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lunes, 7 de marzo de 2022

Reseña del libro: El Quinto Hijo (Doris Lessing)

“Hicieron el amor, allí, en su cama. Harriet estuvo a punto de gritar: <¡No, para! ¿Qué estamos haciendo?>. ¿No habían decidido acaso esperar dos años para tener hijos? Pero se sintió abrumada por la resolución de él… sí, eso era, él le hacía el amor con una intensidad tan deliberada, concentrada, mirándola a los ojos, que la obligó a aceptarle, a aceptar que tomara en ella posesión del futuro. (…) Y lo hicieron con deliberación solemne. Una vez. Dos. Y luego, cuando la habitación ya estaba a oscuras, volvieron a hacerlo.

- Bien –dijo Harriet en voz baja, pues estaba asustada y decidida a no demostrarlo-, bien, ya está hecho, estoy segura.

Él se echó a reír. Una risa fuerte, desconsiderada, sin escrúpulos, totalmente impropia del modesto, alegre y sensato David.”

Este fragmento de las primeras páginas de la novela me impresionó mucho, porque además de ser el detonante de todo, nos deja al descubierto de una vez la posición y el foco que tendrá durante toda la novela la imagen de la mujer, y específicamente de esta madre, Harriet.

Harriet y David, una joven pareja de clase media-alta, se conocen en una fiesta y pronto inician una relación llena de sueños y objetivos. Entre ellos, tener una familia numerosa, de cuatro, cinco o seis hijos. Tendrían que trabajar duro para mantener esa familia, y se habían dado un plazo de dos años para empezar a acomodarse, pero todo se ve apresurado por un aparente descuido. Descuido del que Harriet es plenamente consciente, pero decide dejarlo pasar, al haberse sentido un poco intimidada y desconcertada por la resolución de su esposo.

Pero contrario a lo que uno pensaría, cuando empiezan a llegar el primer, el segundo y el tercer hijo, todo transcurre en completa paz y armonía. La rutina, las reuniones familiares, los juegos, desvelos y la felicidad. Pero todo cambia de forma abrupta cuando nace el quinto hijo, Ben, quien es distinto a los demás, de apariencia desfigurada y generador de conflictos en el núcleo familiar desde su nacimiento.

Me parece interesante el abordaje que hace la autora desde este planteamiento, y las dinámicas resultantes, especialmente en la madre, Harriet, quien inmediatamente es señalada como la culpable de todos los males de la familia Lovatt. Harriet es la primera en rechazar a su hijo cuando lo ve, la que lo desconoce y la que intenta por todos lados que las otras personas reconozcan lo que para ella es evidente. Pero a la vez, Harriet es la única persona que intenta entenderlo y que se preocupa por él. Un contraste de emociones que reflejan muy bien ese abismo de dudas y contradicciones que nublan el corazón de las madres, por encima de ese amor y sentido de protección inherente hacia el hijo.

Los amigos, la familia, los otros hijos, los médicos y su marido concentran toda la culpa y responsabilidad del hijo malo sobre la madre. El círculo más cercano le da opciones facilistas y trágicas para deshacerse de ese defecto de la naturaleza, mientras que el médico no ve el problema, y le dice que todo es culpa de ella, quien nunca ha llegado a aceptar a su hijo.

La novela está escrita con un lenguaje sencillo y fácil de leer, pero poco a poco te va envolviendo de manera hipnótica en una trama de terror e intriga. El uso del narrador en tercera persona ayuda en las primeras páginas a dibujar el entorno y las relaciones de la pareja con las otras personas, pero a medida que avanza la narración, el narrador va enfocando su lente en Harriet; observamos cómo escarba en sus cavilaciones acerca de su familia, su esposo, sus otros hijos, y su mirada siempre sobre Ben, intentando entenderlo, anticiparlo y ayudarlo.

