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miércoles, 12 de abril de 2023

Reseña y Análisis de la película: R.M.N. (Cristian Mungiu) - 2022 / Rumanía

 
 
La mejor película del 2022 en mi listado anual en el blog. “R.M.N.” es una película tremenda y brillante que aborda de gran manera el tema de la xenofobia, con el miedo y la amenaza que empiezan a sentir los habitantes de un pequeño pueblo multiétnico en Transilvania, Rumanía, cuando una empresa local de panes empieza a contratar a extranjeros. Pero más allá del rechazo al extranjero, Mungiu, quien es un director con oficio y muy incisivo, como en las siglas de su título (aunque puede tener también otro significado o referencia) realiza una resonancia magnética nuclear profunda, social y psicológica a los habitantes que experimentan este rechazo, que nos harán pensar y reflexionar sobre cuál sería nuestra propia posición con respecto a lo que ocurre, y la respuesta no es tan fácil como uno pensaría o como otras propuestas cinematográficas lo han expuesto o retratado: con un enemigo o villano de fácil señalamiento.
 
 
 

 
 
La película inicia con un niño que en camino a la escuela por un solitario bosque se encuentra un día con algo (nunca sabemos qué) que lo asusta y lo deja sin habla. El padre del niño, Matthias, un hombre rudo y fuerte, quien hace años emigró para trabajar en Alemania, en donde también es discriminado por su origen en la empresa por algunos compañeros, un día cansado y hastiado decide regresar a casa. Cuando regresa al pueblo se encuentra con la situación de su hijo y de la fábrica de panes, que serán los dos pilares de la historia. El pueblo es una población conformada por extranjeros e inmigrantes de distintos orígenes, y es por esto que la película nos deja una nota al inicio que nos informa sobre la variedad de idiomas que se hablarán en el filme, y que los subtítulos estarán identificados de la siguiente forma, con un color distinto para cada nacionalidad, que son: húngaro, rumano, alemán, francés e inglés. Este detalle mutiétnico y que nos sitúa en una especie de micro Babel, también nos habla mucho de una situación actual, y sobre todo del caso de Rumanía, que fue uno de los últimos países en entrar a la Unión Europea en el 2007, tras haber entrado primero en la OTAN en apoyo a la coalición anglo-estadounidense en la Guerra en Irak, y con esto facilitando el tránsito de inmigrantes pero sin un protocolo o medidas para prevenir el impacto negativo en las poblaciones donde se asientan las personas que llegan de otro lugar buscando un mejor futuro.
 
 
 

 
 
Así que la película nos habla de los miedos internos, de la identidad nacional, de los problemas del estado en gestionar el tema, del racismo, de la comunidad, de la familia, entre otros temas. Y hay una excelente escena donde muchos de estos temas salen a flote y se enfrentan directamente, rodada en un solo plano secuencia (así como otras escenas del filme), donde los habitantes del pueblo se reúnen en el Centro Cultural Local junto con el alcalde, el sacerdote y las directivas de la empresa contratante, para hablar y llegar a una solución sobre el problema de los nuevos inmigrantes hindúes, quienes le están quitando los puestos de trabajo. En la reunión salen a relucir muchos temas, y también vemos que varios de los voceros hablan en distintos idiomas, por lo que a veces no se entienden entre ellos mismos, aunque hayan sido aceptados como parte de su comunidad por el tiempo o antigüedad, la raza y la religión que comparten y profesan.
 
 
 

 
 
Y junto a todo este tema, también hacemos seguimiento paralelo a la familia y amigos de Matthias, el padre y el hijo, su esposa y su amante, su padre, los vecinos y un investigador francés que llega al pueblo a hacer un conteo de los osos de la región. El oso que es el animal emblemático del país sirve al director como elementos simbólico en muchos momentos, incluso en un festival local que se hace, en donde los hombres llevan disfraces de osos para ahuyentar los malos espíritus, y que se celebra en una noche en donde empezarán a endurecerse las diversas situaciones a punto de explotar en todo el metraje.
 
 
 

 
 
La película es dirigida con gran pulso, con una atmósfera fría, tensa y sombría, como en otras películas del director, con un muy buen ritmo, con una excelente fotografía y notables interpretaciones, que van llevando al espectador en un espiral de tensión, de incomodidad, de indignación, e incluso me atrevería a decir de participación y toma de posición. La película me gustó especialmente por el compromiso, a la vez por la neutralidad, por la denuncia y sobre todo por despliegue artístico y creativo para llevar la trama en una especie de thriller político, social, cultural y psicológico que toca fibras muy sensibles, enfrentando al espectador para enfrentarse a cada situación presentada.
 
