Sitio dedicado a información sobre Literatura y libros, Cine y Musica, Empresarial, Ciencia, Deportes y opinión general de otros temas de interés del creador (Alejandro Salgado B.) para compartir y socializar con otros interesados.
Finalmente he podido ver el esperado documental del gran Terrence Malick, que le ha llevado años de producción y realización, y que de hecho sirvió de insumo para su gran obra maestra “El Árbol de la Vida”. Y en efecto, este documental es una obra hermana de The Tree of Life, y que a la vez creo que cierra un ciclo exploratorio y experimental de Malick en las incursiones a los orígenes de la vida, del amor, y dentro de este gran ciclo, su trilogía sobre las relaciones amorosas, que también terminó hace poco.
El documental nos confirma y a la vez verifica muchas de las concepciones asertivas y equivocadas que se tenían con El Árbol de la Vida. Nunca fue una parábola religiosa como muchos afirmaban. Malick es un poeta y un filósofo, y sus fuentes de inspiración más fidedignas son Walt Whitman, Soren Kierkegaard, Arthur Schopenhauer, Friedrich Nietzsche, hasta el mismo Darwin, el panteísmo y el naturalismo.
El documental que también podría llamarse, “Mother” (Madre), porque es la palabra más repetida, ya que corresponde a los cuestionamientos que se hace en el metraje, con la voz de la gran Cate Blanchett. En esta oportunidad, no es Dios a quien están dirigidas las plegarias, las preguntas y los cuestionamientos. En el Árbol de la Vida, la gracia, que personificaba a la madre, Jessica Chastain, era quien cuestionaba a Dios, debido a sus propias creencias. Pero en esta ocasión, no hay una historia intermedia de una familia, no hay un filtro, sino que nos encontramos con el todo, por eso la Madre reemplaza a Dios, y asume su papel, la gracia, la naturaleza, la diosa, la dadora de vida.
Voyage of Time, en efecto, nos relata la historia de la vida, la parte general de ese Árbol de la Vida, de esa magistral secuencia de la obra maestra del 2011, amplificada y en su concepción general. Y claramente Malick se decanta por una teoría, y es realmente notable como configuró las teorías de la evolución para plasmarlas en imágenes cinematográficas. El espectador va mirando y descubriendo con curiosidad el desarrollo de los eventos, mientras que se deleita, se pregunta, se cuestiona y reflexiona sobre la veracidad de esa cronología, de ese relato, y trata por un momento de plantearse esa situación, y todo lo que implica su aceptación.
Además de un documental, o más que un documental, me parece un ensayo filosofófico y poético, que el texto no es sólo lo que esboza la voz de Cate Blanchett, sino toda la configuración de las imágenes, su secuencia y su revelación. Dentro de las secuencias, de vez en cuando se añaden escenas de gente común, de personas en distintas partes del mundo, de mujeres, de madres, de niños, de hombres, que representan parte de la finalidad de ese proceso. Mientras que comportamientos comunes son contrastados: la fricción, la reacción natural, de conflicto, de efecto, que va de una partícula, de la mezcla de los elementos de la naturaleza, de los animales, hasta la de los mismos humanos. Se presentan como procesos naturales, inherentes y necesarios para la vida.
Quizás en algunas escenas se nos saltan parte del proceso, como el mismo proceso que decanta en el ser humano, aunque se nos sugiere, supongo que incluso hay procesos muy misteriosos y complejos de copiar de la misma naturaleza, que sin dudas es la gran protagonista del documental, la que se desnuda al espectador, la que desde sus entrañas sirve de lienzo para contar la gran historia de la humanidad, y la que recibe todos los clamores de sus hijos. Y al llegar al punto crucial de nuestros ancestros más comunes, y como enfrentaban el mundo que existía, cómo aprendían, y como se desarrollaban junto a su madre, que proporcionaba todo a su alcance.