Debo decir que aunque me agradó el libro y creo que plantea muchos temas interesantes acerca de la familia, la responsabilidad de las madres y el papel de la misma sociedad en el desequilibrio de estas cargas, me parece que la resolución es un poco floja, aunque un punto positivo es que evita el efectismo. Pero me sigue dejando un leve sinsabor, porque entre esta mezcla de realismo con fábula moral llena de intriga, creo que hay algo esencial y poderoso que se difumina. Y no sé exactamente qué es, o quizás no entiendo mucho de las relaciones expuestas, porque resultan difusas, y quizás es parte del objetivo de la autora. Pero me remito nuevamente al fragmento inicial, a esa escena donde la mujer se ve despojada de muchas cosas en un solo instante, en un segundo, en un orgasmo: de su voluntad, de su identidad y de su mismo futuro.

Nota adicional: Resulta interesante enterarse después que quizás la novela tenga tintes autobiográficos, porque la autora (ganadora del Premio Nobel de Literatura 2007), Doris Lessing, al parecer abandonó a su familia, dejó a algunos de sus hijos con su esposo y ella se llevó a uno que tenía necesidades especiales, al que cuidó de por vida y con quien pudo desarrollar su carrera.

Teniendo esta nota en cuenta, resulta interesante comparar las historias y plantearse la pregunta sobre quién o quienes eran los verdaderos limitantes de Harriet para desarrollarse plenamente con mujer y ser humano.

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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martes, 22 de febrero de 2022

Reseña de la película: Memoria (Apichatpong Weerasethakul) - 2021 / Colombia

“Memoria” es una película en la que se explayan las obsesiones del gran director tailandés, Apichatpong Weerasethakul, quien nos ha acostumbrado a películas en donde los sueños, el misticismo y el simbolismo se mezclan de gran forma con una atmósfera realista y naturalista. Quizás encontró en Colombia la natural esencia de su cine, lo que le permitió consolidar una excelente película, que para el público que no lo conoce seguirá siendo inusual, extraña y distante, pero que si se le da la oportunidad de sumergirse en la experiencia propuesta (que al final son también la esencia de sus obras), nos encontraremos a una de las películas más fieles, reflexivas y auténticas sobre el alma de nuestro país. Y no hablo de largos discursos, monólogos o voces en off que te dicen qué pensar, sino en un lienzo blanco que se va descubriendo a través de las imágenes, del detalle en algunos enfoques y sobre todo del sonido. Así que la invitación a realizar una inmersión a través de los sentidos, queda plasmada desde el mismo inicio.

Todo inicia con un sonido extraño y potente, seco y metálico, junto a más adjetivos que le van dando forma, y que la protagonista, Jessica (Tilda Swinton), va describiendo a un técnico de sonido (Hernán), quien a la vez le ayuda a encontrarlo. Jessica, una botánica británica establecida en Colombia, se encuentra dormida cuando escucha el sonido por primera vez, y que seguirá escuchando en distintas partes a partir de ese momento. Ese sonido inicia una búsqueda que le llevará desde la ciudad de Bogotá, en donde busca la ayuda de un joven técnico, quien trata de emular el sonido en un estudio de grabación, hasta la misma región del Amazonas, donde se encontrará nuevos personajes y el sonido de ampliará hacia otros sonidos, voces, testimonios, memorias.

Me gustó mucho que muy pocas veces se ha intentado narrarnos a través del sonido, porque aunque la película tiene un marco y una visión general, los detalles como ese mismo sonido inicial puede ser la representación de tantos sonidos que han ocupado nuestro imaginario nacional, como es uno de ellos las bombas (y en una escena donde Jessica escucha el sonido en plena calle, se siente como si hubiese sentido una explosión, aunque el sonido tienda más a representar una implosión, que también sería representativo de otros sonidos), y también el trabajo sonoro en ambientar la parte urbana en la primera parte, así como en la zona rural en la segunda, nos habla de una armonía, y a la vez una lucha constante entre ambos escenarios, que conviven en armonía en nuestra geografía, o con lo que convivimos en la armonía de la vida, que muchas veces está llena de caos, ruido y dolor. Y esa sugerencia hacia la armonía universal dentro del caos, muy metafísica y mística, también me gustó mucho y es muy fiel al cine del director. Y me pareció un acercamiento tan inusual pero a la vez tan apropiado hacia nuestra realidad, hacia nuestra esencia.