 
 

 
 
Y llegando al final nos encontramos con un elemento críptico, simbólico y muy interesante que nos da un mayor incentivo para reflexionar sobre todos los temas abordando durante el filme, que curiosamente se presentan como los sospechosos de haber asustado al niño al inicio: los osos, los extranjeros o el mismo pueblo. Otra gran obra del genial director rumano, aunque en efecto no me parece su mejor película. 

 
 
 

Reseña y Análisis de la película: R.M.N.

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

jueves, 9 de marzo de 2023

Especial: Apellido Diop, Cine Africano y Mujeres al frente (Saint Omer, Atlantique, Nanny)

 
 
Hace poco cuando vi la excelente película “Saint Omer” de la directora francesa de ascendencia senegalesa, Alice Diop, y me puse a pensar en que ese apellido lo había escuchado anteriormente en otra ópera prima y en otras películas que había visto en los últimos años. Entonces me puse a buscar en las películas que había visto para ver si se trataba de la misma persona o cada recuerdo representaba a una persona diferente. Y fue así como encontré el material para este interesante texto y a la vez hacer una breve reseña de estas películas.
 
El apellido Diop es originario de Senegal pero no quiere decir que todos los que tengan el apellido tengan algún vínculo familiar. Relacionado directamente con el cine, por ejemplo, tendríamos que remontarnos a Djibril Diop Mambéty (1945-1998), uno de los grandes cineastas de culto del continente africano, quien logró un reconocimiento internacional en los festivales más importante del mundo como Cannes con su película "Touki Bouki" (1973), que logró el Premio de la Crítica. Djibril murió en Francia, y como muchos africanos hicieron, emigró a Francia para asentarse, y toda una nueva generación de africanos creció en Francia y en distintos países europeos o en América. Así que aunque Alice Diop (Saint Omer) no esté relacionada directamente con Djibril Diop, sí lo está la directora Mati Diop (Atlantique), quien es su sobrina; y también el compositor Wasis Diop, quien hizo la música de la película de Chad, “Lingui” (2021), que aunque no comentaré en este post porque aún no la he visto (y se encuentra disponible en la plataforma MUBI), Wasis es hermano del director. Pero ya entremos en material con las tres películas a tratar:
 
 
 

 
 
Saint Omer (Alice Diop) - 2022 / Francia
 
“Saint Omer” es una película brutal que toma un caso real y una experiencia real de la directora, Alice Diop, para componer un complejo retrato del estado real y de vulnerabilidad en que se encuentran y sufren las mujeres negras dentro de la sociedad francesa, ya sean inmigrantes o no. La historia real corresponde al juicio de Laurence Coly, una joven negra acusada de matar a su hija de 15 meses al abandonarla en la orilla de una playa en el norte de Francia. El juicio tuvo mucha relevancia y a éste asistió la documentalista Alice Diop, interesada por la historia y el tratamiento del juicio. Dentro de la película Alice cede su personaje y construye el de Rama, una joven novelista que asiste al juicio para tomar notas para su próximo proyecto literario. Rama se encuentra embarazada y vive con su marido, un artista francés; Rama tiene una carrera exitosa en el país pero en medio del juicio descubrirá algunos aspectos que la hacen dudar de sí misma y su propia posición dentro de la sociedad en la que vive.
 
 
 

 
 
Lo que llama la atención de todos en el juicio es que Lauren Coly demuestra ser una mujer muy culta, la cual desarrollaba sus estudios literarios en el país, pero que al enamorarse de un hombre mayor local que tenía otra familia y quedar embarazada, empezó a evidenciar algunas realidades que la llevaron a entrar en un estado de depresión y tomar medidas desesperadas. La escritora, Rama, se refleja a sí misma frente a la acusada y empieza a percibir la hostilidad de la sociedad, del jurado y del mismo sistema educativo, representados en una serie de testigos que van pasando por el estrado para presentar testimonios en contra de Lauren Coly.
 
