The Crown (Peter Morgan) / Netflix – (Season 4)
Se estrenó la cuarta temporada, que a la vez será la última con estos actores, ya que las próximas dos serán con un nuevo elenco. El primer día vi los dos primeros capítulos y comenté esto:
Empecé #TheCrownSeason4 y tras un buen primer episodio, me he rendido ante el segundo "El Balmoral". Porque es lo que esperaba de la serie y lo que espero ver en ella: lleno de maestría, matices y calidad por todos lados. Es una mezcla curiosa de morbo y rendición ante lo evidente. Pero sorprende la atención a cada personaje, entre tantos por elegir...
Luego de terminar toda la temporada, creo que siguió siendo mi episodio favorito, porque de verdad es impecable. Pero seguiré ahondando un poco (“brevemente”). La serie en general mantuvo su calidad técnica, que ya a estas alturas es un elemento seguro dentro de la producción. Así que algo especial que me gustó fue la distribución de tiempo y atención en las historias y personajes. Porque en esta temporada, además del elenco tradicional, hay dos nuevos focos centrales y femeninos: Diana Spencer y Margaret Thatcher, quienes preciso representan en cierta forma la cara humana o la irrupción del pueblo dentro del círculo de la realeza. Y a la vez un contrapeso: de poder, carisma, humanidad y encanto, todos los elementos del que adolecían los miembros de la familia real en esta ficción con muchas fuentes documentales.
Pero a pesar de estas dos nuevas presencias, la reina sigue siendo el núcleo central que mantiene todo vivo y andante. El fuego silencioso que tiene incidencia en todo, incluso cuando la historia no se centra en ella. Y Olivia Colman sigue interpretando con maestría esa contención y esa mirada que muchas veces expresa todo lo que no se dice o se hace. Y en los nuevos papeles, con dos actrices estupendas: Emma Corrin como Diana, quien trasmite el encanto, la inocencia, pero también la ambición y la ilusión de pertenecer a un cuento de hadas. Mientras que Gillian Anderson se apropia del personaje que era la misma Thatcher, con sus gestos y su voz, además del temple, el conservadurismo, el prejuicio y la fortaleza para mantenerse en una posición rodeada de hombres. Me gustó de hecho un poco más que la personificación que hizo que Meryl Streep ganara su tercer Oscar como la Dama de Hierro. Y la forma en que la vida de estas dos mujeres transcurre en paralelo al de la reina: con recuerdos de su juventud, con el poder que ostenta, sus privaciones y la admiración o devoción que despierta en sus súbditos.
Aunque hay muchos momentos por escoger entre cada uno de los personajes, la serie escoge de forma meticulosa los momentos de cada uno y la forma de hilarlos, sin que los cambios o transiciones se perciban de forma burda o superficial. Sino que al contrario, sintamos que hemos recorrido un fragmento de la historia, que una gran parte recordará por publicaciones de la época o sean llevados a googlear para tener más detalles y contrastar la realidad.
Y aunque el trío femenino se impone en la narración y es el vital hilo conductor de toda la temporada, los otros personajes tienen su espacio especial en algún episodio. La princesa Margarita que brilla en dos capítulos, y muestra un lado oscuro de la realeza, en cuanto a la pureza de la descendencia y de la familia. El amor del príncipe Carlos y Camila. Los otros hijos de la reina y los de la primera ministra, la descendencia y la maternidad de mujeres con poder. Los hijos favoritos. Y siempre teniendo un capítulo que se centra en una figura externa del elenco principal, como es el caso de “Michael Fagan”, quien a la vez sirve de enlace en lo que ocurre en el país (el desempleo), la apatía ante el ya extendido y frío gobierno de Thatcher, y el orgullo de la reina. También otro episodio como “48:1”, que enfrenta nuevamente a la primera ministra y a la monarca en cuanto a la posición sobre el apartheid en Sudáfrica. Mientras que a medida que pasan los años, además de en África, las otras colonia o ex colonias presentan sus acciones contra el imperio, como en los casos de Australia, India, Irlanda y hasta el mismo caso de las Malvinas, que históricamente quedó como la excusa para mantener el buen nombre de Thatcher ante la opinión pública.