La película ganó el importante Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2021, donde Apichatpong Weerasethakul ganó la Palma de Oro hace varios años por esa otra inusual película, como fue: “Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas”, que como todo su cine también está muy relacionado con “Memoria”. Al fin y al cabo, su cine nos traslada a un espacio común, universal, y a la vez etéreo, onírico, en donde podemos reconocernos en nuestra humanidad, nuestro dolor, nuestros sueños y nuestros recuerdos (nuestra memoria), junto con la memoria cósmica, que nos lleva hacia nuestra misma esencia, en donde rondamos los misterios del génesis, de la vida y nuestra alma. Y es fascinante cómo uno de los directores que mejor ha plasmado la experiencia onírica a través de lo físico y lo naturalista, nos haya regalado esta obra, en donde podremos explorar miradas que quizás antes no hayamos hecho en relación a nuestra realidad, nuestra tierra, nuestra gente y a nosotros mismos.

Una película con mucha sustancia dentro su aparente sencillez, que requiere compromiso del espectador, pero que promete una experiencia única, poética, mágica, sonora y onírica, que te dejará pensando durante mucho tiempo y con muchas preguntas, que eventualmente se irán respondiendo, o quedarán flotando en ese limbo creativo de las cavilaciones. Sobre las actuaciones no comento, porque están bien, pero ésta es de esas películas y el director de aquellos en donde me parece que los actores son elementos en función de la obra, ánimas que se sincronizan en armonía al relato visual, y esto es algo que tienen algunos de los mejores directores. Todos los otros aspectos técnicos también son sobresalientes, especialmente el sonoro y la fotografía. Por todo esto, sin dudas, una de las mejores películas del 2021.

Trailer de Memoria

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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martes, 15 de febrero de 2022

Reseña del libro: Antes que anochezca (Reinaldo Arenas) y película de Julian Schnabel

Reseña del libro: Antes que anochezca y película

Hace unos días terminé de leer la autobiografía del escritor cubano Reinaldo Arenas, “Antes que anochezca”. Lo tenía pendiente desde hace ya varios años hasta que un día en el año 2021 decidí empezar a leerlo, y desde que leí las primeras páginas no pude volver a soltarlo. Tenía referencias del escritor y de la adaptación al cine de Julian Schnabel con Javier Bardem, pero hasta ahora habían sido ambas una asignatura pendiente. El impacto tras terminar de leerlo fue tal que quedé con mucho interés de leer las otras novelas del autor, pues su prosa tiene una sencillez y a la vez una fuerza y una autenticidad, propia de aquellos seres destinados a las letras.

Como tengo pensando ir haciendo paralelismos entre el libro y la película, cada vez que mencione algún detalle del libro, aprovecharé para mencionar alguna impresión de la película.

El libro inicia con una introducción desde los últimos días de Reinaldo Arenas, del que sabemos que se suicidó en la ciudad de Nueva York, en el año de 1990, estando en fase terminal del SIDA. En la película se hace un ligero cambio con respecto a ese suceso, del que no entiendo en realidad por qué se hizo de esa forma. Pero ya hablaré más delante de la parte final del libro y la película.

Inmediatamente nos sumergimos en una de las partes más bellas del libro (y de la película también), que corresponde a toda la parte de la infancia y la juventud. Esta parte está escrita magistralmente desde la inocencia y la nostalgia, en donde somos testigos de sus descubrimientos, sus dudas, sus temores y pasiones. Los capítulos iniciales tienen los títulos de nombres poéticos, de sustantivos y de elementos de la naturaleza, como en el anuncio de una especie de forjación de un génesis: El mar. La luna. La tierra. La noche. Así como también: La granja. La cosecha. Aguacero. El pozo. El río. La arboleda. Las piedras. En estos capítulos nos habla desde la más pura sensibilidad, desde la sorpresa y del imaginario creado a través del entorno rural donde creció, y desde donde afloró su mirada poética hacia las cosas más sencillas del mundo y elementales de la vida. La película también logra atrapar a través de las tomas y la música, diversos fragmentos de luz, que representan las bellas memorias de la infancia.