En general, las imágenes son bellísimas, en todas sus ópticas y perspectivas. No debemos confundirlo como un documental informativo de la naturaleza y el origen de las especies, porque quien quiera encontrar eso se va a decepcionar. Es un ensayo filosófico y poético, apoyando en imágenes poderosas, un poco más en la línea de esos grandes documentales ilustrativos, como Samsara o Baraka, pero en este Malick tiene un punto muy ambicioso y específico en desarrollar y plasmar. Y es más fascinante para los admiradores de The Tree of Life, porque tenemos un acercamiento directo con la fuente de inspiración, desarrollo y trabajo, que terminó en aquella, una de las mejores películas de la historia del cine.
Si bien, el documental no me parece una obra maestra, me parece un gran trabajo, lo he disfrutado mucho. Y lo veo más como una síntesis, una depuración, detrás del trabajo de un gran creador. Y me parece un dato curioso que el documental tenga un nombre similar a aquel documental del gran Andrei Tarkovsky, "Tempo di viaggio" (Voyage in Time), sobre el rodaje de su película "Nostalgia", y que representa también una reflexión sobre su cine. Tarkovsky es otro o el poeta original del cine, conocido por el uso de los símbolos y los elementos de la naturaleza en su cine, además de la filosofía. Y la poesía de Malick, tan bien llamado el gran poeta del cine, no es sólo en sus imágenes poéticas, sino en sus mismos textos, que como siempre he mencionado en las reseñas que hago de sus películas, hay una influencia del gran Walt Whitman, y sus Hojas de Hierba. Prueba de eso, estas frases finales del documental, que forman un bello poema:
Madre. ¿Qué amo, cuando te amo? Tú. La luz. La oscuridad. La polilla. La llama. El amigo... ...y el extraño. El vino... ...y el Policía. El amanecer. Nuestra luz. ¡Ay, madre! Las lágrimas que lloraste. Las escenas que has visto. El amor se derramó. Los esfuerzos. Esperanzas. Las sombras huyen. El espectáculo. El tiempo, se remonta a su fuente. Madre. Tomo tu mano. Ya no sueño. Me uno a ti. Hoja a una rama. Rama a un árbol. El amor nos vincula. Lo que vive en ti... ...no puede morir. ¡Ay, vida! ¡Ay, madre! 8/10 Trailer de Voyage of Time: Life’s Journey
Nota: No hay Spoilers, pero si en el escrito voy haciendo como una interpretación y análisis del argumento, la trama y los símbolos. Si quiere llegar sin saber nada o sin explicaciones, mejor no lo lea, y espere a ver la película. Si piensa hacerlo. No soy de los que dicen tan fácilmente que una película es una mierda, un bodrio o un desastre, pero eso era lo único que pensaba mientras finalizaba Mother, que es interminable, y se dilata hasta el cansancio. Por eso, a continuación sustento. Como la película ha venido tomando un aura de incomprendida, divisoria y visionaria obra maestra desde su estreno en Venecia, me apena disentir y seré un poco más duro de lo habitual, precisamente por los elogios exacerbados de cierto círculo postmoderno y vende humo. Inicialmente, una sinopsis sería confusa para el espectador, pero en términos generales muestra a una pareja que vive en una casa apartada (apología al Paraíso), y un día llegan dos visitantes que remueven su vida (apología a Adán y Eva), su hogar y su casa (génesis y bombardeo bíblico servido en bandeja). Al comentario de que es original e innovadora, no nada, me parece un refrito de refritos. Y con un regodeo interminable. Puede parecer interesante un momento, puedes percibir una idea de trasfondo interesante para abordar, pero después el director coge vuelo y no se detiene a la perdición. Mezcla todos sus obsesiones: Religión, misticismo, psicología, etc jeje y la verdad su argumento no es muy difícil y complejo, y le puse mucha atención a todos sus símbolos. Es críptico pero elemental por sus símbolos y figuras recurrentes, pero él lo envuelve y enreda todo para hacerse el moderno, el visionario y transgresor. Sólo con leer las referencias entre paréntesis ya se imaginarán lo que viene.
