Kiseki (Hirokazu Koreeda)

“Kiseki” “I Wish” o “Milagro”, es la última película de este director japonés, que siempre sorprende con sus historias y sobre todo con su sutileza, ya sea cualquiera el tema que trate. En esta ocasión, los niños vuelven a ser protagonistas. “Kiseki”, es una historia sobre las complejidades de los deseos y los milagros. La película en sí misma es un milagro, hermosa, triste y sencilla. No totalmente redonda pero si tiene mucho corazón.

Dirigida y escrita por el mismo Koreeda, en esta ocasión cuenta la historia de dos niños. Ambos hijos de una pareja joven que se ha divorciado. Uno se queda con la madre, que se va a vivir con sus padres y empieza a trabajar de cajera, y el menor de va con el padre, que es un músico. Ambos desean la reconciliación de sus padres y poder vivir juntos nuevamente, uno más que otro. Por lo que deciden aprovechar, con un grupo amigos, la inauguración de una nueva línea de tren que unirá a las dos ciudades, para pedir un deseo.

La película se centra en los dos hermanos, quienes cada uno por su lado viven sus vidas con sus respectivos padres. El que vive con la madre, el mayor, extraña mucho a su hermano y su padre y quiere que todos estén nuevamente juntos. El menor, que vive con su padre, quiere a su hermano y su madre, pero en el fondo no quiere que vuelvan a estar juntos por las terribles discusiones que estos tenían.

Además de las vidas de los hermanos, vamos recorriendo detalles de las vidas de sus amigos, pequeños quienes también tienen problemas y deseos. Pero no sólo los niños son los protagonistas, también tenemos a sus padres, algunos de ellos retratan deseos frustrados, al parecer su tiempo de soñar, desear y creer en milagros ha pasado. Algunos infelices y otros aún con la esperanza de que sus hijos no sigan sus pasos y se atrevan a conocer el “mundo”. Ese mundo con un significado muy especial y simbólico.

Koreeda, nos presenta una historia real, triste y al mismo tiempo mágica y luminosa. Hay escenas y tomas, simplemente magistrales y sencillas, que captan y hablan por sí mismas. Labor destacable del estupendo reparto, desde todos los niños hasta los adultos.

El filme lo tenía pendiente desde principios de año pero no lo había podido ver. Me ha encantado, me ha conmovido, alegrado y emocionado. Lo único que podría reprocharle, es que tal vez se extiende un pelín al final. Pero eso no le resta para nada sus grandes virtudes. Una historia sencilla, sincera y altamente profunda. Una de las tantas escenas que me encantaron, es cuando todos los chicos gritan sus deseos en el cruce de los trenes. Algunos lo cambian en último momento, otros simplemente guardan silencio. Y todos descubren que ellos mismos son los artífices de los milagros y de la realización de sus deseos.

Muy recomendada.

8.5/10

Trailer de Kiseki

Frases de la película

Kauwboy (Boudewijn Koole)

“Kauwboy” ha sido una de las gratas sorpresa del 2012. Es un filme seleccionado por Holanda para competir en los Premios Oscar como Mejor Filme Extranjero. Dirigida y escrita por Boudewijn Koole, un director holandés que ha dirigido diversos documentales y cortometrajes.

En esta oportunidad presenta “Kauwboy”, una película muy sencilla pero muy sincera y profunda. Una pequeña joya muy valiosa.

Nos cuenta la historia de un niño de 10 años, que se llama Jojo y que vive con su padre. La madre está ausente y Jojo menciona que se encuentra de gira, ya que al parecer es una cantante, por lo que escucha sus canciones constantemente para tenerla presente. Así que Jojo ha tenido que ir creciendo un poco más rápido y amoldarse a la situación. Él se siente solo y busca un poco de cariño, lo que lo lleva encontrarse con un pequeño pichón de grajilla, que acoge y adopta.

Es una historia tierna, corta y sencilla, que trata con gran delicadeza un tema difícil, triste y doloroso. Durante el transcurso del metraje, observamos como Jojo empieza a criar al pequeño grajo, se documental, lo alimenta y le da toda su calidez y cariño. Algo que le han quitado y arrebatado desde muy temprano. Y es así que equilibra las cargas con su pequeña mascota, que el padre desconoce.

Me ha encantado la construcción de esa relación y ese lazo entre el grajo y el niño, todo ello acompañado con una fotografía realmente encantadora y una música tranquilizadora de fondo, que simplemente te hace sonreír en cada escena y te conmueve tremendamente en momentos. Todo esto contrasta con la fría relación que tiene con su padre, un hombre represivo que guarda mucho dolor en su interior.