En estos capítulos iniciales, también encontramos títulos más específicos como: Abuelos o La familia, que se van mezclando con nuevos nombres que ya figuran dentro de otro capítulo, como son: los primos y los amigos, que van dando paso a la juventud, y con ello, la llegada de las contradicciones, la maldad y el descubrimiento de la falsedad de la sociedad. Y con esto también, la madurez del hombre y del escritor. Ya vemos al joven Reinaldo entrando en contacto con sus deseos, que preciso se mezclan con los deseos exaltados de una época de militancia y revolución. Y es fascinante, cómo el autor describe desde su interior e intimidad, pero de la mano de la descripción del exterior (la atmósfera de la época, las calles, el clima, etc.) la llegada a la vida del erotismo, la clandestinidad, de la violencia y de la eventual decepción. La película, aunque desde este momento empieza a avanzar de forma veloz, logra capturar algunos buenos momentos, aunque empezamos a desconectar un poco del personaje. Pues Bardem hace una excelente actuación, pero siguiendo la estructura de la película y los saltos que empieza a dar, se va perdiendo la íntima relación con el protagonista, que en la novela es una voz omnipresente y atrevida, que te contagia de su placer, y sobre todo de su dolor. Y también es aquí donde la película empieza a mostrar fracturas, y me parece que debió quizás dedicar más tiempo a unos momentos específicos y no tratar de embutir varios de ellos de forma pasajera. Pero sigamos…

Luego pasamos a los momentos en la playa, la introducción al mundo literario, a la vida profesional, al oficio de escribir, a los amigos, los amores y la fiel descripción del mundo homosexual en Cuba, en donde realiza una rigurosa y detallada exploración de la masculinidad tóxica en la cultura cubana y su desarrollo posteriormente bajo el régimen castrista. Con capítulos como: Las cuatro categorías de las locas, en donde actúa de cronista de su sociedad, de poeta etnográfico, y a la vez aporta hacia una memoria histórica-cultural, al también hacer referencia a las experiencias con importantes escritores cubanos, como Alejo Carpentier, José Lezama Lima, Nicolás Guillen, entre otros. En la película podemos ver bien retratadas varias partes de estos capítulos, aunque se quedan en episodios fugaces, pues la relación del escritor con sus amigos escritores queda un poco desdibujada en la película, acumulando todo lo que desencadenaría la eventual traición en un solo personaje que representa a todos los demás. Lo que hace que en esta parte también pierda un poco de fuerza, lo que en el libro se siente mucho más, al experimentar la intriga y la desconfianza de que cada amigo pueda ser un delator, un traidor, un enemigo.

Lo que inmediatamente nos lleva a la parte de la persecución, de las traiciones, en donde vemos una prosa llena de dolor pero también de poesía, de verdad, de visceralidad y de entrañas. Logra trasmitir al lector el dolor y el sufrimiento, con esa sencillez pero con esa sabiduría que da la vida, que a la vez te permite conjugar las más bellas metáforas y los lamentos más dolorosos. Sufrí, por ejemplo, todas las veces que tuvo que reescribir su obra de memoria porque perdía o le arrebataban sus borradores, lo que a la vez le permitía desarrollar y perfeccionar su oficio, a pesar de las condiciones de represión, incertidumbre y desconfianza, tanto de la familia como de los amigos y colegas.

Encontramos algunos fragmentos como:

1) "Allí comencé a escribir mis memorias, en las libretas que Juan me traía. Bajo el apropiado título de <Antes que anochezca>, escribía hasta que llegaba la noche, y en espera de la otra noche que me aguardaba cuando fuera encontrado por la policía. Tenía que apurarme en hacerlo antes de que oscureciera, definitivamente, para mí; antes de que fuera a parar a una celda"

(Antes que anochezca, de Reinaldo Arenas)

2) "Una de las cosas más lamentables de las tiranías es que todo lo toman en serio y hacen desaparecer el sentido del humor. Históricamente Cuba había escapado siempre de la realidad gracias a la sátira y la burla. Sin embargo, con Fidel Castro, el sentido del humor fue desapareciendo hasta quedar prohibido; con eso el pueblo cubano perdió una de sus pocas posibilidades de supervivencia; al quitarle la risa le quitaron al pueblo el más profundo sentido de las cosas. Sí, las dictaduras son púdicas, engoladas y, absolutamente, aburridas"

(Antes que anochezca, de Reinaldo Arenas)

3) “Uno de los casos de injusticia intelectual más conocidos de este siglo fue el de Jorge Luis Borges, a quien sistemáticamente se le negó el Premio Nobel, sencillamente, por su actitud política. Borges es uno de los escritores latinoamericanos más importantes del siglo; tal vez el más importante; sin embargo, el Premio Nobel se lo dieron a Gabriel García Márquez, pastiche de Faulkner, amigo personal de Castro y oportunista nato. Su obra, además de algunos méritos, está permeada por un populismo de baratija que no está a la altura de los grandes escritores que han muerto en el olvido o han sido postergados”

(Antes que anochezca, de Reinaldo Arenas)

Y tras el recorrido por los infiernos, la encarcelación, la tortura, las cartas y manuscritos publicados en el exterior y los intentos de fuga, llegamos al anhelado exilio, que trae sus propios desafíos y decepciones, pero que tiene muchos nuevos momentos de luz. En esta parte vemos al escritor finalmente experimentando parte de su reconocimiento, pero a la vez con el estigma de ser un expatriado, con ser él mismo una moda pasajera, y lo peor para él, encontrarse con gente que le dice que admira al dictador cubano en las grandes universidades del país anglosajón. Entonces Reinaldo experimenta en Miami, la nueva fauna de escritores auto-proclamados, superficiales de sociedad, de auto-elogio y auto-publicación. Un ambiente que no le agrada pero al que debe pertenecer para poder sobrevivir. Y llegado el exilio, también se llenan sus pensamientos del paisaje y el retrato de la Habana, lleno de luz y nostalgia, a pesar de todo lo malo experimentado. Y es ese sentimiento que han descrito escritores como Leonardo Padura, de los que se van y siempre anhelan en regresar a su isla. No sólo por sentirse excluidos y extranjeros a donde vayan, sino por el amor a su hogar, al paisaje en que nacieron, a sus amigos, sus amores, sus primeras veces, sus recuerdos, sus memorias y la esencia de sus vidas.

En esta parte, la película creo que termina de decaer, pues sigue presentando momentos fugaces, que siguieron desde su salida de la prisión, y el paso por Miami también llega y pasa sin alma, aunque tenga algunas escenas afortunadas. Y lo peor, ya se siente el peso de la película, no sólo por su duración, sino porque la falta de conexión con la trama y los personajes llevan al espectador a percatarse del tiempo.

Al contrario, en la biografía, el tramo final está muy bien escrito, y el sentimiento es más de nostalgia, por lo que añora el autor, y posteriormente con la presencia de los primeros síntomas del SIDA, además del sentimiento de persecución y su misma condición de ser un ciudadano sin identidad dentro del país de los sueños. Y preciso, los sueños o pesadillas empiezan a nublar la mente de Reinaldo, con fragmentos de memoria de sus días de infancia, de la tierra, el río, el mar, su madre y de toda esa vida que se quedó en la isla.

En general, el libro me gustó mucho, no sólo por la historia en sí que contiene una gran fuerza propia, sino por la forma en que está escrita, llena de alma y entrañas, que de verdad me llevaron a interesarme mucho en la obra del autor. Podría decirse que es un excelente libro de crítica al régimen de Castro, pero también un retrato de la homosexualidad en Cuba, del exilio, y sobre todo, un recuerdo de los muchos escritores que se perdieron y jamás pudieron expresar o dar a conocer sus respectivas obras. Reinaldo mismo lo menciona cuando llega a Miami, donde encuentra a 3.000 poetas cubanos pero ninguno conoce a los y las grandes poetas que no pudieron abandonar la isla, y de calidad muy superior. Así que además de una autobiografía, también es un homenaje a los fantasmas sin nombre, a los soñadores y las almas apasionadas de muchos artistas que no llegaron a ser.

La película, al final me resulta interesante por los muchos momentos y escenas de luz que contiene, por su producción y las actuaciones del reparto, pero se queda muy corta con respecto al trabajo literario, y en capturar el alma del autor. Bardem se acerca al personaje, pero la película no tanto a su universo.

Y finalizo con otros fragmentos:

4) “¡Oh Luna! Siempre estuviste a mi lado, alumbrándome en los momentos más terribles; desde mi infancia fuiste el misterio y velaste por mi terror, fuiste el consuelo en las noches más desesperadas, fuiste mi propia madre, bañándome en un calor que ella tal vez nunca supo brindarme; en medio del bosque, en los lugares más tenobrosos, en el mar; allí estabas tú acompañándome; eras mi consuelo; siempre fuiste la que me orientaste en los momentos más difíciles. Mi gran diosa, mi verdadera diosa, que me has protegido de tantas calamidades; hacia ti en medio del mar; hacia ti junto a la costa; hacia ti entre las rocas de mi isla desolada, elevaba la mirada y te miraba; siempre la misma; en tu rostro veía una expresión de dolor, de amargura, de compasión hacia mí; tu hijo. Y ahora, súbitamente, Luna, estallas en pedazos delante de mi cama. Ya estoy solo. Es de noche.”

(Antes que anochezca, de Reinaldo Arenas)

5) “Nueva York no tiene una tradición, no tiene una historia; no puede haber historia donde no existen recuerdos a los cuales aferrarse, porque la misma ciudad está en constante cambio, en constante construcción y derrumbe, para levantar nuevos edificios; donde ayer había un supermercado, hoy hay una tienda de verduras y mañana habrá un cine; luego se convierte en un banco. La ciudad es una enorme fábrica desalmada, sin lugar para acoger al transeúnte que quiera descansar; sin sitios donde uno pueda, simplemente, estar sin pagar a parecio de dólar la bocanada de aire que se respira o la silla en que nos sentamos a tomar un descanso.”

(Antes que anochezca, de Reinaldo Arenas)

6) “Hay como una especie de sentido de destrucción y de envidia en el cubano; en general, la inmensa mayoría no tolera la grandeza, no soporta que alguien destaque y quiere llevar a todos a la misma tabla rasa de la mediocridad general; eso es imperdonable. Lo más lamentable de Miami es que allí prácticamente todo el mundo quiere ser poeta o escritor, pero sobre todo poeta; yo quedé sorprendido cuando vi una bibliografía de los peotas de Miami, escrita por otra poeta miamense que, desde luego, no se hacía llamar poeta, sino poetisa; había más de tres mil poetas en aquella bibliografía. Ellos mismos se publicaban sus libros y se autonombraban poetas y daban enormes tertulias a las que uno tenía que acudir porque si no quedaba como un apestado”

(Antes que anochezca, de Reinaldo Arenas)

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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Trailer de The Tragedy of Macbeth

miércoles, 9 de febrero de 2022

Especial: 3 películas Teatrales: Cyrano, The Tragedy Of Macbeth y Mass

Cyrano (Joe Wright) - 2021 / U.K.

Bello musical, basado en la obra de teatro que cuenta la historia del novelista y y dramaturgo francés del siglo XVII: Cyrano de Bergerac. La obra ha tenido diversas adaptaciones a través de los años, pero me ha gustado esta versión de Wright, quien como siempre es impecable en el retrato de la época. No recuerdo si ya había dirigido algún musical, pero este es muy sutil, no se canta todo el tiempo, y aunque hay muchos momentos teatrales, todo fluye de forma diáfana, encontrándose con la poesía en el camino, y componiendo una bella y sencilla obra. Cyrano es un personaje con una enorme nariz, y acá el protagonista es Peter Dinklage, por lo que el “defecto” físico es distinto, pero encaja muy bien, y él hace un excelente trabajo, así como el de su coprotagonista, Haley Bennett. Disfruté mucho viéndola.

Trailer de Cyrano

The Tragedy Of Macbeth (Joel Coen) – 2021 / U.S.A. / Apple TV

Con esta película me pasó algo curioso, pues la primera vez que la vi fue un día en la semana tarde en la noche, tratando que fuera la película para antes de dormir. Pero dije en su momento que ver una película en la última jornada del día siempre es riesgoso e injusto. El cansancio a veces puede más pero también he comprobado que es buen medidor de películas. Me ha pasado con algunas muy buenas, que se me quita el sueño. Lamentablemente con #TheTragedyOfMacbeth no pude aguantar esa noche pero muy consciente le di una segunda oportunidad.

Otro día la seguí ya más despierto y me pareció un prodigio visual, y gracias a esa estética, junto al buen uso de los recursos cinematográficos y teatrales, Joel Coen logra darle un plus diferenciador a esta adaptación. Con visibles y notables influencias de clásicos del cine europeo, como Bergman o Dreyer, la película tiene una fuerza visual, artística y simbólica que acoge un aura onírica, que eleva la tragedia hasta los recovecos de las pesadillas y de las mentes atormentadas por el miedo, la culpa, el ansia de poder y las distintas emociones que se contrastan y luchan entre sí en nuestro interior.

Mass (Fran Kranz) - 2021 / U.S.A.

Aunque las dos películas anteriores tienen una referencia directa al aspecto teatral por su origen y esencia, me atreví a incluir a esta película también acá porque me parece que posee algunos de los elementos de películas que beben mucho del teatro y de las tragedias. Y vaya si encontramos una enorme tragedia en este filme.

Roman Polanski es uno de los grandes directores que mejor ha hecho películas teatrales y adaptaciones al cine de obras de teatro, porque no todos son ingleses. Y el director de esta película, Fran Kranz, joven cineasta y actor estadounidense, extrae su experiencia en el teatro como actor para hacer una de esas películas que transcurren en un solo escenario y con cuatro actores enfrentándose en un duelo interpretativo entre la culpa y el perdón.

Cuenta la historia de dos familias que se reúnen por primera vez, tras los eventos trágicos y mortales que generó uno de los hijos de éstos. Pero en realidad desde el principio no tenemos claro qué es lo que ocurrió, y es mejor no saberlo, porque poco a poco vamos descubriendo a través de los personajes y sus quiebres emocionales los sucesos que los marcaron de por vida.

La película, como buena obra con esencia teatral, tiene unas excelentes cuatro interpretaciones por parte de sus actores: Jason Isaacs, Martha Plimpton, Ann Dowd, Reed Birney, quienes nos llevan a todo una travesía emocional, llena de recuerdos, nostalgia, ternura, dolor y miedo. Pues también se nos abre un orificio al corazón de las familias, sus secretos, sus luchas internas y sus dramas. No me parece totalmente redonda pero sí es muy intensa y emotiva.

Trailer de Mass

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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viernes, 4 de febrero de 2022

Especial: 2 Películas de Animación de Netflix + 1 en Cines: The House, La cumbre de los dioses y Sing 2

The House (La casa) - 2022 / UK / Netflix / 3 Mediometrajes Animados

“La casa” es una película animada de episodios a través de la técnica de stop motion. Episodios que atraviesan géneros como el terror, el humor negro, el drama psicológico, la sátira y lo sobrenatural. Son tres episodios y tres mediometrajes dirigidos por distintas personas, que se encuentran conectados por una misma casa donde transcurre la acción de cada episodio. Para cada personaje la misteriosa casa representa algo distinto a través de distintas épocas y entornos.

Las repasaré a continuación una por una:

1. The House I: And Heard Within, A Lie Is Spun (La casa: Y se teje una mentira que se oye internamente) de Emma De Swaef, Marc James Roels

Esta primera historia está ambientada en la década de 1800, y nos muestra a una familia empobrecida con muchos problemas, que un día es visitada por un misterioso benefactor que les ofrece una nueva casa totalmente gratis. En la nueva casa descubrirán muchos elementos y entes que le harán arrepentirse de su decisión. Esta primera historia es la que se encuentra más ambientada en el género de terror, con el uso de temas sobrenaturales y de terror muy clásicos en su estilo, y resulta un prometedor inicio a la serie.

2. The House II: Then Lost Is Truth That Can't Be Won (La casa: Entonces se pierde la verdad que no puede ganarse) de Niki Lindroth von Bahr

El segundo episodio, y debo decir que es mi favorito, pero que a la vez me aterró incluso más que el primero, a pesar que se mueve más en el terreno de la comedia negra, se encuentra ambientada en la actualidad, y nos muestra a un promotor inmobiliario, quien tras hacerle mejoras a su gran casa (la misma del episodio anterior), decide venderla lo más pronto posible. Pronto le llega una pareja interesada, quienes se transformarán en una autentica pesadilla, pues se instalan inmediatamente y no dan muestras de abandonar la casa. Y a la vez, somos testigos o vamos descubriendo la inestabilidad mental del protagonista. Me pareció asfixiante, porque además los personajes son ratas, y acogen características de los roedores, y representa de gran forma lo absurdo, a la vez que se nos sugieren detalles complejos de la salud mental del vendedor. Excelente pero inquietante.