Al final cansa, y no perturba sino que mancilla violentamente la vista del espectador. Lo grotesco tiene poesía, pero Aronofsky queda lejos de Sade o Baudelaire, y queda más cerca a Michael Bay con pretensiones autorales. Jeje y saben que yo siempre trato de buscar algo salvable de las películas aunque no me gusten mucho. Acá no puedo rescatar mucho. Una idea recóndita quizás que nunca sale a flote y se ahoga en acciones y escenas sin sentido y orden, que reiteran y reiteran en una idea. Algunos la compararán con el eterno retorno de Nietzsche, al que quizás apelará el director. Pero su argumento es confuso, y apunta a todo y nada. Las referencias son reconocibles y puedes atisbar la desafortunada mezcla, El bebé de Rosemary, El ángel exterminador, su propia “La fuente de la vida”, la Biblia, y los libros de Stephen King: La ventana secreta y Misery, sobre escritores atormentados, y sus locos fans, etc.
Se explora la figura del creador, del proceso de creación universal, emparentado con Dios, el artista/creador (escritor), y la Madre, la depositora, la herramienta, el sufrimiento, la entrega, la inspiración, la naturaleza... ese intermedio entre el acto de creación y el creador. Y en otra línea aparecen los seguidores, los fans, el pueblo, que exige sin saciarse al creador. Y entre ellos aparecen los invitados, dos grandes actores Ed Harris y Michelle Pfeiffer, encarnaciones de Adán y Eva, que llegan a invadir, a expropiar, seguidos por la llegada de sus dos hijos que al final traen la tragedia y el caos, y los innumerables invitados y seguidores que siguen llegando. No tengo que mencionar la apología de los últimos personajes hacia el relato bíblico.
Sinceramente no sé cómo logró que Paramount patrocinara semejante producto, aunque hayan salido a defenderlo por su originalidad, y su visión; se nota que los productores no han visto películas que merezcan esos adjetivos y se dejaron llevar por el nombre del director, y el de su novia, Jennifer Lawrence. Porque esos adjetivos para mi no pertenecen a este engendro. Intenta ser mucho, y lo aparenta, pero viéndola bien no hay mucho fondo.
Creo que lo que más me molesta es la reacción de algunos críticos, y varios de ellos de medios importantes que caen en ese juego, de que lo raro, las imágenes chocantes, los simbolismos aparentemente indescifrables, representan inmediatamente algo audaz, atrevido, y le da un estatus autoral... con tanto que ya se ha hecho en el cine, y tanto que se ha escarbado en temas grotescos, con mucha maestría, poesía y por supuesto belleza, considerar a esto como algo semejante, es un agravio. Y lo pero es que el director se lo cree, y se los trasmite a todo a su alrededor. Hace unos días veía una entrevista donde él decía que lo que le importaba era generar reacciones, que no tenía que explicar, así fuesen malas o buenos. Típica respuesta de los artistas que crean obras de este tipo postmodernistas. Valoro que se le de rienda a la imaginación, pero es que esto no es audaz, es algo totalmente planificado, sólo le agrega unos elementos para generar cierto impacto. Y mira que vaya que lo logra. Y eso que algunas películas del director me gustan. Esta claramente no hace parte del grupo. Los actores cumplen y hacen su trabajo dentro de este caos, la dirección va en coherencia con el argumento, generando caos, exceso de primeros planos, y una total persecución a Jennifer Lawrence, para trasmitir su sufrimiento e incomodidad. Todos los demás elementos, la bso, la fotografía, el montaje, todo va acorde a la propuesta, se utilizan para exaltar emociones, para confundir, para sugerir y para maximizar el caos. 3/10 Trailer de mother! Frases y Diálogos de la película