En general, seguimos teniendo una serie de gran calidad y con un buen repaso histórico de varios acontecimientos importantes en el siglo XX. Y sin descuidar el desarrollo de sus personajes, quienes son fiel retrato de los cambios que se van generando en la misma sociedad, sus choques, sus conflictos y sus puntos de encuentro.
The Queen's Gambit (Scott Frank, Allan Scott) / Netflix
“Gambito de Dama” es una serie que no vi apenas salió, aunque tenía un gancho muy llamativo: su actriz Anya Taylor-Joy, quien me encanta desde que la vi en “The Witch” (La Bruja). Pero finalmente la vi y me pareció una miniserie muy entretenida, una ficción que se inspira en la vida del joven y precoz ajedrecista norteamericano, Bobby Fischer.
Aunque no te guste ni entiendas el ajedrez, la disfrutarás. Porque es una historia muy humana, que te habla de la superación de las dificultades de la vida, pero con un cuidado en su personaje principal, que además de la historia de superación de trasfondo, explora muchos detalles y temas, desde su condición de mujer, además de otros que van desde las victorias, las soledades, los traumas y la amistad, que al final y de forma inesperada termina siendo uno de los más bellos valores.
La perspectiva de la historia es completamente desde la visión de Beth Harmon, por lo tanto el involucramiento personal con ella es alto, y Y Anya Taylor-Joy facilita el proceso, por su fragilidad, pero a la vez con su frialdad y determinación. El espectador conecta con ella, con sus traumas, adicciones y sus ausencias. Y la acompañamos en sus vivencias en el orfanato, en donde encuentra el afecto y el apoyo en los personajes más inesperados. Además de la búsquedas de las referencias maternas y paternas, sus relaciones afectivas, la ambición y la necesidad de reconocimiento.
También se trata el tema político, cuando ya es una ajedrecista famosa, porque la trama transcurre en medio de la Guerra Fría, y viaja a Rusia representado a U.S.A, que la tiñe de un aire medio patriótico, pero no le resta a su historia, porque el centro sigue siendo humano. Y de hecho, es en ese viaje cuando encuentra el verdadero valor de algunas cosas en su vida, lejos de los triunfos o las banderas, pero que no dejan de ser importantes. Al final es una visión femenina y una re-imaginación muy bella de parte de la historia, con mucho cuidado y detalles sutiles en el desarrollo de su personaje principal.
How to Get Away With Murder (Peter Nowalk) / Netflix – (Season 1-6)
El primer capítulo de la serie me pareció confuso por su estructura narrativa con recurrentes flashbacks. De hecho, no vi el segundo hasta varias semanas después. Poco a poco el espectador se adapta al juego narrativo, y va conociendo los principales elementos de la serie, como son sus personajes. Nos cuenta la historia de un grupo de estudiantes de derecho que ven una materia de derecho penal con una reconocida abogada defensora, quien selecciona a un grupo de cinco estudiantes para trabajar en su bufete. Desde la primera temporada y en las siguientes cinco hay crímenes que los involucran, mientras resuelven casos para defender a otras personas de la mano de su brillante maestra.
Esa es más o menos la sinopsis, la serie poco a poco me fue enganchando porque fuera de la rigurosidad jurídica de la serie están los personajes. Y el personaje principal de Annalise Keating, protagonizado por una brillante Viola Davis, te atrapa y sientes curiosidad de saber más de esa mujer, de su personalidad, sus motivaciones y su pasado. Viola es la protagonista de un drama teatral, de una tragedia griega o un drama de Shakespeare extendido, y creo que por eso la serie se diferencia de otras series judiciales, porque no teme ni oculta sus motivaciones histriónicas, y estamos en un constante “tour de forcé”, liderado por Viola, y muchas veces mantenido con firmeza sobre sus hombros. Además de que es un deleite ver a una actriz como ella en varios capítulos seguidos.
