Festival de Venecia 2012 (Competencia Oficial)

El Festival de Venecia es uno de los más importantes del mundo. Hace tiempo esperaba la presentación de la selección oficial, debido a la alta expectativa que se tiene con algunos filmes que evitaron o no estuvieron listos para Berlín y Cannes.

Entre los seleccionados se encuentran dos de los filmes más esperados del año, porque sus respectivos directores se han ganado el respeto de la crítica y el público. Uno es uno de los veteranos y de los directores más grandes de los últimos tiempos: Terrence Malick. Y el otro es una de las grandes promesas (aunque ya es una realidad desde hace tiempo) del cine actual: Paul Thomas Anderson. No había publicado nada aún sobre el festival porque la película de Anderson parecía que no iba a estar en la selección oficial ni de Venecia ni Toronto, pero al parecer se ha confirmado su participación, y estoy muy feliz de anunciar las película en la Competencia Oficial de Venecia 2012, y las otras películas, muchas de ellas muy interesantes, que disputarán el León de Oro, con los anteriores cineastas:

Selección Oficial Largometrajes a Concurso:

At Any Price (Ramin Bahrani)

Bahrani es un cineaste norteamericano que se ha desempeñado principalmente en el Cine Independiente, recuerdo su ópera prima “Un Café en cualquier esquina” con mucho entusiasmo. Es interesante su participación en el festival y espero en realidad tener una sorpresa positiva de su parte. En esta oportunidad contará la historia de un piloto de carreras que se ve presionado a volver a la granja de su familia. El filme estará protagonizado por el joven Zac Efron, que asistirá a su segundo festival del año, luego de Cannes. El chico está eligiendo bien sus papeles. Tengo expectativas medias con este filme.

Bella Addormentata (Marco Bellocchio)

El experimentado cineasta y guionista italiano Marco Bellocchio, en esta ocasión cuenta la historia de una estrella de cine que cuida a su hija, que se encuentra en estado vegetativo. Protagonizada por la gran Isabelle Huppert, que suma otro proyecto más en festivales (ya estuvo en Berlín y Cannes por partida doble), se encargará de protegonizar el drama de esta estrella de cine. Sin duda tendremos una excelente interpretación de Huppert, y la primera favorita a ganar la Copa Volpi.

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La Cinquiéme Saison (Peter Brosens y Jessica Wodworth)

Tercer filme de esta pareja en conjunto, al parecer es la parte final de una trilogía sobre las relaciones conflictivas entre la naturaleza y el ser humano. Los filmes anteriores fueron: Khadak y Altiplano. No he visto ninguno de los anteriores. Así que esperemos a ver qué tal les va.

É stato il figlio (Daniele Cipri)

Cineasta italiano con otras dos películas en su portafolio, de las cuales tampoco he visto ninguna. En esta ocasión, al parecer presenta una adaptación de una novela homónima del escritor Roberto Alajmo, ambientada en la ciudad italiana de Sicilia.

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Fill the Void (Rama Burshtein y Yigal Bursztyn)

Filme israelí en trabajo en conjunto con dos directores, al parecer es una ópera prima, y aún no hay muchos detalles del argumento. Esperemos sorpresas.

Izmena (Kirill Serebrennikov)

Director ruso, que ha dirigido un par de filmes, de los cuales no he visto ninguno. Participa con este filme, del que aún no se conoce detalles del argumento.

Linhas de Wellington (Valeria Sarmiento)

Valeria Sarmiento, directora y guionista chilena que inicialmente se dedicaba a hacer cortometrajes y luego fue dirigiendo filmes para otros países, como el presente, que es un filme de Portugal, y es una especie de homenaje al cineasta chileno Raúl Ruiz, su esposo ya fallecido, que ha sido uno de los directores más prolijos y el más grande de Chile. Será un trabajo interesante de ver.

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Outrage Beyond (Takeshi Kitano)

Ya empiezan a sonar algunos pesos pesados con este director japonés. Kitano ha paseado por distintos festivales ya en su carrera, pasado por Cannes, donde ha sido premiado (aún no con la palma), y por Venecia, donde si ganó el León de Oro por su película “Flores de fuego”. Aunque es un director versátil, siempre ha mostrado gusto y afinidad por las películas de mafia y crimen. Y preciso es una de ese tipo la que presenta en esta ocasión, la segunda parte de su filme presentado en Cannes en el 2010 “Outrage”, un thriller de los famosos yakuzas. Desafortunadamente no he visto aún la primera parte. Pero será uno de los favoritos.

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Paradise: Faith (Ulrich Seidl)

Bueno este es muy interesante, porque hablamos de Ulrich Seidl, un director que estuvo hace unos meses en Cannes, precisamente presentado la primera parte de este filme. En un momento pensé que la película también había sido elegida para Venecia, pero luego me percaté que es la continuación. Como mencioné en Cannes, la película me llama mucho la atención, y espero verlas pronto. Puede estar en la lucha, ya que la primera parte fue una de las más polémicas en Cannes.