En las interpretaciones, el niño Jojo está simplemente genial, es tan natural que trasmite absolutamente todo. Su padre también, un hombre endurecido, gélido y adolorido pero que ama a su hijo. E incluso la niña que pasa con un chicle, haciendo bombas, también es encantadora.

En síntesis, una joya imperdible. Un gran ejemplo de las grandes cosas que se pueden conseguir con sencillez y con una historia llena de amor y dolor. Y al final debemos sobreponernos ante todas las dificultades y ser fuertes como los pequeños grajos.

8.5/10

Trailer de Kauwboy

Frases de la película

In Another Country (Hong Sang-soo)

“In Another Country” es una película dirigida y escrita por el reconocido director surcoreano Hong Sang-soo. Es una película muy simpática, una comedia dramática que mantiene muchas de las características de este curioso director. Sencilla, atemporal, bella y triste. Otra de las pequeñas pero valiosas joyas del año.

 El filme cuenta la historia de una joven y su madre que escapan a la ciudad costera de Mohang, huyendo de sus deudas. La joven, para calmar sus nervios, empieza a escribir en una pequeña libreta un guión para un cortometraje. Y así empieza a contar tres historias diferentes, que tienen con común tres personajes: Anne, una mujer francesa, que en las tres historias cambia de ser directora de cine famosa a la esposa de un magnate. Y junto a Anne, estará la dueña del hotel en que transcurren las tres historias y un salvavidas que pasa en la playa e intercala con distintos oficios.

El filme tiene un tono muy indie, bastante sencilla. Pero el director juega con los tiempos y la estructura narrativa. Desde la idea de que sea uno de los personajes la que narre y construya la historia principal, hasta los mismos cambios y mezclas de tiempos dentro de esa historia.

Esa mezcla y todo ese experimento tienen un resultado muy positivo. En las tres historias se mezclan situaciones dramáticas con muy buenos toques de comedia. Creo que lo más destacado es el guión, muy interesante y curiosamente estructurado.

Durante todo el filme se trasmite un ambiente de tranquilidad, logrado por los hermosos paisajes, la música de fondo y los curiosos movimientos de cámara del director con acercamientos repentinos, que al inicio rechacé pero terminaron gustándome mucho.

Las interpretaciones, aquí la protagonista total, es esa mujer francesa que pasa de ser directora francesa, a una mujer infiel y finalmente a una mujer desgraciada y divorciada de un magnate coreano. Esa mujer, es interpretada por la gloriosa actriz francesa Isabelle Huppert, que en la mayor parte del filme se amolda y se apropia de cada uno de los personajes, trasmitiendo mucha naturalidad con la excepción de uno de los momentos, en la segunda historia. Del resto, todos correctos.

En cada historia inventada por la joven, toma elementos de su propia vida, de la que nos enteramos precisamente al inicio del filme, cuando esta discute con su madre de sus problemas.

En síntesis, un filme muy agradable y divertido. Una pequeña joya y creo que una de las mejores comedias del año.

7.5/10

Trailer de In Another Country

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Sister (Ursula Meier)

“Sister” es el segundo largometraje de Ursula Meier, directora “Franco-suiza” que con sus dos filmes ha sido seleccionada para representar a Suiza en los Premios Oscar, como en el 2012 con este filme “Sister”.

Dirigida y escrita por Meier, el filme cuenta la historia de Simon, un niño de 12 años que desde muy pequeño quedó huérfano y vive solamente con su hermana. Una chica rebelde y sin rumbo, que tiene empleos temporales pero que es mantenida principalmente por las actividades de su pequeño hermano Simon, quien sube a un lujoso centro de esquí que queda cerca de su hogar y roba los equipos a los turistas para luego revenderlos.

Este tipo de dramas sociales, sobre todo que tiene como protagonistas a niños, siempre escuchamos que se comparan con el estilo de los famosos Hermanos Dardenne, quienes se encargaron de crear un estilo propio y que tanto bien le ha hecho a la sociedad. Un cine comprometido.

En esta ocasión, Meier ha acogido parte de la esencia de los Dardenne para mostrar una realidad en Suiza, que seguramente se podría relacionar con la de muchos otros países. Además de la inevitable relación con los hermanos, me hizo recordar un poco al filme de Suecia del año pasado “Sebbe”.

Es una película tierna, bonita y a la vez triste. Simon, es un niño que adora a su hermana y hace todo lo posible para conseguir dinero. Es un niño que ha tenido que madurar muy temprano debido a las mismas circunstancias de su entorno. Su hermana, es una joven perdida, que depende en parte de su hermano menor, además es una mujer con ausencia de cariño, lo que hace que lo busque en los brazos de hombres que no la aprecian.

Durante todo el metraje, vemos las vivencias de Simon, como se enfrenta al mundo, como es maltratado por el mundo y como siente nostalgia al ver a una madre con sus hijos, entre otras cosas.

El filme es muy intimista y se centra en sus personajes, en mostrar todo lo que ocurre con ellos, y desde esa óptica, el trabajo de la directora es sobresaliente. Como siempre es recurrente en estos filmes, las interpretaciones son muy destacables. El niño que interpreta a Simon, es simplemente Simon, le creemos todo y lo entendemos, es muy natural. También la que interpreta a su hermana, hace una notable interpretación.

Hay un pequeño detalle que me ha venido dando vueltas desde que observé la película, y es si en realidad Louise, la hermana mayor de Simon, es su hermana. Ya que durante el filme, exactamente en dos momentos, en dos escenas se hace la insinuación de que posiblemente Louise no es la hermana sino la madre de Simon. Encuentro argumentos en contra y a favor del argumento, tal vez sea una exageración pero el mismo filme se encarga de generar las dudas y no lo resuelve. Así que cada espectador decidirá el análisis que le dará a la historia.

En síntesis, un filme recomendado. Una película enternecedora y conmovedora que llega al espectador, además que retrata una realidad que viven muchos niños en el mundo. El final es excelente y muy simbólico.

7/10

Trailer de Sister

Frases de la película

Pietá (Kim Ki-duk)

“Pietá” o “Piedad” es la última película del famoso y respetado director surcoreano Kim Ki-Duk. El director de dos películas que adoro como son “Hierro 3” y “Primavera, verano, otoño, invierno…y primavera”, ambas entre 2003 y 2004. Luego de esos filmes, Ki-duk ha tenido diversos desaciertos, ninguna al nivel de sus anteriores filmes. Este año ha llegado con Pietá, y tenía mucha ilusión de ver el regreso de un grande. Que de hecho ganó el León de Oro a Mejor Película en el Festival de Venecia, derrotando a la favorita The Master. Y de hecho podría decir, que si es un regreso de Ki-duk, aunque no sea un gran regreso, ya que “Pieta” es un filme intermitente que me generó diversas emociones, entre ellas: una parte no me gustó para nada, otra me pareció mediocre y otra simplemente magistral. Por esto, aunque el resultado general sea regular, podemos decir que el director surcoreano aún tiene mucho por dar.

Dirigida y escrita por Kim Ki-duk, “Pieta” cuenta la historia de un joven cobrador de préstamos, que vive una vida triste, vacía y solitaria, lo que le ha ayudado a desarrollar una frialdad para cumplir su trabajo. La vida del joven cambia, cuando se aparece una mujer que dice ser la madre que lo abandonó de pequeño.

Esa es la base de la historia. Ahora para explicar mejor las emociones que despertó en mí el filme, lo describiré en tres partes:

En la primera parte del filme, prácticamente en los primeros treinta minutos, somos testigos de la frialdad del joven cobrador, en las distintas visitas que realiza a cada uno de sus clientes. Esta parte no me gustó mucho, porque aunque retrate bien las situaciones en su extremo, hay muchas escenas excesivas, grotescas y gratuitas. Todo esto junto a la exposición de la sordidez en el entorno, en muchas ocasiones fue muy abrumador y molesto, al menos para mí.

Luego, el filme empieza a tomar mejor forma cuando llega la mujer que dice ser la madre del joven. Pero no mejora del todo. Esto puede deberse a que muchas situaciones se vean inverosímiles, y a que muchas cosas adquieren sentido más adelante. Pero además de eso, en esta parte se reafirma ese espíritu anti capitalista del filme, esa crítica al capitalismo, al consumismo, al dinero, a la crisis de valores. Pero este no es el punto central del filme. Es sólo una parte, y la forma en que es mostrada me pareció demasiada explicita, sin el menor atisbo de sugerencia. Cosa que no me gustó mucho. Porque en ocasiones incluso el espectador puede ver como si le estuviesen dando un discurso. En esta parte también descubrimos por primera vez, atisbos en la humanidad del joven cobrador y podemos llegar a entenderlo. Ya en esta parte, el filme se había recuperado y se vuelve más interesante, a pesar de los defectos mencionados.

Ya en la parte final, viene lo magistral y lo mejor de Kim Ki-duk. En esta parte, muchas cosas adquieren más sentido y se descubre la verdadera naturaleza de la historia. Estamos frente a otra historia de venganza, tan usadas con efectividad en el cine asiático, pero siempre funcionan, y esta no es la excepción. El director deja lo mejor para el final, y hace lucimiento de todos sus dotes, con un final simplemente genial, me encantaron los últimos segundos. Porque la poesía que esperaba ver durante todo el filme, llega justo al final. Pero me alegro de verlo, y pienso que ha valido la espera.

En la parte interpretativa, mención especial para Min Soo-Jo, que encarna a la madre del cobrador. Y un poco menos para Lee Jung-Jin, que interpreta a Gang-Do, el cobrador, que en varias partes resulta soso y no logra transmitir lo suficiente. La fotografía es destacable en momentos y la dirección de Kim-duk también se luce en diversos momentos.

En síntesis, un filme intermitente pero muy interesante. Y que a pesar de los problemas antes mencionados, representa el regreso de un gran director. Que espero siga sorprendiéndonos con su cine. Por todo lo anterior:

6/10   

Trailer de Pietá

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Las ventajas de ser un marginado (Stephen Chbosky)

Stephen Chbosky, en 1999 publicó su novela juvenil “The Perks of Being a Wallflower”. La novela tuvo gran éxito en los jovenes, pero fue años después en el 2012, que el mismo Chbosky decide adaptar su propia historia, escribe el guión y dirige el filme. No conocía el libro y no lo he leído. Tenía muchas ganas de ver el filme debido a sus excelentes críticas y el reparto particular que tenía. En efecto, me ha parecido un producto muy diferente al de la mayoría de películas americanas sobre jóvenes. Y creo que me ha dejado con curiosidad de descubrir el libro, que al parecer está estructurado por distintas cartas. El filme es un retrato fresco y sincero sobre la adolescencia, con sus virtudes y defectos, pero ante todo sobre la amistad.

La historia se desarrolla desde el punto de vista de Charlie, un chico de primer año de secundaria, quien se encuentra recuperado luego de haber sido internado por sus problemas mentales, causados por distintos traumas, desde la muerte de su querida tía hasta la de su mejor y único amigo, quien se suicida y lo deja solo para enfrentarse a lo que le queda la vida escolar. Charlie regresa con actitud positiva, tratando de socializarse y conseguir nuevos amigos. En ese proceso, conoce a Patrick y Sam, dos estudiantes de último año populares y que se divierten mucho. Lo que traerá un gran cambio tanto en Charlie, como en la vida de los dos hermanastros.   

En esta ópera prima, Chbosky se muestra como un realizador interesante y con futuro. Desde muy buenos planos hasta una excelente dirección de sus actores, sacando lo mejor de cada uno. Crédito que también pertenece a ellos. Logar Lerman interpreta a Charlie. Logan, a quien conocimos por protagonizar Percy Jackson, en esta oportunidad encarna un personaje totalmente diferente, un chico tímido, traumatizado pero muy inteligente, que intenta superar sus miedos y socializarse. Emma Watson interpreta a Sam. Emma, a quien conocimos como la adorable Hermione en la saga Harry Potter, demuestra que ha dejado atrás ese personaje y que puede encarar cualquier papel. En esta oportunidad a Sam, un chica muy extrovertida pero con muchas inseguridades. Y finalmente, Ezra Miller interpreta a Patrick. Miller, a quien ya conocemos por diversos personajes complejos como el de We Need to Talk About Kevin. En esta oportunidad se mete en la piel de Patrick, un joven alegre, extrovertido con un secreto que lo hace mostrar toda su humanidad.

A través de este trío de personajes, recorremos muchos aspectos de la adolescencia como las drogas, el sexo, los miedos, las crisis, la diversión, en fin. Sam y Patrick acogen a Charlie, y le hacen sentirse por primera vez parte de algo. Y Charlie en cambio les da su cariño, aceptación y los ayuda en distintos aspectos de la vida de cada uno. Ya que al acercarse más a ellos, ve los realmente vulnerables que son. Todo este proceso de intercambio, es el desarrollo de la misma amistad.

Sin revelar más detalles, por medio de Charlie, quien sueña con ser escritor, somos testigos del desarrollo de sus amigos y de él mismo. Además de presenciar una historia diferente y honesta sobre jóvenes, con sus contrastes y sus luchas individuales que adquieren sentido al encontrarse y encontrar apoyo. A pesar de que trata de escapar de tópicos, cae en algunos, pero es inevitable.  Lo realmente destacable es que se distinga y se mantenga. Con destacables actuaciones de su reparto. Convirtiéndose así en una de las pequeñas joyas del año. En el primer visionado pensaba ponerle un 6.5, pero en el segundo me ha convencido mucho más. Muy recomendada.

7/10   

Trailer de Las Ventajas de ser un marginado

Frases de la película

Amour (Michael Haneke)

“Amour” de Michael Haneke. El retrato del amor, según el genio austriaco, como era de esperar, no es nada rosa. Es un retrato duro, triste, desgarrador y conmovedor de ese amor real, ese amor que alegra y duele… ese amor que perdura en la vejez. Pero sobre todo, ese amor que nunca ata. Haneke hace hasta el momento, la mejor película del año. Merecida Palma de Oro en Cannes. Y sus actores, simplemente están más allá de cualquier elogio. Una nueva Obra Maestra de uno de los más grandes directores vivos.

Dirigida y escrita por Michael Haneke, ese director tan perturbador pero que igual amamos por su genialidad y por recrear varios de los mejores estudios sobre el alma y la naturaleza humana en el cine. Desde “El Séptimo Continente” (1989)  hasta su magistral “La Cinta Blanca” (2009), tiene un portafolio casi que impecable.

En esta oportunidad, desde su presentación en Cannes había causado mucha expectativa porque normalmente Haneke es tan calculador y visceral en sus filmes, que se hacía muy extraño ver un filme de su autoría titulado “Amor”.

En efecto, aquí tenemos al Haneke más sensible de su filmografía, pero que no los confunda, la esencia de el director sigue presente. Logra un equilibrio justo a la medida. Justo a donde Haneke puede permitirse ser sensible. Porque su cine siempre ha tenido humanidad, aunque sea en su forma más oscura.

“Amour” cuenta la historia de Anne y Georges, una pareja de ancianos que viven solos en su casa y viven juntos su rutina. Ambos fueron músicos en el pasado y se divierten asistiendo a conciertos. Que precisamente es una de las primeras escenas del filme, cuando Haneke enfoca al público de un concierto a punto de empezar. La sensación que se siente, es parecida a la del final de “Caché”. El espectador busca entre el público algo conocido, a los protagonistas, y con un pequeño esfuerzo los encuentras. Una función a punto de empezar. Ambos tienen una vida bastante normal y probablemente feliz, hasta que la enfermedad ataca a uno de ellos y su amor se pone a prueba.

La dirección es precisa y rigurosa, el guión es muy rico, hay diversos diálogos entre los personajes que dejan entrever muchas cosas. La acción transcurre la mayor parte en una casa, la casa de la pareja de ancianos. Todo es minimalista, e incluso la música, que brilla por su ausencia en la ambientación de las escenas, sólo cuando los mismos personajes la escuchan también.

El filme tiene un ritmo pausado y contemplativo, te lleva a escarbar en la intimidad de esa pareja y de cómo va cambiando a medida que se enfrentan a esa enfermedad. Cuando empezamos a ser una carga para nuestra pareja. Cuando llegan los miedos y los fantasmas de la muerte. Cuando en el abatimiento se reflexiona sobre la vida. Cuando no podemos evitar sentirnos molestos e impotentes frente a las adversidades. Cuando nos ponemos a prueba a nosotros mismos en una relación. ¿Quién es más importante? ¿Y que debería hacer?

No se preocupen, no daré spoilers, pero en el filme se plantean distintos dilemas, con los que podemos llegar a interesantes reflexiones.

La pareja protagonista, dos mitos del cine francés Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, ambos están más allá del elogio, magistrales, se comen la pantalla en cada plano. Ella con su sufrimiento y sus expresiones que hablan más que mil palabras y él con su paciencia y su contención. Ambos realizan las actuaciones del año, ya que no actúan. Jean-Louis y Emmanuelle son en realidad Anne y Georges. También aparece otra gran actriz, una de las musas de Haneke, Isabelle Huppert, quien interpreta a Eva, la hija de la pareja. Quien pasa por un momento difícil en su vida, pero que se preocupa por su madre.

En síntesis, un filme tan conmovedor como crudo, con momentos de drama e intriga. Una representación totalmente real, sincera y memorable. Un Haneke, con uno de sus filmes más intimistas y personales, como él mismo ha afirmado en diversas entrevistas. Un paso más en la madurez de este  artista, ya consagrado. Un filme imperdible.

9.5/10

Trailer de Amour

Frases de la Película