3. The House III: Listen Again and Seek the Sun (La casa: Vuelve a escuchar y busca el sol) de Paloma Baeza

La tercera, y debo decir que la más floja de las tres, se encuentra ambientada en el futuro, y nos muestra a Rosa, la dueña de la enorme casa (sigue siendo la misma), que se encuentra en ruinas tras una aparente inundación que ha hecho que todas las personas a su alrededor se marchen del sitio, pero ella persiste en quedarse y restaurar la casa para restablecerla a sus mejores tiempos y arrendar las habitaciones. Sólo convive con dos inquilinos, quienes nunca pagan la renta. Me parece la más floja, porque no tiene la fuerza de las anteriores, pero tiene un mensaje sobre el desapego a lo material (o en general), sobreponerse a los problemas y salir adelante.

En general conforman un tríptico muy interesante y estimulante. La animación en stop motion es muy buena, además de una buena dirección y fotografía, y una buena música compuesta por Gustavo Santaolalla. Vale la pena perderse en la extrañeza de estos tres episodios de 30 minutos cada uno.

Trailer de The House

La cumbre de los dioses (Le Sommet des Dieux) de Patrick Imbert - 2021 / Francia / Netflix

Especial: 2 Películas de Animación de Netflix + 1 en Cines: La cumbre de los dioses

Excelente película de animación, adaptación del manga de Jiro Taniguchi, que cuenta la historia de Fukamachi, un fotógrafo que anda tras la pista de una cámara que posiblemente perteneció a George Mallory, un escalador que se perdió en su subida a la cima del monte Everest, y quien podría haber sido el primero en escalar hasta su cima. Fukamachi viaja a Katmandú, Nepal, en donde se encuentra con Habu Joji, otro reconocido escalador, quien al parecer tiene información sobre Mallory y la cámara, pero también intenta la hazaña de llegar a la cima del Everest.

En la película se nos presenta la historia principal antes descrita, pero también nos sumergimos en las vidas de cada uno a través del flashbacks. Y la historia del escalador Habu Joji es simplemente fascinante, porque nos sumerge en la mentalidad de un escalador puro, quien encuentra pasión en el peligro, la adrenalina y la muerte. Las escenas donde muestran las escaladas son tremendamente buenas y se vuelven muy físicas, haciendo que el espectador experimente el dolor y el peligro, lo que me hizo recordar a lo que sentí en la película “127 horas” de Danny Boyle, o el impresionante documental ganador del Oscar, “Free Solo”. Esta película no se queda atrás en trasmitir las terribles sensaciones que se trasmitieron en esa película y ese documental. Con una animación clásica, acorde al manga original, la película tiene un excelente manejo del tiempo y la tensión para generar suspense, así como un magistral uso del sonido y secuencia de planos que llevan al espectador a emocionarse hasta cerrar los ojos o desviar la vista.

Pero además de esa experiencia en la escalada, también se ahonda en la mentalidad de los escaladores, en lo que les motiva a dedicarse y perseguir estos objetivos. Una maravilla. Muy recomendada.

Trailer de La cumbre de los dioses

Sing 2 (Garth Jennings) - 2021 / U.S.A.

Especial: 2 Películas de Animación de Netflix + 1 en Cines: Sing 2

La primera parte me había gustado mucho, todo ese planteamiento coral de todos los personajes y sus dificultades para perseguir su sueño dentro del mundo de la música, y cómo logran juntos brillar. Ya en esta segunda parte siguen juntos y son contratado para montar un espectáculo, al que se comprometen en invitar a una estrella de rock que se encuentra retirado de los escenarios: Clay Calloway, a quien Bono (U2) le da la voz y canta varias de sus canciones. Es entretenida y aunque escuchamos en el desarrollo muchos éxitos musicales de los últimos años, todos están muy bien interpretados y acoplados al espectáculo visual. Y bueno las voces de los personajes, también todos conforman un reparto de lujo.

Trailer de Sing 2

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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