Hace poco pude leer y disfrutar de esta bella edición ilustrado que puse en la imagen central del post. Sin dudas uno de los textos poéticos más bellos que he leído. Tiene de todo, clasicismo, modernismo, vanguardia, filosofía, existencialismo, panteísmo, antipoesía, creacionismo, neologismos, verso libre, metáforas curiosas, rebeldía contra la sintaxis y los signos de puntuación... y el cielo y el apocalipsis en un mismo lugar. Un poema extenso compuesto de un prefacio y siete cantos, en donde un hombre se entrega al vacío en un paracaídas con dirección al planeta Tierra. Durante ese trayecto compone bellas imágenes del universo, de la tierra, la existencia, el amor, el dolor, la naturaleza y la creación. Me recordó un poco al gran Walt Whitman. Leer Altazor, es sumergirse en una experiencia onírica y única. Un pequeño canto al universo, a la humanidad y a uno mismo. Solo algunos fragmentos y versos: "Mi paracaídas empezó a caer vertiginosamente. Tal es la fuerza de atracción de la muerte y del sepulcro abierto. Podéis creerlo, la tumba tiene más poder que los ojos de la amada. La tumba abierta con todos sus imanes. Y esto te lo digo a ti, a ti que cuando sonríes haces pensar en el comienzo del mundo". "Altazor morirás. Se secará tú voz y serás invisible La Tierra seguirá girando sobre su órbita precisa Temerosa de un traspié como el equilibrista sobre el alambre que ata las miradas del pavor. En vano buscas ojo enloquecido No hay puerta de salida y el viento desplaza los planetas Piensas que no importa caer eternamente si se logra escapar ¿No ves que vas cayendo ya? Limpia tu cabeza de prejuicio y moral Y si queriendo alzarte nada has alcanzado Déjate caer sin parar tu caída sin miedo al fondo de la sombra Sin miedo al enigma de ti mismo Acaso encuentres una luz sin noche Perdida en las grietas de los precipicios..." (Altazor, de Vicente Huidobro)
"It", el esperado estreno de la nueva adaptación al cine del libro de Stephen King, que creo que es uno de los mejores libros que ha escrito, llegó a carteleras de cine. Dirigida por el director argentino Andrés Muschietti (Mama). La película me ha agradado, y ha superado mis expectativas. De niño vi la primera adaptación pero honestamente no la recuerdo muy bien, sólo recuerdo al payaso. En esta oportunidad, creo que supera con creces a su antecesora en muchos aspecto. "It" es un ente, un payaso, que tiene la característica de asumir la forma de los mayores miedos de los niños, de lo que también se alimenta. Rescata y aprovecha las virtudes del libro, el miedo como el gran potenciador del mal, pero el mal también es mostrado en distintos aspectos, no solamente proveniente del #PayasoPennywise sino desde la misma familia, de los padres, como alimentan el miedo y la tristeza de sus hijos.
Así que es cierto, #It siempe ha sido una historia de superación, del mal, de los miedos, de madurez. Por eso me pareció importante ese necesario enfoque en la vida de los niños, un grupo de #losers que son más vulnerables precisamente por el constante acoso de compañeros y padres, y que poco a poco gracias a la amistad se van fortaleciendo y superando sus temores. Hay un bello retrato de la infancia/adolescencia, tratado con humor, fragilidad y belleza. Para luego contrastar a la amenaza de It. El casting de los pequeños es excelente, aunque hay actores de Strangers Things #strangersthings se nota su influencia en la película, el tono ochentero y diversos enfoques, detalles que también bebió la serie de Netflix del libro de King.
Técnicamente es muy buena, tiene una buena dirección, y un guión que se amolda a la propuesta, que es fiel y a la vez se da afortunadas licencias, adaptado por Chase Palmer y Gary Dauberman, quienes heredaron el trabajo que empezó haciendo el también director Cary Joji Fukunaga, pero al final no se tuvo en cuenta todo ese guión, porque Fukunga había incluido escenas muy fuertes del libro. Es curioso que la película haya pasado a categoría de mayores de 18 años, y no se hayan permitido explotar el material oscuro de la novela, aunque trate se sugerirlas muy pero muy sutilmente en esta versión. Aún así, Es cine de entretenimiento hecho con calidad y detalle, no un simple producto de comercio, se nota un trabajo cuidado detrás.