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Something in the Air (Olivier Assayas)

Director francés, para nada desconocido, ya ha tenido mucho recorrido y algunas películas destacables. Recientemente lo recordaremos por la película “Carlos” en el 2010, con Edgar Ramírez y la película para T.V. En esta ocasión dirige y escribe este filme, donde narra la vida de una joven que se encuentra enfrentando los cambios sociales de finales de los 60 en Europa. La joven será interpretada por la bella Lola Créton, que precisamente trabajo el año pasado con su esposa Mia Hansen-Love, en el filme “Un Amor de Juventud”. Será interesante, y posiblemente tengamos otra candidata a la Copa Volpi.

Sping Breakers (Harmony Korine)

Uno de los competidores más curiosos. Este relativamente joven director que hace filmes bastante experimentales y que han generado bastante polémica. Desde su ópera prima “Gummo”, que fue reconocida en Venecia. En esta oportunidad reúne a varias de las jovencitas de Hollywood, junto con James Franco, para contar la historia de cuatro estudiantes que terminan tras las rejas, luego de robar un restaurante para financiar sus vacaciones. Que luego serán rescatadas por un traficante de armas. En fin, sin duda será algo muy interesante de ver.

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Superstar (Xavierk Giannoli)

Otro de los cineastas relativamente jóvenes, director y guionista francés, que ya ha tenido un recorrido con sus filmes, sobre todo en los dos últimos “Crónica de una mentira” y “Chanson d´ amour”. En esta oportunidad, regresa con “Superstar” un filme que cuenta en términos generales las vivencias de la fama, junto con sus beneficios y horrores. Un hombre que un día se vuelve famoso sin saber por qué. Sin duda será un filme muy interesante de ver. Me recuerda un poco a la italiana presentada de Cannes de Mateo Garrone “Reality”.

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Thy Womb (Brillante Mendoza)

Este director filipino para nada es un desconocido tampoco. Sobre todo luego de verlo meses atrás en Berlín presentando su filme “Captive”. Mendoza es un director que algunos pocos aman y otro gran grupo lo detesta por la lentitud de cine. En esta oportunidad, presenta este filme, del que aún no se conoce detalles del argumento. Aunque sin duda no hay que perderlo de vista, ya que este tipo de directores suele gustar en los festivales.

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Un giornio speciale (Francesca Comencini)

Directora italiana, que también ya tiene algunos filmes en su portafolio, y estuvo compitiendo en Venecia hace algunos años atrás. No he visto ninguna de sus películas, y tampoco se conoce detalles del argumento del filme.

Piéta (Kim Ki-duk)

Otro de los pesos pesados, es el director de cine surcoreano Kim Ki-duk, ya tiene gran recorrido por festivales, ya ha sido premiado en varias, sobre todo en la categoría de dirección, como olvidar sus filmes “Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera” y “Hierro 3”. Recientemente en Cannes con “Arirang” que ganó una de las secciones. En esta oportunidad Ki-duk presenta otro drama centrado en dos personajes, un cobrador de deudas, solitario y sin escrúpulos y una mujer que se presenta pidiéndole disculpas por haberle abandonado. Sin duda una de las más esperadas.

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Passion (Brian De Palma)

Otra de las películas más esperadas del festival, por su director, Brian de Palma, que aunque desde hace tiempo no presenta nada interesante, parece que ha regresado con este nuevo filme que dirige y ha adaptado el guión de una película francesa “Crime d´ amour”. La película muestra a dos ejecutivas que se odian y se enfrentan hasta llegar a límites insospechados. De Palma contará con dos actrices de lujo, y desde ya favoritas a la Copa Volpi Noomi Rapace y Rachel McAdams.

To the Wonder (Terrence Malick)

Otra de las grandes favoritas y de las que genera más expectativas, por su director, el aclamado Terrence Malick, ganador de la Palma de Oro el año pasado. Aquí busca su primer León de Oro, luego de haber ya ganado el premio mayor en los otros festivales más importantes del mundo: Palma de Oro, Oso de Oro, Concha de Oro. Malick que ha dado gusto a sus admiradores, luego de anunciar que tiene varios filmes seguidos entre este y el próximo año, luego de que nos tenía acostumbrados a esperar décadas. En esta oportunidad cuenta la historia de un escritor fracasado que se encuentra atrapado en un matrimonio sin amor. Con un elenco de lujo, como siempre, en esta vez tenemos a Ben Affleck, Rachel McAdams (nuevamente), Javier Bardem, Rachel Weisz, Jessica Chastain, entre otros. Sin duda, una de las favoritas y las que más espero por ver.

The Master (Paul Thomas Anderson)

Otra de las películas más esperadas, al parecer agregada a último momento. Sin duda, Paul Thomas Anderson se ha convertido en uno de los mejores cineastas actuales, luego de películas como Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk love, There Will Be Blood, y ahora con The Master. En “The Master”, cuenta la historia del fundador de la Cienciología. En un recorrido de un joven de la mano de un líder religioso, que transformaron una secta en una religión con muchos seguidores en el mundo. Con un elenco de lujo, con Philip Seymor Hoffman, Joaquin Phoenix, Amy Adams, Laura Dern, entre otros. Promete ser una de las películas del año, hasta finales de la temporada de premios.

Trailer

Esperemos un festival de lujo que sin duda dejará alguna de las películas del año!

Frase A.S.B 8

Dice una teoría que cada vez que un ser humanos muere, otro ser vivo nace (sea humano, animal o vegetal), todo para mantener un equilibrio. El alma del recién fallecido puede evolucionar o involucionar, de acuerdo a la reencarnación que corresponda. Ese equilibrio hace mucho tiempo fue desestabilizado, por las múltiples muertes sin causa natural. Y desde entonces los animales, las bestias y los seres vegetales sin autonomía abundan en la tierra (A.S.B)

Frase A.S.B 7

Trascender, Ascender y Aprender... Pero jamás Caer o descender (A.S.B)

The Dark Knight Rises (Christopher Nolan)

Luego de Batman Begins, y la excelente The Dark Knight, Christopher Nolan había subido el nivel de las adaptaciones de cómics, llevando incluso a rosar la maestría. Demostrando que una película puede tener buena acción, efectos y todos los aspectos técnicos de un filme y mantener una historia con un guión firme. Aunque todo esto parece haberlo olvidado en la entrega final de la trilogía. (Voy a tratar de no mencionar detalles del filme, ni del argumento)

Asistí a la función con bajas expectativas, debido a los inevitables comentarios que iban surgiendo y que decidí no seguir leyendo. Así que fui a la proyección, aunque ya sabía que el filme no iba a terminar como yo quería, pero decidí bajar expectativas y dar el beneficio de la duda por si me sorprendía el planteamiento de Nolan.

Durante toda la proyección del filme, esas 3 horas, en la mayoría del metraje no podía separar los ojos de la pantalla, estaba hipnotizado; como me esperaba y ya sabía que no iba a ser un problema, los aspectos técnicos del filmes están excelentes: El montaje, los efectos, la fotografía, la música, en fin todo está realmente bien armado, toda esa parte estaba seguro de que iba a ser excelente. Pero la prueba de fuego venía en el guión y lo que iba a ser Nolan con el final del murciélago. Desde que se anunció la extensa duración del filme, me imaginé que iba a estar cargada y que Nolan iba a tratar de ser más pausado y muy cuidadoso en la historia. Lastimosamente, aunque el guión no es del todo fallido, si tiene muchos problemas, en los que no ahondare en estos momentos por riesgo de revelar algo importante.

La película es tramposa, y parte de ello es en lo difícil que se me hizo calificarla. Porque no es una mala película, al contrario es un filme potente e increíble, como ya venía trabajando Nolan, pero en esta parte final baja mucho, no sólo en el final, que desde ya digo que para mí fue decepcionante, sino por otros pequeños detalles de gran importancia. Y en muchas partes vi secuelas y sombras de decisiones tomadas por producción. Como mencioné al inicio del párrafo, el filme te lleva por los dos lados, te gusta y te decepciona al mismo tiempo, pero no impresiona, no sorprende, sientes que no hubo avance, y al contrario un retroceso, un mayor acercamiento a lo convencional, un regreso al cómic que pretendía llevar a otro nivel (y que incluso hizo con anterioridad).

Nolan la tenía difícil para superar The Dark Knight, y no ha podido superarla. Me gustó la película, estuve atrapado durante la mayor parte del metraje, pero no puedo negar que tiene puntos negros y es decepcionante en muchos aspectos. Agradezco no haber ido con altas expectativas porque mi reacción hubiese sido peor.

Tratando de seguir comentando sin revelar nada importante, sólo impresiones, el reparto como siempre de lujo, en esta varios se lucen, sobre todo Anne Hathaway, que me encantó en su papel de Gatúbela. Christian Bale ha sido el mejor Batman y Bruce Wayne que he visto. Michael Caine, Oldman, el personaje sorpresa de Joseph Gordon-Levitt, Freeman, Cotillard, Hardy, correctos, algunos a pesar de los descuidos de sus personajes. El villano Bane, inicia muy bien pero su personaje tiene un lamentable tratamiento, el Joker se hace insuperable, teniendo en cuenta que son villanos distintos, pero creo que Nolan cuidó mucho más el personaje del Joker. Aquí tuvo que dividirse y descuido algunos personajes.

En síntesis, y con precaución a no revelar algún detalle de importancia que pueda resultar traumático para algún “fan” que aún no la ha visto, sólo me resta decir que es una película muy recomendada, seguro gustará a muchos, realmente es muy buena y entretenida, y partes del guión se mantienen, recordando lo hecho en Batman Begins y The Dark Knight, pero que como filme en general y comparándolo con sus antecesoras queda muy por debajo. Y es una sensación, de que tal vez Nolan no tuvo mucha libertad o fue decisión de él, presión o yo no sé, pero fue un tremendo bajón. Lastimosamente en esta ocasión no puedo decir que el cierre es excepcional, porque para mí no lo fue.

Por todo lo anterior, porque me gustó y me decepcionó al mismo tiempo, y porque me es muy difícil calificarla teniendo en cuenta tantos contrastes, voy a darle un puntaje un poco intermedio, con una tendencia condescendiente a lo que me gustó, y manteniendo mí promesa (medianamente) de castigarla si me decepcionaba:

6.5/10

Trailer de The Dark Knight Rises

Frases de la película

Brave (Mark Andrews, Brenda Chapman)

Brave o Valiente, es una película interesante y divertida, pero finalmente un tanto fallida. Comparándola con el excelente portafolio de Pixar en los últimos años, no llega al mismo de nivel de esos grandes filmes, geniales en emoción y argumento.

No tenía muchas expectativas al ir a verla, pero el inicio del filme fue muy prometedor, me ilusionó incluso y aumento mis expectativas. Vi una propuesta un tanto diferente (aunque no completamente), al menos en el caso de Pixar y Disney, si busco una historia parecida, se me viene a la cabeza “Mulan”, aunque ese filme fue mucho mejor, tenía todo lo que a esta le faltó. Como el tema de entrada me llamó la atención por su distintiva, estaba muy pendiente del metraje, tal vez maliciosamente, al momento en que empezarán a aparecer los clichés o que la historia y la estructura clásica de Disney apareciera. Pero curiosamente, no apareció lo que esperaba que iba a aparecer, la aparición de un príncipe y todo ese “Happy Ending”. Pero a pesar de que no cayó en ese convencionalismo, la película no se mantiene. Y menciono lo de la estructura clásica de Disney en los cuentos de princesas, porque películas como por ejemplo “Mulan”, que es parecida un poco a este argumento, y la última de Disney “Enredados” tenían esa estructura, pero las películas se mantenían, porque estaban bien hechas y un argumentos más o menos firme.

El inicio fue prometedor, pero luego decae un poco, la magia, la aparición de una bruja un tanto ridícula, y hay un momento aparte en que sentí que la trama se volvió extraña, sentí que algo se perdió en un momento a la mitad del filme. En un momento no sabes que pasará a continuación, y no lo sentí de la mejor forma, me sentía al contrario confundido y precavido.

Luego, la parte de los osos, y creo que me volví a ilusionar un poco nuevamente. Esa parte de una de las mejores de todo el filme, con el personaje que se convierte en oso y el misterio del otro oso. Pero luego, cuando van a indagar la vida del otro oso, lamentablemente no saben profundizar esa historia, y se vuelve otro personaje superficial y sin importancia. Cuando van en busca del oso y descubren su misterio, pensé que en algún momento iban a entrar al tópico del príncipe. Y me sorprendió que no lo hicieran. Pero no fue muy creativa y convincente la forma en que lo hicieron. Muy desaprovechada esa parte.

Luego, cuando te has mantenido a la expectativa, esperando que algo más ocurra, se acaba el filme. Yo me quedé un rato pensando si en verdad se había acabado. Y cuando en efecto vi los títulos de crédito, inmediatamente comprobé que el filme, la historia y el guión tienen enormes fallos. Y fue impresionante, porque durante todo el filme quedé expectante, no me aburrí, pero no supieron centrar bien la historia y me decepcionó bastante, porque creo que se pudo hacer algo mejor.

Sin embargo, tiene sus momentos, es muy graciosa por momentos y conmovedora a ratos, sobre todo los de la mamá osa con la princesa, que creo que fueron los personajes más trabajados, del resto, los secundarios fueron olvidados, y creo que ese fue uno de los grandes problemas, ya que los secundarios de lujo es un elemento importante en las películas de animación, sobre todo en Disney.

En síntesis, un filme bueno para pasar el rato, un rato divertido, pero el filme es fallido, tiene muchos puntos negros, y definitivamente no entra a formar parte de la lista de lo mejor de Pixar. Una lástima porque creo que había potencial.

5/10

Trailer de Brave

Frases de la película

Y definitivamente, uno de los mejores incentivos de ir a ver “Brave”, es ver el hermoso documental de Pixar: “La Luna” de Enrico Casarosa, nominado al Oscar a Mejor Cortometraje de animación. Un precioso y mágico corto. Y para los colombinos, el cortometraje “Mapalé”, que me gustó también, jeje. Aún no encuentro en la red el cortometraje “La Luna”, comparto el tráiler:

Trailer de "La Luna"

Los Ojos del Perro Siberiano (Antonio Santa Ana)

Leí esta novela del escritor argentino Antonio Santa Ana hace mucho tiempo, y recuerdo que me gustó mucho. Considerada dentro del género Infantil-Juvenil, Santa Ana nos narra en esta bella novela corta, una historia de dolor, perdón y reconciliación.

Narrada en primera persona, un elemento bastante arriesgado, pero que en esta ocasión Santa Ana logra utilizarlo de forma acertada, nos cuenta la historia de un adolescente, quien es el narrador y la voz de este relato. Nuestro protagonista vive en el seno de una familia acomodada con su padre, su madre y su hermano mayor Ezequiel. Desde el punto de vista de nuestro narrador, somos testigo del estilo de vida de una familia de clase alta, y de su brutal reacción ante la llegada del SIDA por parte de Ezequiel. Durante todo el libro, vemos como el joven de 11 años enfrenta este problema, conocemos sus pensamientos, sus dudas, sus miedos, sus temores, sus deseos, tristezas y anhelos. Es un viaje en conjunto en donde el lector se logra involucrar con el narrador, y vive todo el proceso desde que se rompe el núcleo familiar por la pérdida de su hermano, hasta su proceso de reconciliación con él en su enfermedad y su inevitable final.

El libro es corto, la prosa sencilla y atrapante por la capacidad del autor en atrapar al lector con el monólogo interior del narrador. Es un libro que se lee muy rápido, y sobre todo que te emociona y conmueve. Refleja una gran realidad, de una enfermedad que aún tiene sus mitos y prejuicios. Y una forma interesante de plantearlo, es que nunca se menciona el cómo Ezequiel fue contagiado, él dice que no vale la pena recordarlo, que simplemente no importa, y menciona las posibles y típicas opciones que la mayoría de la gente piensa en estos casos: drogas y homosexualidad. Pero nunca nos enteramos de lo que pasa en realidad. Eso no importa para el autor, y me alegra que lo deje en claro, y nos sumerja en la historia que da un distintos tratamiento al tema, al mostrar los prejuicios, los inevitables quebrantamientos en los lazos sociales y familiares, todos esos aspectos negativos, y la valoración de los aspectos positivos, ese acercamiento entre los dos hermanos, es simplemente genial y estremecedor.

7/10

Y el título, los ojos del perro siberiano, es explicado por el mismo Ezequiel, quien cuando se muda a vivir solo y enfermo, sólo tiene la compañía de Sacha, su perro siberiano, los únicos ojos que lo ven tal como es. Y esta explicación forma parte de un gran número de frases memorables del libro, en donde trataré de mencionar algunas:

“Una de las razones por las que quiero tanto a este perro es por sus ojos. Desde que estoy enfermo, la gente me mira de distintas maneras. En los ojos de algunos veo temor, en los de otros intolerancia. En los de la abuela veo lástima. En los de papá enojo y vergüenza. En los de mamá, miedo y reproche. En tus ojos veo curiosidad y misterio, salvo que creas que mi enfermedad no tiene nada que ver con que estemos juntos en este momento. Los únicos ojos que me miran igual, en los únicos en los que me veo como soy, no importa si estoy sano o enfermo, son en los ojos de mi perro. En los ojos de Sacha” (Ezequiel)

“Ninguna enfermedad te enseña a morir. Te enseña a vivir. A amar la vida con toda la fuerza que tengas”

“Lo único cierto que sabemos todos de la vida es que nos vamos a morir. Y lo único incierto es el momento. Digamos que al enterarme de que lo incierto avanza sobre lo cierto, me propuse no morirme hasta no poder tocar la suite N°1 en Sol Mayor de Bach”

“El SIDA es como una tormenta, nadie quiere sacar la cabeza para ver qué hay afuera. La vida no es más que eso: asomar la cabeza para ver qué pasa afuera, aunque haya tormenta. Y una Suite de Bach”

“Éste se llama Sacha. Era el más chiquito de la cría, el último que nació. Por eso lo iban a matar (…) Sí que es hermoso, ¿no es cierto?, pero a los últimos de cada cría los criadores los matan, son los más débiles, los menos puros de la raza. Los criadores viven de la pureza, ese es su negocio, no les conviene que haya perros impuros dando vueltas por ahí. Si vos conocés a otros perros de esta raza, te podés dar cuenta que éste tiene las orejas más grandes y (…) La gente no entiende nunca al que es diferente (…) La gente le tiene miedo a lo que no entiende. Si la sociedad margina a los que son diferentes, qué destino puede tener un perro con las orejas más grandes”

“Miedo al rechazo… Hermanito, voy a decirte algo, tal vez lo único que aprendí en mi corta vida. Si la cuerda no fuera delgada, no tendría gracia caminar por ella”

“Sospecho que uno se hace lector para completar lo inacabado. Para completarse”

“Tal vez lo bueno de los abismos sea que se pueden hacer puentes para cruzarlos”

“Se supone que a los amigos se los elige. A Mariano yo nunca supe si lo elegí o si cuando llegué al mundo simplemente él me estaba esperando”

“¿Sabes? Yo te enseñé a caminar.

Sí lo sé.

Vaya paradoja, yo te acompaño en tus primeros pasos, y vos me acompañás en los últimos…”

“Cerró los ojos un rato, cuando los volvió a abrir me dijo: He visto cosas que ustedes no creerían. Naves de ataque ardiendo sobre el hombro de Orión…

Está delirando otra vez, pensé. Volvió a sonreír, me apretó la mano. Cerró los ojos y se quedó dormido. Nunca más los volvió a abrir”

“Antes de la internación, Ezequiel me pidió que te diera esto. Y me dio un video casete. Era de Blade Runner.

-He visto cosas que ustedes no creerían. Naves de ataque ardiendo sobre el hombro de Orión. Rayos “C” brillando en la oscuridad cerca de Tannhauser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.

- No sé por qué me salvó la vida. Quizás en los últimos momentos amó la vida más que nunca. No sólo la suya, la de cualquiera… la mía. Buscaba las mismas respuestas que buscamos todos. ¿De dónde vengo? ¿Adónde voy? ¿Cuánto tiempo tengo? Y sólo pude verlo morir.

Masacre: Ven y Mira (Elem Klimov) y el Cine Anti-bélico

Existen muchas películas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, con distintos tratamientos, en donde se aborda el tema desde distintos puntos de vista y puntos geográficos, entre otras variantes. Así como también hay otras bastante repetitivas. La mayoría de estos filmes tienen una tendencia que parece ser inevitable, y es el sesgo hacía el maniqueísmo, algunas de forma más marcada y otras de forma moderada, buscando más una forma de ser lo más objetivos posibles, que parece en realidad muy difícil en cualquier ámbito. Es por esto, que los filmes bélicos, en donde la gran mayoría siempre hace gala de un patriotismo extremo y una presentación de personajes en negro y oscuro, se fue contrastando con los filmes antibélicos, esos filmes que fueron mostrando la realidad del campo de batalla y que no todo es tan simple como la disputa de “buenos y malos”. Personalmente, los filmes bélicos de ese estilo son algunos de los que más me han gustado en el cine. Y si se hace un repaso por la “historia”, que en muchas ocasiones también tienda a falsificarse, observaremos que la gran mayoría de los grandes cineastas de la historia del cine, sacaron espacio para hacer un filme bélico o antibélico.

No soy historiador, y tampoco he visto todos los filmes bélicos, pero aquí un repaso con los que considero importantes de los que he visto: En la historia se han efectuado muchas guerras y conflictos, algunas de ellas van unidas y son a causas de las otras, toda una cadena de odio que aún hoy en nuestros días perdura. Pero sin duda los conflictos más versionados en el cine son la primera y segunda guerra mundial, la guerra de Vietnam, la guerra fría, la guerra civil española, entre otras. Con un claro dominio de las dos primeras, sobre todo de la segunda.

Revisando los respectivos años de cada una, creo que la primera en la lista es “El Gran Dictador” de Charles Chaplin (1940), Chaplin se arriesgó a sacar este filme en pleno despegue de la Segunda Guerra Mundial, y de la locura de Hitler. Es una comedia y una sátira brillante, que le representó problemas posteriormente porque continuaron exigiéndole tomar partido por alguna ideología política o algún bando, y él se negaba a dar declaración de este tipo. Bueno pero no voy a extenderme a cada una, sólo a dar un pequeño comentario. Siguiendo la línea de tiempo, la segunda sería un filme que descubrí gracias a un documental de Scorsese sobre el cine italiano, y se llama “Roma, ciudad abierta” (1945), de Roberto Rossellini. Fue un filme bastante arriesgado también, en pleno desarrollo de la segunda guerra mundial Rossellini grabó esta obra con esfuerzo y actores no profesionales. Plasmó lo que se estaba viviendo en las calles, con tanta naturalidad, que es muy clara su influencia en el neorrealismo italiano.

El Gran Dictador (1940)

Roma, Ciudad Abierta (1945)

En 1957 de desarrollaría una de mis indudables favoritas, de la mano de Stanley Kubrick, “Senderos de Gloria”, está ambientada en la primera guerra mundial, fue un ejercicio brillante de cine antibélico. Una obra totalmente imprescindible. Kubrick posteriormente nos regalaría otras dos obras maestras del cine antibélico, como es “La Chaqueta Metálica” (1987) y la comedia “Dr. Strangelove” (1967).

Senderos de Gloria (1957)

La Chaqueta Metálica (1977)

Dr. Strangelove (1967)

A finales de los 50, llegaría una película alemana que ambientaría los regazos de la segunda guerra mundial, a sus finales. La película es una obra maestra: El Puente (1959), Bernhard Wicki. Es una maravilla, y aquí ya veremos el papel fundamental de los niños en la guerra, como los más afectados. Como se ve en muchos de los filmes del género.

El Puente (1959)

Y ya que hablamos de niños, voy a aprovechar para hacer este párrafo sobre el cine bélico de la Unión Soviética, que es un punto muy importante para el análisis del filme que vamos a reseñar, que es también soviética “Masacre: Ven y Mira”. Hay un filme muy representativo y conocido de la Unión Soviética del género bélico, como lo es “El Acorazado de Potemkin” (1929), un filme muy importante reconocido por sus aportes técnicos. Estaría también “La asención” (1977) de Larisa Shepitko, ambientada en la segunda guerra mundial, y en la ocupación de Bielorrusia por la Alemania Nazi, tema que también está presenta en “Masacre: Ven y Mira”. El conflicto entre Estados Unidos y la unión soviética llegaba hasta en el cine, esto se pudo observar, cuando en el año 1969, la Unión Soviética con dos directores preparara la película “La Batalla de Berlín”, como respuesta a una película americana sobre el tema, titulada “El día más largo” (1962). Estos dos últimos fueron filmes totalmente sesgados. Y para cerrar el recorrido por cine bélico soviético, la dejé de último precisamente porque fue una de las que más relacioné con el filme “Masacre: Ven y Mira”, y no es otra que “La Infancia de Iván” (1962) de Andrei Tarkovsky. Hace un tiempo hice un especial a este filme, que curiosamente también fue un filme por encargo, que Tarkovsky logró llevar al carácter de Obra Maestra. Posteriormente en la reseña y análisis del filme “Masacre: Ven y Mira”, explicaré la relación.

“El Acorazado de Potemkin” (1929)

“La asención” (1977)

“La Batalla de Berlín” (1969)

“La Infancia de Iván” (1962)

Siguiendo por el repaso del cine antibélico llevado a la pantalla por grandes directores, no hay que olvidar “La Vergüenza” (1968) de Ingmar Bergman, que al muy estilo de Bergman, es más una reflexión, no encontrarán escenas muy épicas. Ya en los 70, con la nueva ola de cineastas norteamericanos se empezaron a hacer filmes antibélicos muy interesantes. En 1971, de la mano de Dalton Trumbo, “Johnny cogió su fusil”, un filme ambientado en primera guerra mundial, es otra maravilla y dura, ya casi con esta llegamos al nivel de dureza que se presenta en “Masacre: Ven y Mira”. Otro filme importante de los 70, fue “Apocalypse Now” (1979) de Francis Ford Coppola, una de las mejores películas de Coppola, y otro ejemplo de cine antibélico.

“Johnny cogió su fusil” (1971)

“Apocalypse Now” (1979)

En los 80, en 1986, veríamos el filme de Oliver Stone “Platoon”, sobre la guerra de Vietnam. Y un año antes de la película de Stone, en 1985 sería presentada “Masacre: Ven y Mira”, que injustamente ha sido ignorada en la historia del cine.

"Platoon" (1986)

En los 90, dos filmes antibélicos de gran calidad llegaron el año de 1998, uno dirigido por el “Rey Midas de Hollywood” Steven Spielberg, que hizo una de sus mejores película “Salvar al soldado Ryan” y por otro lado el misterioso y gran director estadounidense Terrence Malick, presentaría “La Delgada Línea Roja”. Se enfrentaron en los Oscar, y ganó la de Spielberg, pero para mí la de Terrence Malick fue muy superior, al humanizar la guerra y criticarla, y no como Spielberg que hizo un buen filme, pero que al final no pudo despegarse de su patriotismo y heroísmo que dividió bandos inmediatamente. Pero eso es lo que le gusta a Hollywood, ni al caso. Y últimamente en el año 2006, otro gran director que no podía quedarse por fuera, Clint Eastwood, dirigió dos filmes, ambos planteando los distintos puntos de vista de la guerra: "Cartas desde Iwo Jima" y "Banderas de nuestros padres". Con esta última, que produjo críticas por su parecido al filme de Spielberg “Salvar al soldado Ryan”, Eastwood manda un mensaje al público y a Spielberg: “En una guerra, no hay héroes”. Aunque un año antes, en el 2005, Spielberg dirigiría uno de sus filmes más notorios y objetivos, no toma partido, sólo muestra ambos lados del conflicto, y con eso fue redimido por muchos. No fue premiado en los Oscar, pero si nuevamente se ganó el respeto de algunos. La película fue “Munich”.

“Salvar al soldado Ryan” (1998)

“La Delgada Línea Roja” (1998)

"Cartas desde Iwo Jima" (2006)

Ahora, la película que generó el post: “Masacre: Ven y Mira”

“Masacre: Ven y Mira”, es una película soviética de 1985. Fue un encargo del gobierno soviético para celebrar el cuarenta aniversario de la victoria soviética sobre la Alemania Nazi en la Segunda Guerra Mundial. Dirigida y escrita por Elem Klimov. La película se desarrolla como telón de fondo de la Segunda Guerra Mundial en Bielorrusia, donde asistimos a la terrible ocupación los alemanes en Bielorrusia. En donde más de 600 pueblos fueron exterminados junto con toda su población, con un saldo total aproximado de 2.230.000 personas asesinadas durante el periodo de la ocupación. Siendo una de las mayores masacres de la Alemania Nazi.

La película es narrada a través de los ojos de un niño de 13 años, llamado Flyora Gaishum, que al inicio del filme se encuentra buscando un fusil en los campos de batalla para entregarlo a los Partisanos Soviéticos, un grupo que nació para hacer resistencia y enfrentar al ejército alemán. Flyora consigue el fusil, y los Partisanos se lo llevan, en contra de los deseos de su madre, abandonándola a ella y sus hermanas. Flyora se embarca en ese viaje como un niño inocente, y poco a poco va presenciando el horror, el infierno, el sufrimiento y la pérdida. La guerra lo ha envejecido y lo ha cambiado completamente. Y junto a él, el espectador es sumergido en ese viaje, vemos con sus ojos y sufrimos con él.

La película la observé en dos partes. Honestamente, cuando había leído que era un encargo del gobierno soviético, me imagine que iba a ser muy pero muy sesgado, y que además iba a ver una sublimación a la patria y todo eso, pero nada de eso, me ha impresionado mucho la neutralidad con los hechos y los personajes. En la primera parte somos testigos del la incursión de Flyora a las filas de los Partisanos, cuando deja atrás su niñez, y más que una huida directa a la muerte segura en los campos de batalla, representa un enfrentamiento a una amarga realidad y un escape de una muerte segura en su casa. Aunque una parte de Flyora muere en el momento en que abandona la casa.

En esta primera parte me recordó mucho a la película de otro ruso Andrei Tarkovsky “La Infancia de Iván”, por su estilismo, la puesta en escena, además de algunas tomas y movimientos de cámara que eran sello personal del gran director ruso. Además de la historia de trasfondo de la pérdida de la inocencia en tiempos de guerra. Pero esta película tenía algo diferente, y eso es lo que más me llamó la atención. Está película es muy dura, en dureza sobrepasa a la de Tarkovsky y a la mayoría de filmes que he visto, pero he aquí lo esencial, no es un espectáculo sangriento gratuito, porque incluso no se ven muchas de las muertes, el director juega con la percepción y los sentidos espectador, lo mete dentro del filme de una forma impresionante. Primero, a través de la visión del niño, las tomas de espalda que te hacen ver la acción de un ángulo distinto, y por sobre todas las cosas, en esta primer parte me sorprendió la mezcla de la música con el sonido. Ya que la música individualmente es excelente, funciona de maravilla, pero en los sonidos en las escenas, se amplían los sonidos exteriores y se minimizan los interiores y los de los personajes. Ese simple efecto, crea un ambiente asfixiante y más intenso. E incluso en el momento de una escena magistral donde el campamento de los Partisanos es bombardeado, hay un momento donde Flyora por los sonidos tan estruendosos se queda casi sordo, y ese juego con el sonido hacer que el espectador también se vuelva un poco sordo, y se vaya metiendo más dentro del personales y del horror que vive. Por lo que, a partir de ese momento hacemos nuestra incursión al infierno.

En esta primera parte eso me fascinó, la mezcla entre acción y sutileza artística, y la influencia de Tarkovsky queda más que evidente. Aunque Klimov va más allá, no tiene piedad con el espectador.

En ese momento, la primera parte se había acabado y apenas pude respirar, sentí un alivio tremendo. Y pensé que ya había visto mucho, no me esperaba para nada lo que continuaba en la segunda parte. En la segunda parte asistimos al mismo infierno. Aparecen por primera vez las tropas nazis, y pues somos testigos una vez más de sus procedimientos y torturas, el trabajo de los “grupos de operaciones” (Einsatzgruppen, como eran llamados), que eran grupos de muerte, dedicados a exterminar todo a su paso. El trabajo de estos chicos era terrible, pero no tenían muchas opciones, e incluso vemos que uno de los soldados nazi, del grupo de operaciones se limpia una lágrima cuando están prendiendo fuego a una iglesia con todo un pueblo adentro. Esa escena es simplemente una maravilla. No vemos nada de lo que pasa adentro, pero sabemos y lo sentimos, sólo tenemos visión del rostro de nuestro protagonista, que ya está demacrado y envejecido, ese rostro refleja el horror puro. Yo sentí que envejecía junto con Flyora.

Posteriormente, seguimos viendo los desastres del horror, y los afectados, los que sobrevivieron al genocidio en la iglesia, jóvenes destrozadas con las piernas sangrando y una anciana en su cama que fue trasladada a un lugar seguro para que admirara el horror. Flyora es dejado tirado en el piso, luego que se toman una foto con él apuntándole con una pistola. Luego Flyora se levanta, va en busca de un fusil que había escondido y se encuentra con los Partisanos que aún quedan con vida. Se encuentran en esos momentos con unos hombres del “grupo de operaciones” nazi y los “traidores” que ordenaron el incendio de la iglesia. Los tienen rodeados, decidiendo que hacer con ellos. En ese momento, no podemos evitar quererlos ver muertos y quemados vivos. Y luego vienen las revelaciones de los nazis, uno de ellos explica porque cuando estaban en la iglesia, pidió que salieran todas las personas y dejarán a los niños adentro para que murieran quemados. Una simple explicación: “todo empieza por los niños”. Una revelación escalofriante, que me hizo acordar de Haneke. Y en ese dilema final, donde los Partisanos deben decidir qué hacer con los verdugos de su pueblo, cuando se sienten tentados a quemarlos vivos. No diré lo que deciden hacer.

Pero es un cierre monumental, que termina en otra escena donde nuestro protagonista está más envejecido que nunca, todas las marcas en su rostro reflejan todo lo que ha visto y vivido. Se desahoga disparando contra un espejo, un reflejo de un charco en donde se ve a sí mismo, y en donde además se encuentra un cartel con la imagen del hombre que originó todo ese terror.

En síntesis, una obra maestra del cine bélico y antibélico, una obra que muestra el horror con arte, a pesar del estilo documental que maneja, la dirección maravillosa, la fotografía genial, la música y el manejo de los sonidos como he dicho anteriormente, es magistral. Hay muchas escenas memorables. Las actuaciones excelentes, todo es muy real, tan real que no parece un filme, sólo lo alcanzamos a dimensionar porque percibimos el arte con que está siendo narrada. “Masacre: Ven y Mira” es una obra que no debe ser olvidada, debe ser recordada y admirada. Sólo me queda agradecer a José Barriga por crear el festival donde la pude descubrir, y a Cesar Andrés Mena Torres por haberla propuesto. Y de igual forma la recomiendo a todos.

10/10

Trailer de "Masacre: Ven y Mira"

"Masacre: Ven y Mira": Película Completa

Frases de la película