De hecho, en uno de los primeros capítulos de la primera temporada, tiene como título “Hello Raskolnikov”, en referencia claramente a la obra maestra de Dostoievski, y se refuerza la idea de ese entramado en busca siempre de la épica.
La serie tiene en todos sus episodios y temporadas tienen un crimen central, que será el hilo conductor, entre todas las temporadas, como un misterio que se va develando poco a poco, mientras también se revelan detalles que se ocultaron, y aspectos en la vida de los personajes. Pero también cada episodio cuenta con casos aparte de ese crimen central, muchos de ellos casos en el bufete, que ayudan a distribuir las emociones de la historia central y explorar otros aspectos en los personajes. Creo que es una dinámica que le funciona muy bien. Efectiva. Sin embargo, no pueden evitar que haya algunas partes que se puedan hacer pesadas, personajes que en algún momento están metidos en un lío que aburre, pero creo que valió la pena seguirla y pasar por alto esos momentos. El final es hermoso y Viola eleva cada escena, aunque vaya cayendo, ella siempre aparecerá para salvarla.
Y como dato final algo sobre Viola y su personaje. Inicialmente el personaje de la abogada implacable Annalise Keating no estaba pensando para que fuese una mujer afroamericana. Pero Viola hizo las pruebas, quedó elegida y ayudó ella misma a construir el personaje a partir de esta nueva óptica, que me pareció muy acertada. Los problemas de racismo, el tema de su cabello, la imagen y su actitud de mujer dura. Además de otro tema, y es el aspecto poco usual de una protagonista principal de una serie con el aspecto de Viola, que digamos que no es la mujer afroamericana habitual que lidera estas series, el estereotipo de belleza, como por ejemplo los casos de Kerry Washington o Halle Berry. Entonces ella aprovecha esas características de su aspecto físico, que igual me parece que ella es hermosa, pero ella utiliza todos esos temas para construir a su personaje, que a la vez oculta muchos otros personajes y máscaras. En fin, fue una serie que disfruté mucho y me mantuvo en muchos episodios expectante.
Bonus track: Viola Davis se convirtió en la primera afroamericana en ganar el Emmy a Mejor actriz principalde tv en drama con este papel.
Euphoria (Sam Levinson) / HBO
“Euphoria” es una serie juvenil muy interesante, que me recuerda quizás un poco al impacto que tuvo esa otra excelente serie juvenil “Skins”, al retratar la juventud con cierto realismo, sin mucha censura y exponiendo la energía, la confusión, el sufrimiento y la oscuridad en esa etapa de la vida.
Los personajes acá también son otro valor agregado y motor central, pues en su diversidad representan muchos aspectos, como la transicisión de una persona transexual, las drogas, el sobrepeso, los abusos, la violencia, la homofobia, entre muchos otros. Pero tras de esas particularidades se encuentra el mismo universo que comparten.
Cada personaje es tratado con cuidado, a cada una de estas almas pérdidas en búsqueda de la redención, la supervivencia, y su lugar en el mundo. La ambientación es muy acorde a las emociones de los personajes, y la música, por lo que al ver la serie te sientes a la vez en otro estado mental, y quizás alguno recordará algo con lo que se identifique.
Y en este mundo de jóvenes también tienen su presencia los padres, quienes no son solo entes inanimados, sino que muchas veces son la replica de sus hijos, los causantes de las desgracias, los confundidos, y los que trasladan el peso de la vida a los más jóvenes.
Zendaya es la protagonista, quien preciso es el personaje con problemas de adicción a las drogas, en búsqueda de su identidad sexual y con la esperanza de mejorar. Realiza un excelente trabajo, que le valió el Emmy a mejor actriz en drama este año. Quedé muy pendiente de la próxima temporada y el especial decembrino que se estrenó hace pocos días. Y no puedo terminar sin mencionar esa excelente escena del final de la temporada que se transforma en un trágico musical, donde la actriz canta y realiza una coreografía del dolor. Muy recomendada.
