luego de las excelentes “Hunger” y “Shame”. En esta oportunidad con un duro retrato de la esclavitud, que aunque resulta un poco decepcionante, debido a que aunque molesta en algunas escenas explícitas, no emociona ni sorprende con ese pulso al que el director nos tenía acostumbrados, cuenta con distintos elementos que equilibran en cierta forma algunas de las carencias del filme.

 

La película nos traslada a ese recorrido de dolor y sufrimiento, ya antes visto en el cine en diversas oportunidades, pero que la misma historia y hechos actuales nos ha demostrado que nunca es suficiente. Mucho se especulaba de que la obra de McQueen, un director que con sólo dos películas había marcado un estilo particular, llegando directo a las llagas y los abismos del dolor, había hecho la película definitiva o más grande sobre el tema de la esclavitud. Teniendo las grandes referencias del director y las críticas y premios que empezaba a cosechar, los espectadores y seguidores del cineasta sólo podíamos esperar con paciencia.

 

Es por esto, que es lamentable cuando esperas un filme con tanta expectación y al final quedas con un extraño sabor en la boca. Y eso fue lo que me pasó con el visionado de “12 años de esclavitud”. Un gran inicio, desde donde en los primeros minutos ya atisbas el gran trabajo de dirección, fotografía y la banda sónora desgarradora. Sigue el metraje, y continuamos involucrados en la historia, esperando lo que le espera a Solomon, y empiezan las distintas escenas explícitas de maltrato y dolor. En muchas de esas escenas que abundan en la cinta, siento quizás la necesidad de apartar la vista, pero no alcanzo una verdadera emoción que me impacte, sólo el simple desagrado visual. Y esto es uno de los elementos que más sorprende que no haya alcanzado McQueen (por supuesto, desde mi perspectiva), ya que siempre lo había hecho tan bien. Posteriormente , y ya cuando ya estamos un poco mareado de la melodía inicial que se extiende en todo el metraje, llega la parte final, que te sorprende, y no porque sea impactante, sino porque llega de un momento a otro sin ninguna fuerza, y cuando ya observas los títulos de créditos, te das cuenta de que ya ha acabado.

 

Pero no todo en el filme es decepcionante. Y precisamente a continuación nombró algunos de los elementos que equilibran lo que pudo ser un desastre: Hay algunas escenas muy buenas, como la de la horca, muy bien filmadas y otras cuantas donde destacan algunos primeros planos de los actores. Y precisamente uno de los elementos que más sobresalen son las excelentes interpretaciones que te hacen mantener el interés en la trama, aunque al final eches de menos esa sensación de gratificación que habías sentido en los anteriores filmes del director. Pocas cosas se te quedan luego de verla, entre ellas la imagen de Lupita Nyong´o, quién está excelente en cada una de sus apariciones, encarnando el dolor de las mujeres que padecieron en esa época o cuando se encuentra jugando en el campo con las muñecas que ella misma hace. Son imágenes que se te quedan en la mente y te acompañan luego de ver el filme, y junto a ella, con la personificación del mal que realiza Michael Fassbender. Todos son elementos que rescatan un poco el resultado final del filme, pero que lamentablemente no logran rescatarla del todo del desastre y la decepción. Por todo esto:

 

7/10

 

 

Trailer de 12 años de esclavitud

 

Frases y Diálogos de la película

 

Shame (Steve McQueen)

Ayer por fin pude observar “Shame” de Steve McQueen. Su segunda película, después de “Hunger”. Mi primera impresión al verla fue: Enorme Obra Maestra. McQueen esta vez nos regala una película cruda y dura pero magnífica. Después precisamente de “Hunger”, McQeen vuelve a arrastrar a Fassbender a los confines más bajos del infierno, pero este sale brillando con luz propia. Está simplemente a otro nivel, y Mulligan está excelente. La película que en definitiva entra a desordenar el Ranking que había hecho de las Mejores Películas del 2011.

“Shame”, ambientada en su mayor parte en las noches en la ciudad de Nueva York, cuenta la historia de Brandon, un hombre que tiene un grave problema para controlar y disfrutar de su vida sexual, es un adicto al sexo desenfrenado con una incapacidad de mantener una relación normal. Su vida transcurre entre su vida laboral en las mañanas, donde va a una oficina, pero la mayor parte del tiempo visita páginas pornográficas y mantiene diversas relaciones con igual número de mujeres. Hasta que un día llega su desdichada hermana, que irrumpe dramáticamente en su vida.

McQueen en esta ocasión continúa con su particular forma de hacer cine. El guión, firmado por el mismo McQueen y Abi Morgan, tiene pocos diálogos y abundantes descripciones. Al igual que en “Hunger”, el ambiente y la atmósfera son muy importantes, ya que el director con su prodigiosa mirada, sabe exactamente donde colocar la cámara, sabe como contar la historia a través de imágenes que hablan por sí mismas. La cadencia de las escenas son acompañados de forma efectiva por una melodía recurrente, que trasmite desolación, tristeza y “vergüenza”. De esa forma, el espectador desde el inicio entra en contacto con los personajes, sentimos lo que sienten, y gran parte del éxito de esa labor es logro de los dos fantásticos actores, que alabaré más adelante.

La película tiene un ritmo pausado, es muy sensorial y contemplativa, por lo que veremos algunos planos largos pero geniales. En esta ocasión, el director utiliza muchos símbolos minúsculos que pueden pasar desapercibidos, pero tienen gran significado en la trama. No sé porque al verla, o al terminar de verla no pude evitar hacer una relación con la película de Haneke “La Pianista”. Claramente, tienen poco en común, pero la mayor relación creo que es en los personajes principales, dos seres con problemas o “enfermos” (aunque está última palabra no me gusta mucho, al referirme a estos personajes). Creo que ambas películas hacen un excelente retrato, tanto exterior, pero sobre todo interior de las personas con este tipo de problemas. Eso sí, recordemos que la de Heneke tenía una gran represión y el de McQueen tiene es un exceso. Pero era sólo esa pequeña relación.

Continuando con el filme de McQueen, hay escenas fantásticas, resalto algunas, como el “prólogo” inicial, los primeros minutos del filme que ocurre en el metro, y nos muestran a Brandon observando a una hermosa mujer que se encuentra cerca. Esa escena y como termina, me pareció fantástica, y de entrada sabía que estaba viendo una película especial. Mucha atención con la chica del metro, puede que aparezca más adelante… En esa escena es impresionante la dirección de McQueen, de gran cuidado, de gran sensibilidad y de un gran conocimiento para trasmitir al público de forma eficaz.

La película es dura y fuerte, porque recorremos el infierno junto con Brandon, pero no me resultó tan perturbadora, como por ejemplo la película de Haneke. Eso sí, hay escenas fuertes y explicitas, pero no en un grado tan alto.

Brandon vive su vida normal, hasta que llega su hermana, una mujer perdida y desgraciada, tanto como él, pero con problemas distintos. Pero es a la llegada de esta a su vida (luego de que ignorara constantemente sus llamadas), que Brandon se siente expuesto, en un momento hasta con repulsión de sí mismo, y es donde empieza, creo yo la vergüenza (Shame). La relación entre los hermanos es intensa, pero entre todos sus problemas se quieren.

Brandon y su hermana, interpretados magistralmente por Michael Fassbender y Carey Mulligan, se comen totalmente la pantalla y le dan una fuerza increíble al trabajo de McQueen. Mulligan trasmite bastante, y una gran escena que lo demuestra, es esa donde canta el clásico “New York, New York”, es simplemente genial, su bella voz y su mirada desoladora y nostálgica, que parece el espejo del desastre que es su vida, y aunque todos los presentes se maravillan por su voz, es su hermano el que se siente más identificado porque se ve reflejado a sí mismo también. Es una excelente escena, y personalmente creo que Mulligan con su interpretación se come completitas a todas las nominadas a Mejor Actriz de Reparto este año en los Oscar, donde fue terriblemente ignorada, así como la película. Y Michael Fassbender, que decir de él, es simplemente fantástico, es un gran actor y su papel en Shame es enorme. De lejos, la mejor del año, incluso por sobre la de Oldman.

Como mencioné anteriormente hay pocos diálogos, e igual a como ocurre en “Hunger”, hay dos muy importantes. Uno que tiene con una compañera de trabajo en un restaurante, donde se da a conocer un poco, y el otro que es bastante dramático, es uno que tiene con su hermana en un sofá, frente al televisor, que dura alrededor de 6 minutos.

Y finalmente, ya en el último tramo del filme ocurren diversos acontecimientos, el ritmo crece mucho más en esta parte. Brandon llega al extremo con tal de satisfacer su apetito, y en general es un tramo muy notable y oscuro, con un final abierto que en realidad me gustó mucho. La película le toca a cada espectador terminarla, y no resultará difícil, porque durante todos los 99 minutos de metraje estuvimos dentro de la película y sus personajes. Esa es otra virtud, no se excede en tiempo y creo que el resultado final es una película excelentemente estructurada y McQeen supero a su opera prima, posicionándose como uno de los directores contemporáneos más prometedores.

Shame me pareció una obra maestra y entra a la cima de mi ranking de los mejor del 2011.

9/10

Trailer de Shame

Frases de la película

A Dangerous Method (David Cronenberg)

Esta película es sin dudas otra de las que estaba en mi lista de “Ansioso por ver”. Y no es más, viendo este llamativo argumento, nada más que el encuentro entre dos de los personajes más importantes en la historia del Psicoanálisis: Sigmund Freud y Carl Jung. Aunque en realidad son tres personajes importantes en el psicoanálisis ya que aunque es menos conocida Sabina Spielrein, tiene el honor de ser una de las primeras mujeres en la historia del psicoanálisis.

Además de lo interesante que es la historia verídica, este drama biográfico dirigido por David Cronenberg (Una historia de violencia), es dirigido de forma efectiva con un excelente guión que nunca pierde su ritmo y mantiene un alto nivel en todo el filme. Con unas grandiosas interpretaciones de sus tres estrellas principales: Viggo Mortensen (Sigmund Freud), Michael Fassbender (Carl Jung), ambos excelente en sus interpretaciones y la indescriptible Keira Knighley (Sabina Spielrein), que borda su personaje por todos lados. Las actuaciones de este trío, junto con la corta aparición de Vicent Cassel como Otto Gross y Sarah Gadon como Emma Jung, le dan una fuerza increíble al filme y al ya fantástico guión.

El argumento se centra en los acontecimientos reales, cuando Sabina Spielrein sufre una gran crisis y es llevada ante Carl Jung. Este la trata como paciente, pero poco a poco va haciendo una excepción en la relación paciente-médico con Spielrein, hasta que se convierten en amantes (Jung la cura con el método de Freud). En ese proceso de sanación y descubrimiento de ambos, interviene la figura de Freud, el cual inicia una amistad profesional con Jung. Aunque ambos tienen ideas similares, también los separa un gran abismo, al Carl Jung querer experimentar en sus tratamientos en una relación más profunda con el paciente, que transforme su vida completamente. Además de su interés en los “fenómenos ocultos”, que Freud rechazaba.

Jung con su relación con Spilrein y con su fugaz tratamiento con Otto Gross, adquiere otra visión sobre las cosas, o le da la fortaleza necesaria para hacer valer sus intereses. Es así como la misma relación con Spielrein fuera del matrimonio (ya que estaba casado con Emma), además de los eventos y desacuerdos entre ambos, lo que ocasionó su ruptura definitiva con Freud. Algo que a ambos afectó mucho. Podemos observar en el filme, varias de las cartas que realmente intercambiaron entre los tres, hasta la carta de Freud donde pone fin a la relación entre ambos.

La historia por si sola es interesante, y Cronenberg ha sabido utilizarla y explotarla, junto con el magnífico guión y las poderosas actuaciones, hacen de este filme un producto de gran calidad. Y muy seguramente la estaremos viendo entre las candidatas a los grandes premios, aunque ya tuvo su presentación en los Festivales de Venecia y Toronto. No es una obra maestra, pero si es un filme efectivo que cumple bastante con sus objetivos.

Nota: El guión es genial pero puede ser un poco complejo, ya que se ponen en evidencia varias de las interesantes teorías psicológicas y sexuales de cada uno de los personajes realizaron y aportaron al conocimiento del ser humano. Por lo que hay que prestar bastante atención. (Es interesante cuando llegan a Estados Unidos, la broma que hace Freud a Jung, diciendo que no saben que llevan la peste. Pero no fue una peste, muchos los consideran grandes aportes que cambiaron muchas percepciones en el mundo).

7/10

Trailer de A Dangerous Method