 

 
 
Leyendo todo esto parecería que estamos ante un drama judicial tradicional que fácilmente podía haber caído en el tedio, pero todo está tan bien compuesto, estructurado y filmado de una forma tan sutil, que presta atención a los pequeños detalles y gestos, que poco a poco la directora logra hacer una inmersión directa con el espectador al problema que se presenta. No nos dice qué pensar o qué o a quién creer, pero nos va dejando pistas y elementos que nos dicen mucho más de lo que se muestra. Y en este proceso logra acercar al espectador a la experiencia de ambas mujeres, quienes son expuestas y deseccionadas por una sociedad que en el proceso deja entrever más cosas y fobias que las que aparentemente se juzgan. Me pareció un ejercicio brillante y auténtico de dirección, con una Diop que también coescribe el guión y dirige muy bien al reparto, entre ellas las dos actrices principales, Kayije Kagame y Guslagie Malanda. Y solo he mencionado la parte del juicio, que es la principal, pero el personaje de la escritora Rama fuera del juzgado también nos da otros elementos interesantes para analizar, con respecto a la sociedad, la maternidad, las relaciones de pareja y la familia. Y la directora Alice Diop, quien confiesa haber sentido lo mismo que Rama presenciando el juicio de Coly, logra de forma muy efectiva trasmitir al espectador su estado emocional, sus observaciones y sus nacientes miedos.    
 
La película fue la elegida por Francia para el Oscar a Mejor película internacional, aunque lamentablemente no entró dentro de las 5 finalistas que fueron nominadas. También ganó los premios: Gran Premio del Jurado y Mejor ópera prima en el Festival de Venencia 2022 y el Premio César a mejor ópera prima. De visionado obligatorio.
 
 
 

 
 
Atlantique (Mati Diop) - 2019 / Senegal / Netflix
 
Atlantique fue la primera película  que vi de una directora con el apellido Diop, allá en el 2019. La película logró el segundo premio en importancia en el Festival de Cannes de ese año: el Gran Premio del Jurado (el año que ganó Parasite). Pero al ver una foto de Mati Diop reconocí también a la actriz que años atrás había protagonizado esa estupenda película de la gran directora francesa, Claire Denis: "35 Rhums", una de mis películas favoritas. “Atlantique” fue la ópera prima de la directora como largometraje, pues ya anteriormente había realizado documentales y especialmente cortometrajes. La película sorprendió mucho porque tiene una atmósfera muy particular, bastante onírica y única, vestida con el ligero velo de un cuento de fantasía. Y dentro de ese empaque te cuenta una historia de amor, un drama policial y un drama social que toca el tema de la inmigración, los matrimonios arreglados, entre otros temas, pero todos desde un punto de vista alucinante y poético.
 
 
 

 
 
Nos cuenta la historia de Ada, una joven de 17 años que se enamora de un joven obrero, Souleimane, quien trabaja como obrero en la construcción de una torre futurista que pronto será inaugurada en un suburbio de Dakar, Senegal. Un día el joven obrero desaparece junto a sus otros compañeros obreros, lo que genera una investigación policial, rodeada de tintes sobrenaturales. Resulta que los jóvenes, aburridos de no recibir sus respectivos pagos por la construcción, se embarcan en la riesgosa travesía de atravesar el Atlántico hacia el Mediterráneo, con terribles consecuencias. Con el tiempo llega el rumor de que los chicos han vuelto como espectros reclamando venganza con la empresa constructora y volviendo por las mujeres que dejaron atrás, entre ellas Ada, quien ha sido prometida a otro hombre al que no quiere. Ya no diré más del argumento, pero es una película inusual y bellísima, que también merece ser vista, disfrutada y difundida por esa creatividad en contar las mismas historias que ya nos han contado anteriormente con una estructura más formal y tradicional. Además de la dirección tan sutil y etérea, la fotografía y el diseño de producción ayudan a construir toda esa atmósfera fascinante, y las actuaciones son destacables.
 
La película se encontraba en Netflix, no sé si seguirá en la plataforma.
 
 
 

 
 
 

 
 
Nanny (Nikyatu Jusu) - 2022 / U.S.A. / Amazon Prime

Y finalizamos con “Nanny”, otra película del 2022, que no es dirigida por una Diop, pero sí por una directora estadounidense de ascendencia africana (senegalesa), Nikyatu Jusu, quien también firma su ópera prima, tras haber realizado algunos cortometrajes. Pero la incluí en este especial, además de que me gustó, por su bella protagonista, también estadounidense-senegalesa: Anna Diop. La película retoma aspectos que he mencionado de las anteriores directoras, y es esa habilidad de contar una historia tradicional pero con componentes y elementos distintos que le dan un toque especial y único a la producción.
 