Cobra Kai (Josh Heald, Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg) / Netflix (Season 1,2)
Vi el primer capítulo de #CobraKai en #Netflix y ¡vaya recuerdos de #KarateKid! , de los 80, la música, y los personajes tras varias décadas después. En general me pareció divertida y especialmente evocadora.
Me gusta que el centro de la serie sea el actor que fue secundario y villano en la película original, William Zabka, presentado ahora como un hombre atropellado por la vida, con problemas con el alcohol y con su familia. Porque gracias a él la serie toma su carácter reivindicativo, al querer ser él una mejor persona, que en gran parte es motivado gracias a un joven de familia inmigrante, quien logra sensibilizarlo, inspirarlo y darle un poco de esperanza para él mismo.
Pronto revive su proyecto de abrir el dojo “Cobra Kai”, mientras también se encuentra a su viejo rival, Ralph Macchio, quien ahora es un exitoso vendedor de automóviles y tiene una bella familia. Los contrastes entre ambos personajes se siguen dando o se insinúan (bueno/malo), pero en la serie tratan de matizarlo, buscando explicaciones del pasado (muy bueno el uso preciso de unos flashbacks de la película de los 80) y la forma en que asumen sus problemas en el presente. Sus respectivos hijos también, más el joven inmigrante y sus amigos heredan un poco la vieja disputa y a partir de eso se van desarrollando las nuevas tramas.
La serie en general, en sus dos temporadas que mantienen la misma fórmula, se desarrollan mucho entre el contraste del bien y el mal, la reivindicación, los rencores, las insatisfacciones, la lucha contra sus propios demonios y sus pasados. Me parece que es efectiva, pero a veces siento que la fórmula se agota o se repite mucho, dejando algunas lagunas o vacíos argumentales, creo especialmente en la segunda temporada, y se me ven afectados el desarrollo de algunos personajes. Igual hay que entender que es una serie de entretenimiento sin muchas pretensiones, en donde la nostalgia es su mayor fortaleza.
The Undoing (David E. Kelly, Susanne Bier) / HBO
“The Undoing” es una de las últimas series que he visto. Cuando vi el primer episodio comenté lo siguiente:
Acabo de ver el primer capítulo de "The Undoing" (@HBOLAT ) con mi adorada Nicole Kidman. Me ha gustado y me ha dejado con la intriga de los próximos capítulos. Además Nicole canta la canción de los títulos de créditos. Acá les dejo:
https://www.youtube.com/watch?v=aXmPe1aFZLc
Y esto fue lo que comenté tras ver los dos últimos episodios:
Ya me puse al día y vi el penúltimo capítulo de la serie "The Undoing" (Trial By Fury). Una inquietante revelación al final, pero que viene tejiéndose, así como otros elementos que van dibujando a esta particular familia, su entorno y la sociedad en que viven. Ahora... esperar.
Luego de ver el final de #TheUndoing debo decir que sentí lo mismo que al final de la primera temporada de #BigLittleLies Disfruté más el camino, el desarrollo, la creación de las intrigas que sus respectivas resoluciones finales. Pronto más en el post en el blog.
Y ahora un poco más de contexto:
La serie me parece que tiene un muy buen planteamiento. Una mujer de alta sociedad, llamada Grace (como Nicole se ha llamado ya en varias películas) con su esposo y su hijo tienen una irrupción dentro de su núcleo familiar, cuando una mujer empieza a acecharla y un día aparece muerta. A partir de ese momento se empiezan a crear un drama lleno de intrigas, donde poco a poco cada uno de los personajes parece ser un sospechoso.
Aunque desde el inicio el sospechoso principal tiene una gran fuerza, la serie poco a poco te va presentando evidencias que te permiten dudar y crear tus propias teorías. Me gustó que dentro de esa construcción de sospechosos, la serie realiza una interesante disección sobre la clase de alta neoyorquina, las apariencias, el desprecio a lo que consideran inferior, la familia, el estatus, la manipulación y el poder.