Y no se esperen el gran terror, porque aunque no son tan potentes y excesivas las escenas de sustos, juega con el elemento del miedo y del mal de forma que puede ser incluso más tenebrosa. Varias escenas me sorprendieron por lo bellas, sobre todo cuando se enfoca en la vida de los chicos, mucho más que la de los sustos y el terror del payaso... porque eso es It, un elemento, nada determinado, que adquiere poder y forma por los estímulos recibidos de forma externa... como todos los monstruos. Y la película nos deja abierta la puerta para el segundo capítulo, donde seguro incluirán la otra parte del libro, que es cuando los niños son adultos. Creo que aún así, ninguna de las dos películas alcanzan a ser tan tórridas, duras y sórdidas como el libro lo alcanza a ser… y donde el terror y la maldad humana es mucho más fuerte. Frases y Diálogos de la película Trailer de l It
He llegado a esta novela y a su autor André Aciman, por medio de la adaptación cinematográfica de la novela “Call me by your name”, dirigida por el director italiano Luca Guadagnino, y estrenada a inicios de este 2017, y que ha sorprendido y levantado las mejores críticas del año desde su estreno en el Festival de Sundance. Por cierto, aún no he visto la película, al parecer llegará a finales del año o a principios del 2018, por su fuerte promoción y posibilidad en la temporada de premios. Por lo tanto, decidí leerme primero la novela, para sortear un poco la espera de la película. Que sin dudas es la que más espero ver en todo el año. Y tras leer la novela, no sé si fue mejor, porque tengo muchas ganas más de ver la adaptación. André Aciman, es un escritor un poco multicultural, nacido en Egipto, que vivió su adolescencia en Italia, pero que desarrolló su carrera literaria en los Estados Unidos, con muchos estudios literarios en importantes universidades. Precisamente “Llámame por tu nombre” fue su primera novela, publicada en el año 2007, y en 2008 en español. Leyendo un poco su biografía, podemos atisbar que la novela tiene muchos tintes biográficos. “Llámame por tu nombre” es una bella, intensa, erótica, tierna y muy íntima novela sobre el amor, el romanticismo, el despertar y descubrimiento sexual, de la identidad; sobre la madurez, sobre los prejuicios, sobre el arte, sobre los paradigmas sociales, entre muchos otros temas… Pero esencialmente una bella oda al amor. Ambientada en los años 80, cuenta la historia de Elio, un joven de 17 años, quien se encuentra disfrutando de vacaciones de verano con sus padres en las costas de Italia, una familia acomodada de intelectuales y catedráticos, que tienen como tradición, invitar cada verano a un estudiante o académico, para que a cambio de estadía, ayude al padre de Elio en sus trabajos y proyectos. Es así, como llega Oliver, un joven profesor universitario de 24 años, quien inmediatamente se amolda a la rutina de la familia, y que poco a poco se va acercado emocionalmente al joven Elio. La novela se divide en cuatro partes: 1) Si no es luego, ¿cuándo?, 2) El muro de Monet, 3) El síndrome de San Clemente, 4) Lugares fantasmas. Y aunque es una novela romántica, con drama incluido, es una novela narrada totalmente de la perspectiva de Elio, quien asume un narrador en primera persona, hablando al lector desde un futuro, sobre sus recuerdos del pasado, especialmente sobre ese verano en que conoce a Oliver. La narración no es completamente lineal, ya que es a la vez es un análisis de cómo sucedieron los acontecimientos a los que se refiere en el relato, por lo que puede cortar de repente la narración lineal de un momento e interrumpirla de repente por lo que estaba pensando, por lo él piensa que estaba pensando Oliver o cualquiera de los otros personajes, y sacando conclusiones, uniendo cabos, o compartiendo fantasías y deseos que tuvo en ese entonces, etc. Tiene estructura, de una especie de larga misiva, de un diario, de una confesión. Elio es un chico muy precoz, y la influencia del entorno de su padre y su vida como catedrático, precisamente le ha hecho instruirse mucho más, por lo que le encanta leer libros, habla y traduce varios idiomas, toca instrumentos musicales, y como le dice en un momento Oliver, ¿cómo puedes saber tantas cosas?, a lo que Elio le responde (y conversan): -No sé nada, Oliver. Nada de nada. (...) Si supieses lo poco que sé sobre lo que en realidad importa. -¿Cuáles son las cosas que importan? -Ya sabes qué cosas. A estas al turas, tú, de entre todos, ya deberías saberlo. Por lo que es una novela confesional, con un agudo análisis psicológico y personal de un adolescente confundido, que está descubriendo el amor, el placer y el deseo. Es muy humana, muy íntima, auténtica, real y veraz. Elio introduce al lector en su juego mental, con el que sin duda muchos nos sentiremos identificados en la forma como nos relacionamos con las personas, y también trabajamos mentalmente distintos escenarios, y a veces nos adelantamos a los hechos, o simplemente hacemos un mal diagnóstico. Ya que la experiencia y la agudeza de Oliver también entra en juego, y Elio es lo bastante listo para seguirlo y descubrirlo tarde o temprano. Por lo tanto, además del romance tan bellamente narrado, con unas descripciones detallistas y precisas, sin edulcorantes, y sin censuras habituales, también está la parte erótica, muy bien narrada también, con escenas muy bien dibujadas. Sumado a esto, también hay momentos de muy fino humor, momentos ingeniosos, y por supuesto el drama interno y externo, es también muy dolorosa y triste por momentos, creo que será difícil que sin importar los prejuicios del lector, se sienta altamente conmovido ante esta bella historia. La lectura se va volando aunque tiene casi 300 páginas, pero su prosa es tan hipnótica y poética, que te hace fundirte fácilmente a la historia y acompañar a Elio a esta travesía interna y emocional. Yo la he disfrutado mucho, me ha conmovido y me ha fascinado su prosa, la construcción de sus personajes, y todo ese análisis que va haciendo Elio sobre ciertos acontecimientos. Porque aunque la historia transcurre varios años y décadas, teniendo mayor protagonismo el verano en que conoce a Oliver, Elio se detiene en lo que le interesa contar, no necesariamente ahonda en todos los momentos de su vida, y en los momentos que no considera importante. Es una construcción emocional de la memoria, las emociones y el sentimiento. Con agudeza, pero con el desentrañamiento de los más hondos sentimiento y emociones. Sin dudas, una de las historias de amor más bellas que he leído. Y no me gusta utilizar las etiquetas, al especificar que sea la historia de amor entre dos hombres, es simplemente para mí una historia de amor entre dos personas y seres. Pero si es interesante también leer dentro de todo ese análisis, el descubrimiento de Elio, en la construcción de su identidad, donde compara sus relaciones con mujeres y su posterior descubrimiento de su relación con Oliver, que le da muchas reflexiones interesantes y bellas. De hecho se explora el tema de la bisexualidad de forma muy sugerente y sutil. Así como Elio se siente confundido, hace que el lector sufra o se irrite en momentos con él. Por lo que, la novela también tiene para mí un valor sociológico y sociocultural. Una de las escenas, cuando el padre de Elio habla con él sobre lo que le está pasando, es una de las más bellas del libro. En fin, una novela que recomiendo que no dejen de leer. Y esperemos con ansías esa adaptación cinematográfica, que si recoge la virtudes de la novela, no tengo dudas de que será una excelente película (Abajo ya encontrarán un enlace para leer un post sobre la película). Psdta: Hay muchas frases que me gustaría compartir, y diálogos, muy bellos y agudos, pero no me pude decidir, ya que son muchos, y no podría transcribir la novela. 9/10
Una fragmento: "(...) En mi situación, la mayoría de los padres tendrían la esperanza de que todo se disipase o rezarían para que su hijo pusiese los pies en la tierra cuanto antes. Pero yo no soy uno de esos padres . En tu situación, si hay sufrimiento, domínalo, y si queda alguna llama, no la apagues, no seas cruel . La ausencia puede ser algo terrible si nos mantiene despiertos toda la noche y ver cómo alguien nos olvida antes de lo que hubiésemos deseado no ayuda. Nos desprendemos de tantas cosas propias para poder curarnos lo más rápido posible que a la edad de treinta ya estamos en bancarrota y cada vez tenemos menos que ofrecer cuando empezamos una nueva relación con alguien. Sin embargo, no sentir nada por miedo a sentir algo es un desperdicio" (...). (Llámame por tu nombre, de André Aciman) Frases y Diálogos de la película "Call Me By Your Name" (Luca Guadagnino)