 
 

 
 
Nos cuenta la historia de Aisha, una niñera inmigrante, quien intenta salir adelante en Nueva York, cuidando de un niño de una pareja joven y acomodada. Aisha se encuentra ahorrando dinero para pagar el boleto de su pequeño hijo, quien sigue en el continente africano. Pero Aisha, a pesar de llevarse bien con la familia, de repente empezará a experimentar visiones y pesadillas, que desestabilizan su vida y sus ilusiones de una nueva vida en otro país. Todo esto junto a pequeños problemas con la pareja de esposos para los que trabaja.
 
 

 
 
La película es muy interesante por el retrato que hace de las mujeres inmigrantes en Estados Unidos, quienes evidentemente sufren de racismo y acoso sexual por parte de sus patrones, a pesar de la aparente cordialidad y aceptación social. Siempre se encuentran en una delgada línea, en donde cualquier mínimo percance o reclamo les genera enormes dificultades. Pero un ingrediente adicional al filme, también es la presencia de la cultura ancestral de Aisha, quien se refugia en hermanos de su comunidad, y vemos la presencia de los colores, la comida y la brujería dentro de la trama, lo que enriquece la parte onírica y la estructura de thriller psicológico que adquiere por momentos la película. Una experiencia mística, aterradora y dolorosa, que nos retrata otra cruel y difícil realidad de las mujeres negras de ascendencia africana dentro de los países de occidente. Curiosamente este argumento me recordó a uno de la reciente temporada de la excelente serie, “Atlanta”.
 
La película ganó el premio a Mejor Película en el Festival de Sundance 2022 y es muy recomendada. Estaba disponible en Amazon Prime, no sé si seguirá en la plataforma.  
 
 
 
Directoras:
 
 
Alice Diop

Saint Omer

 

Mati Diop

Mati Diop

 

Nikyatu Jusu

Nanny

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

jueves, 4 de agosto de 2022

Reseña de la película: La Caja (Lorenzo Vigas) - 2021 / México

 
 
Película más reciente del interesante director venezolano, Lorenzo Vigas, quien regresa con esta inquietante película que trata temas que el director ha tratado en sus anteriores películas, como la familia y la paternidad. Cuenta la historia de un joven que asiste a recoger las pertenencias de su padre, quien al parecer ha sido encontrado en una de las tantas fosas comunes en México. El contenido de la caja no satisface al chico, quien se resiste a aceptarla (a la caja y la muerte) y en el camino del rechazado duelo encuentra a un hombre, al que inmediatamente redirige la imagen paterna, creyéndolo ciegamente su padre y con el que entablara una amistosa relación.
 
 

 
 
La película está muy bien estructurada y tiene un planteamiento inicial que deja muchas preguntas y poco a poco se va decantando o entrelazando en otro drama donde se mezclan el deseo de la figura e influencia paterna en la vida de un joven pre adolescente, la búsqueda de la identidad y del afecto. Todo eso contrastando con la manipulación y la corrupción de la inocencia y del dolor ajeno. Un espiral perverso que concluye en una inevitable tragedia.
 
 

 
 
Me gusta mucho la representación de la caja como ente presente en toda la historia, y la representación en esa realidad que cubre a muchos migrantes que se ven forzados a hacer trabajos forzados y mal pagados, sin ninguna seguridad, ni garantía de la misma vida. Al parecer Michel Franco es productor de la película, y puedo notar cierta influencia, en especial en su tramo final, donde siempre hay quizás un exceso o punto de no retorno, pero que no quiere decir que no refleje una realidad. Lo digo más por las formas. Pero me parece otra película notable y recomendada. La pude ver en el FICCI 2022.

 
 
 
 

 

domingo, 16 de enero de 2022

MiniReseña de la película: Vitalina Varela (Pedro Costa) - 2019 / Portugal / MUBI

MiniReseña de la película: Vitalina Varela


La más reciente película del gran director portugués es un prodigio visual. Ya es bien conocido su particular estilo y la iluminación en sus películas con claroscuros y muchas sombras, además de las puestas en escena con sus personajes que evocan lienzos vivos y estáticos por momentos (que me recuerda a parte del estilo del maestro sueco Roy Andersson). 



MiniReseña de la película: Vitalina Varela


Aunque en Andersson siempre se respira la tragicomedia, en Costa siempre está el drama humano, realista y casi documental. Pero lo que quería mencionar es que en esta película el estilo de Costa se luce de manera especial, se ve más depurado, impecable y tremendamente cuidado. Cada escena es un bello cuadro. Pero la historia también es potente. 



MiniReseña de la película: Vitalina Varela


La protagonista es la misma Vitalina Varela, una mujer procedente de Cabo Verde (África) que llega tarde a Lisboa al funeral de su marido, quien mucho tiempo atrás emigró. Ella llevaba esperando ese momento más de 25 años. Vitalina, con una presencia en pantalla muy poderosa y emotiva, cuenta la historia del viaje de su marido, y posteriormente la suya. 



MiniReseña de la película: Vitalina Varela


Es su propio luto en carne viva que nos trasmite a través de su rostro en unos primeros planos donde expone el dolor y la nostalgia. Y en sus miradas, recuentos y conversaciones con los personajes andantes, donde está su eterno Ventura (también presente en Cavalo Dinheiro, y que puede tener alguna conexión con Vitalina Varela), también sabemos detalles de sus anhelos frustrados con su marido. De una vida no vivida. 



MiniReseña de la película: Vitalina Varela

 

La película, como es habitual en el director es muy contemplativa y pausada por lo que es comprensible que a algunos parezca aburrida y muy lenta. Pero es una gran muestra de humanidad, belleza y dolor. Creo que es de las películas que más me han gustado de Costa.

Disponible en la plataforma MUBI.


Trailer de Vitalina Varela



Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)



sábado, 5 de junio de 2021

Reseña de la película: Sin señas particulares (Fernanda Valadez) - 2020 / México

Crítica de la película Sin señas particulares


Tenía muchas ganas de ver esta película desde el año pasado pero apenas pude verla hasta hace unas semanas, y me apena porque creo que es de las mejores películas del 2020, y creo que hubiese estado en mi Top 5. Me ha parecido excelente y brutal. Y también me hace reflexionar sobre la violencia que seguimos viviendo actualmente, en la que nos podemos reflejar con el drama histórico de los mexicanos. Pero sigamos: La película nos cuenta la historia de Magdalena, una mujer que busca a su hijo, al que hace meses no ve, desde que éste partió de su pueblo para cruzar la frontera a los Estados Unidos. Se entera que en ese trayecto han desaparecido muchos buses y personas, lo que la lleva a averiguar ante las autoridades, quienes le plantean la idea de que es su hijo está muerto, por la evidencia del cuerpo del amigo que viajaba con él, y le dicen que firme su certificado de muerte. Magdalena se niega a aceptar esa idea y sigue averiguando, lo que la llevará a una travesía por México y la frontera para averiguar sobre su hijo, para saber lo que le pasó, ya sea vivo o muerto. La esperanza y la necesidad del cuerpo, de la historia y la verdad.



Crítica de la película Sin señas particulares


En ese viaje Magdalena se va encontrando con distintas personas y pistas, que poco a poco le van dibujando un paisaje oscuro sobre una cruel realidad, pero que a la vez le van dado luz a sus deseos. La película es excelente, pues maneja un muy buen ritmo, dosifica muy bien la información y logra una gran inmersión del espectador dentro de la trama y el drama de esta mujer. 



Crítica de la película Sin señas particulares


El uso de la luz y el sonido está muy bien concebido y tiene un papel fundamental en el desarrollo de la trama y el ritmo narrativo. Su fotografía destaca mucho también, y un muy buen reparto, que merece la distinción especial de Mercedes Hernández, pues sostiene la película sobre sus hombros, y por supuesto, la dirección de  Fernanda Valadez, pues concibe una película con temas cotidianos de Latinoamérica pero con una óptica y una mirada especial que impacta y estremece. 



Crítica de la película Sin señas particulares

 

A mí me ha impactado y me ha conmovido mucho, y su tramo final es simplemente brutal. Una nueva historia de violencia llena de tragedia, dolor, muerte, perversión, maldad, pero a la vez de una belleza artística y poética, sin moralismos o sermones, que tiene un impacto profundo en quien la vea. Ojalá muchos tengan la oportunidad de apreciarla, sufrirla y reflexionarla, pues es parte de nuestra historia.


Trailer de Sin señas particulares



Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)



Crítica de la película Sin señas particulares


jueves, 1 de febrero de 2018

Los Niños Perdidos (Valeria Luiselli)

Valeria Luiselli



Los Niños Perdidos” es el libro más reciente publicado por la talentosa, joven y excelente escritora mexicana, Valeria Luiselli. Publicado en el 2017, es un ensayo de poco más de 100 páginas, que se basa en las 40 preguntas formuladas en un cuestionario, que deben responder todos los niños centroamericanos y suramericanos que llegan cada año a los Estados Unidos por la frontera mexicana.

Y se basa en ese formulario, porque Valeria Luiselli trabajó como traductora e intérprete para los niños en la corte de inmigración en Nueva York. A ella le tocaba traducir las preguntas, formularlas a los niños, y transcribir sus respuestas. Luiselli llegó a este puesto, luego de que una abogada que le estaba ayudando en su proceso con la Green Card, que es el Permiso de Residencia Permanente, le mencionó que trabajaba en la corte de inmigración con los niños inmigrantes; y Valeria, que se encontraba en una especie de stop laboral, porque no podía seguir trabajando en la universidad como profesora sin la Green Card, decidió hacer este trabajo como traductora mientras esperaba definir su propia situación en el país. 

En Noviembre del 2015 empezó a escribir el ensayo. Así que, mientras no podía trabajar en la universidad y esperaba su Green Card, se dedicó además a escribir un ensayo sobre esas historias que escuchaba, y que en cierta forma se reflejaban por lo que ella misma estaba pasando. Y como ella misma dice:

“¿Porque cómo se explica que nunca es la inspiración lo que empuja a nadie a contar una historia, sino, más bien, una combinación de rabia y claridad?”

Dentro de la exposición y relato de algunas de las entrevistas y testimonios de los niños, Luiselli también escarba dentro del sistema burocrático y un poco xenofóbico y despectivo en algunos de sus términos, por ejemplo, a las personas que no tienen la Green Card, como era el caso de Valeria, el gobierno les consideraba, “Non-resident aliens”, lo que ella traduce a “Alienígenas sin residencia” o “Extranjeros sin residencia permanente”. Aliens, así son considerados los extranjeros. 

El ensayo se divide en cuatro capítulos, “Frontera”, “Corte”, “Casa” y “Comunidad”, con un muy buen prólogo de Jon Lee Anderson. La primera pregunta que tiene dicho cuestionario es: “¿Por qué viniste a los Estados Unidos?

En uno de los cuestionarios, Luiselli recuerda a un niño que comparaba a Hempstead con Tegucigalpa, de donde había escapado por la violencia y las pandillas que pronto lo reclutarían. Y cómo sus familiares lo mandaron con un intermediario, que los embarca en el viaje peligroso a través de la frontera. Y cómo en Estados Unidos tampoco había encontrado la tranquilidad. Porque Hempstead, es una de las zonas donde han llegado varios inmigrantes mexicanos, entre ellos varios chicos que han formado las mismas bandas delincuenciales de las que huían en Tegucigalpa. El niño le dice a Valeria, que ahora que llegue su hermana tendrá que cuidarla. 

“- Me refiero a ahora que están ya acá mis dos primas y que tengo que cuidarlas.
- ¿Cuidarlas?
- Sí, cuidarlas, porque Hempstead es un hoyo de mierda lleno de pandilleros, igual que Tegucigalpa”. 

También cuenta que varios de ellos, le cuentas su travesía en “La Bestia”. Que es como llaman al tren que une las fronteras de USA con México, y donde se embarcan varios de los inmigrantes. Y cómo tiene una “Oración del migrante”, que dice:

“Partir es un poco morir/ Llegar nunca es llegar definitivo”

Pero además de las notas dolorosas y tristes que cuentas, Valeria también nos da una pequeña luz al final. Y es cómo sus estudiantes universitarios se comprometieron a ayudar en el problema con los inmigrantes en USA. Luiselli cuenta que cuando les daba clases, al principio le empezó hablando de la inmigración y se encontraban apáticos, pero que poco a poco se fueron comprometiendo y crearon una organización para ayudar a los jóvenes y personas en general que llegan, para capacitarlos en ciertas áreas básicas, que le ayudarán mucho en su estancia en USA. Y aquí nos habla del valor de inspirar… especialmente a los jóvenes.  

Y sobre su experiencia en Estados Unidos, dice:

“En Estados Unidos, quedarse es un fin en sí mismo y no un medio: quedarse es el mito fundacional de esta sociedad. En eso nos parecemos todos los que llegamos, sin importar nuestras condiciones previas y circunstancias actuales: todos abrevamos en las aguas de ese mito. Los que llegamos aquí, empezamos, de forma inevitable y quizás irreversible, a querer formar parte del gran teatro de la pertenencia. Vamos desaprendiendo el sistema métrico universal para poder empezar a comprar jamón cocido por libra. Vamos aceptando que la temperatura en que las cosas se congelan no son los cero grados Celsius, sino los treinta y dos Fahrenheit”.

Y nos habla desde su experiencia, como fue el proceso de adaptación, y de los hábitos que fueron cambiando, y lo que se mantuvo. Pero en general, cómo el sentido de identidad sufre cierto efecto, no siempre inalterable. Estados Unidos integra al inmigrante que decide asimilarse, menciona. Hay algunos que después no quieren volver ser quienes eran. Y que eso es algo general que aplica a todas las personas. 

Durante el Hay Festival tuve la oportunidad de entrevistar a Valeria Luiselli, y me mencionó una sorpresa que no sabía, y es que su próxima novela, que saldrá pronto, se llamará: “Los archivos de los niños perdidos”, donde tomará esta misma experiencia de este ensayo y desarrolló una novela. En una charla, en el Hay Festival también, sobre las autoras favoritas clásicas y contemporáneas, Vásquez mencionó a Luiselli, y volvió a mencionar la primicia del nuevo libro, y además leyó un fragmento. Y tiene muy buena pinta. 

En una de las preguntas, Valeria recuerda:

“¿Por qué viniste? Le pregunté a una niña
Porque quería llegar.
La misma escritora trata responder la pregunta."




Acá dejo mi reseña de otros libros de Valeria Luiselli:

Papeles Falsos (Valeria Luiselli)

La Historia de mis Dientes (Valeria Luiselli)





Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)


viernes, 21 de octubre de 2016

Fuocoammare (Fuego en el Mar) de Gianfranco Rosi

Gianfranco Rosi



El documentalista, director, guionista, productor y cinematógrafo italiano, Gianfranco Rosi, que ganó este año el Oso de Oro a Mejor Película, con este documental, luego de haber ganado en el 2013, el León de Oro con el documental "Sacro GRA". En esta oportunidad, Rosi se traslada a la isla de Lampedusa: 



Crítica del documental Fuocoammare (Fuego en el mar)


La isla de Lampedusa tiene un área de 20 Km², y está a 113 Km de África y 193 Km de Sicília. En los últimos 20 años, 400 mil inmigrantes desembarcaron en Lampedusa. En el intento de atravesar, el Estrecho de Sicília para llegar a Europa, se estima que 15 mil personas murieron. 



Crítica del documental Fuocoammare (Fuego en el mar)


Rosi contextualiza este drama aterrador, de los inmigrantes y sus peligrosos viajes, además de inéditas imágenes de los rescates por parte de la flota italiana, con estupendas y muy cercanas grabaciones, que permiten apreciar de cerca el drama y dolor de las personas que escapan de su país, la mayoría de África, por resultado de la violencia, según ellos mismos cuentan.



Crítica del documental Fuocoammare (Fuego en el mar)


Este drama, se contrasta con los otros protagonistas de Rosi: la isla de Lampedusa, sus pobladores y el pequeño Samuel, quien debe enfrentar la realidad de haber nacido en una tierra donde todos son marineros. Ambas realidades se desarrollan al tiempo, y poco a poco convergen desde los medios de comunicación, desde donde algunas de las matronas de la isla mandan sus oraciones. Y mientras en la radio del pueblo se escuchan las noticias y la programación de canciones clásicas (una de ellas: Fuego en el mar), en el lugar de los imigrantes uno de ellos canta con alegría y dolor al tiempo su largo recorrido hasta llegar a ese lugar. 



Crítica del documental Fuocoammare (Fuego en el mar)


El agua y el mar son grandes protagonistas, de dolor, tradición y sustento. Aunque se le critique la falta de compromiso a Rosi, por quizás no haber ahondado más en el drama, a mi me gustó su punto de vista y la perspectiva que utiliza para retratar este drama. Es más evocador e ilustrador. Y todo lo hace con excelente tomas, gran dirección y fotografía, y todo resultado de su mano. 

7.5/10


Trailer de Fuocoammare




lunes, 21 de abril de 2014

La Jaula de Oro (Diego Quemada-Díez)

Comentario sobre la película La Jaula de Oro



Ópera prima del joven director español Diego Quemada-Díez, luego de algunos cortometrajes. “La Jaula de Oro” filme mexicano, fue una de las películas lationamericanas que estuvieron en el FICCI en la sección de “Gemas”, y que llegó al festival siendo una de las producciones más premiadas y alabadas en el 2013, en su paso por distintos festivales alrededor del mundo, entre ellos Cannes, donde volvió con el premio a Mejor Reparto en la sección “Una Cierta Mirada”.

El filme tuve la oportunidad de verlo en presencia de su director Diego Quemadas-Díez, como proyección del programa “Cine bajo las estrellas”, en el Patio de Banderas del Centro de Convenciones. En donde a pesar de que cerca del centro amurallado había un sonido muy alto que en ocasiones interfería, el poder visual del filme se imponía con el pasar del metraje. Yo sentado en mi lugar en un buen puesto en la parte delantera, cerca del director, me disponía a ver este filme con expectativas medias. Pronto empezaron a aparecer las primeras imágenes y empecé a meterme en esa maravillosa historia de dolor, sobre un tema tan tratado como es el de la inmigración, pero que Quemada-Díez presenta de forma tan artística, original, retratando sin censura y contención la belleza y el dolor, en donde incluso tiene el humor cabida dentro de ese intenso drama.

“La Jaula de Oro”, dirigida por Diego Quemada-Díez y escrita por él mismo en compañía de Lucía Carreras y Gibrán Portela, nos relata la historia de dos adolescentes Guatemaltecos Juan y Sara (quien se ve obligada a vestirse de hombre), quienes pronto se cruzan en la travesía con un joven indígena, que emprenden un viaje con el objetivo de migrar a los Estados Unidos y cumplir el sueño americano, a través de una ruta donde les esperan muchas aventuras y experimentarán el terrible drama que muchas personas sufren en ese viaje de incertidumbre y peligros donde no vuelta atrás. Pero en todo ese trayecto, nuestros protagonistas un poco alejados del terror y miedo que los envuelve en cada paso que dan, pueden sortear la aventura fortaleciendo los lazos de amistad, comprensión, tolerancia, diversión y amor… aunque esto no sea garantía de la absoluta felicidad.

Todo este trabajo que realiza el director con su equipo, que además hay que mencionar el excelente trabajo de dirección y de fotografía, entre otros aspectos técnicos, y la dificultad que debió suponer filmar en esos escenarios reales, es totalmente solventado por un mangífico trabajo de los jóvenes actores, quienes actúan de forma muy natural, el mismo director mencionó que todo el reparto estaba conformado por novatos, pero aún así mantienen una buena química y trasmiten con veracidad todas las emociones por la que pasan en toda su travesía.

El director también mencionó antes de la proyección, que todas las escenas y las historias que se muestran en el filme son relatos reales de personas que lo han vivido, y esa veracidad la podemos experimentar en las misma locaciones, por lo que en muchas oportunidades podemos tener la sensación de estar viendo un documental. 

La película me gustó mucho, sus 110 minutos de metraje se pasan volando, y el ritmo que maneja el director es muy bien medido, creciente con buenos intervalos, muchas escenas me divirtieron, me pusieron nervioso al punto de entrecerrar los ojos, me conmovieron enormemente, me dejaron impresionado con los ojos abiertos de par en par y todo en todo ese drama cuasi documental, encontré planos y encuadres muy buen realizados, que sorprenden a todo cinéfilo que admire la belleza y la poesía en imágenes. Por todo esto, la primera reacción que tuve al ver el filme fue que estaba viendo sin dudas una Obra Maestra, pero mencioné que tenía que meditarlo un poco más. Ya lo he meditado lo suficiente y puedo afirmar con seguridad que “La Jaula de Oro” es una Obra Maestra. Una de las mejores películas proyectadas en el FICCI, y la mejor latinoaméricana que he visto en los últimos años.

 

9/10



 

Trailer de La Jaula de Oro





Karen Martínez



Brandon López



Bradon López



Brandon López



Rodolfo Domínguez



Brandon López