Todo esto reforzado por un excelente elenco encabezado por Nicole Kidman y Hugh Grant, quienes me parecen perfectos en sus roles. Junto con Donald Sutherland, quien interpreta al padre de Grace; Noah Jupe, quien interpreta al pequeño hijo de ambos, Lily Rabe, Noma Dumezweni, Edgar Ramírez, Matilda de Angelis e Ismael Cruz, quienes interpretan al resto del elenco principal y además parte del portafolio de sospechosos. Con mención especial para Noma, quien interpreta a la abogada defensora, y me hizo recordar a Annalise Keating.
Pero… como escribí en esos comentarios tras terminar la serie, la serie se queda corta en su resolución. Fue decepcionante y me pareció casi cutre, pues no responde a la construcción de los episodios anteriores, a la expectativa y deja a muchos personajes de los mencionados en el aire, no se aprovechan en todas sus posibilidades. Tranquilos que no haré spoiler, pero es que absolutamente funciona mal en ese final. Parece apresurado y facilista. Porque aunque ese mismo fuese el eventual final, el camino para llegar allá podría haberse resuelto de mejor forma. Es lo que creo.
We Are Who We Are (Luca Guadagnino) / HBO
Cuando se anunció esta miniserie tenía muchas expectativas por su director, Luca Guadagnino (Calle me by your name, A bigger splash, I am love), y luego me di cuenta que entre los guionistas se encuentra el reconocido escritor italiano Paolo Giordano, quien tiene varias novelas notables sobre la juventud, y se nota su mano en la historia.
Cuando vi el primer capítulo comenté:
Vi el primer episodio de la serie #WeAreWhoWeAre de Luca Guadagnino para HBO. Lleno de referencias a su película anterior, que también mostraba un despertar sexual. Me gustó y la seguiré pero me quedó una duda sobre a dónde se dirigirá esa trama. Interesante inicio, por ahora.
Para los que no la hayan visto o escuchado de ella, cuenta las historias de dos adolescentes, Fraser y Harper, cada uno con todo un universo personal pero que logran encontrar entre ellos el entendimiento y la comprensión. Ambos viven en una base militar estadounidense en Italia.
En los primeros episodios, precisamente cuando me asaltaba la duda de ¿a dónde se dirigiría esta trama? La serie inicia bastante lenta y contemplativa, con los dos primeros capítulos mostrando la perspectiva de los dos protagonistas sobre las mismas situaciones donde interactuaron. Lo que funciona para introducirnos inmediatamente en sus respectivos mundos, y a partir de ese momento iniciar la jornada compartida entre las interacciones con sus padres y los amigos de Harper, que no aceptan a Fraser, porque es un chico especial, con algún problema de atención o nervioso al que nunca hacen mención, que le hace tener problemas para socializar y que además tiene un estilo particular para vestir, pues sueña con ser un diseñador de modas. Por otra parte, Harper, de padres afroamericanos, y su madre de origen africano, quien además tiene un hijo aparte que busca sus raíces religiosas. Pero Harper, al igual que Fraser, y como todos los adolescentes, están encontrando su identidad sexual, que no tienen muy clara aún. Y Harper en especial, también su identidad de género.
A partir de esa relación, que empieza a molestar a los otros jóvenes, pero que se tienen que aguantar, porque además Fraser es el hijo de la nueva comandante de la base, que es una general lesbiana, quien además convive con su pareja. A partir de esa dinámica se desarrolla la historia.
La relación de Fraser con Harper es muy bella y bien tratada, porque ambos son transparentes entre ellos, hablan por primera vez de cosas que no habían comentado a nadie más, sus dudas y temores, que evitaban tratar anteriormente en su entorno habitual. Se permiten ser ellos por primera vez y ayudarse en ese camino de auto-descubrimiento. Pues esas reservas son evidentes también por el mismo lugar en que se encuentran: una base militar, en donde además podemos observar en los televisores que se encuentra en desarrollo la primera campaña de Donald Trump para la presidencia. Estos símbolos, tan importantes, los comentaré más adelante.
Algo que también me gustó de la serie es el tono, la atmósfera y la música, que conforman la ambientación general, pues se armoniza con el ritmo pausado, casi de ensoñación que se maneja. Como si estuviesen en una burbuja, y a la vez encerrados en sí mismos, en los dramas internos que tiene cada uno, con el ruido exterior apenas a la vuelta de la esquina. Porque aunque uno piense que evidentemente no ocurra nada en la trama, dentro de los personajes ocurren muchas cosas, y parte del encanto de la serie es la sugerencia con que lo hace, a través de miradas, suspiros y gestos.
Hay un tema importante que también tratan, en relación a la apariencia y el cuerpo como centro de conflicto. Se manifiesta especialmente en Harper y de muchas formas, pues ella tiene una bella melena afro que se ha dejado crecer de los seis años, pero que en su nueva búsqueda de identidad le genera conflicto. Y hay una bella escena en donde Fraser la ayuda a cortárselo, permitiendo que ella se vea y reconozca de otra manera por primera vez. Es un elemento que puede parecer sin importancia, pero que en realidad tiene mucho poder, y lo digo por experiencia. El poder verse y reconocerse de distintas formas en cuanto a nuestro aspecto y cómo nos vemos a nosotros mismos.
También encontramos que aunque los jóvenes son el centro de atención, los adultos también están perdidos, aún confundidos, incluso con sus propias identidades, y lidian con esa nueva responsabilidad, que es la guiar a otro ser humanos que crece, cuando aún están ellos mismos extraviados.
Cuando se acerca al desenlace, hay varias escenas muy buenas y varios símbolos. Y acá menciono el tema porque es muy importante, sobre todo en esta estructura narrativa donde se sugiere mucho. Hay varios símbolos, que a la vez son instituciones o simples lugares, como “la casa”, que es un lugar fuera de la base donde van y hacen una tremenda fiesta, y donde se permiten ser libres y desinhibidos. Esa casa será también el lugar a donde acudirás después que sufran un golpe muy fuerte para el grupo, y donde enfrenten la muerte de uno de sus compañeros. Y me resultó muy interesante también, la forma en que la muerte genera cambios de actitud en algunos personajes que ya habían avanzado en algunos temas sobre sí mismos, para resguardarse en el dolor, porque también implica la aparición del miedo, y del castigo divino, quizás. Y vemos cómo la institución social, la tradición y la religión, los símbolos se anteponen ante otros ante alguna variación.
En general, y para no seguir desmenuzando detalles de la serie, es una serie que trata de forma muy bella forma la adolescencia y la juventud. Porque de verdad en algunos momentos duele, como es la misma adolescencia, un dolor que cada uno pasa de forma distinta. Al que se sobrevive. Que además también utiliza varios elementos para retratar las distintas dinámicas en que el proceso del ser se relaciona con otros elementos, con símbolos, con otros seres, con instituciones y con ideas. Al final me ha gustado, porque sentí su intimidad y logré conectarme con ella, aunque al inicio tuve incertidumbre, con los episodios posteriores me fui dejando llevar y entendí la esencia de la serie, que no es otra que la libertad, la búsqueda de la esencia y la juventud, el ser lo que somos y permitirse ir descubriendo y explorando en ese camino. En vivir el aquí y el ahora. De perderse, encontrarse y volver a perderse.
Y tengo que hacer mención al elenco que hace un muy buen trabajo, especialmente a Jack Dylan Grazer, Jordan Kristine Seamon y Chloë Sevigny, como Frases, Harper y la madre de Fraser, pero que en general todo el elenco funciona muy bien y se amolda a la propuesta narrativa. Y el final es bello, y por supuesto sigue abriendo las posibilidades de los personajes, las experiencias, y ver lo esencial de las cosas, los sentimientos y de los cambios. Muy recomendada, pero hay que entrar poco a poco a la propuesta.
Acá dejo en enlace a otros posts que hice con Minireseñas de otras series, entre ellas algunas temporadas anteriores de las mencionadas en este:
