Reseña y Análisis de la película: Disclosure Day (El día de la revelación) de Steven Spielberg - 2025 / U.S.A. / En Cines

Se estrenó este jueves en salas de cine del país y Cartagena la más reciente película de Steven Spielberg, el emblemático director norteamericano, que regresa con uno de sus temas favoritos: la existencia de vida extraterrestre. Desde sus inicios en los años 70, Spielberg nos compartía su fascinación por este tema con "Encuentros cercanos del tercer tipo" (1977), luego con la icónica "E.T. "El extraterrestre" (1982), nos introducía desde la fascinación, la sorpresa, la empatía y el misterio, en la existencia de vida extraterrestre y la evidencia de su contacto con la tierra. Años después, en el 2005, retomaría el tema con una visión más tradicional, como es la de la invasión alienígena a la tierra, con la adaptación de la novela de H.G. Wells, "La guerra de los mundos", con un guión escrito por el autor, David Koepp, con quién también trabajó en Jurassic Park, entre otras, y quien también escribe el guión de "El día de la revelación", basado en una historia original del mismo Spielberg. El director ha mencionado que esta fascinación con el tema viene desde su infancia, y con el tiempo se desarrolló con todo el conocimiento y evidencia que iba descubriendo. Como el protagonista de la película, Spielberg cree que esta información merece ser conocida por toda la población, y más aún, con las recientes revelaciones acerca la desclasificación de archivos que evidencian esta información (aunque Trump lo haya hecho para desviar la atención de otros temas locales). Estos hallazgos recientes confirman la inquietud que el director tenía desde sus inicios e inspiraron esta película.

La película nos muestra a un joven hacker, Daniel (Josh O'Connor), que se encuentra con esta información, custodiada por una organización privada, y su travesía para divulgarla a la población mundial. De forma paralela se nos muestra a una presentadora del clima, Margaret (Emily Blunt) quien un día tiene una revelación, al ver fijamente a un bello cardenal, y empieza a percibir cosas que antes no percibía. En el camino ambos caminos se cruzarán, evidenciando la existencia de algunas personas en la tierra con esencia extraterrestre con un objetivo en común.

Ahora sí, la película me pareció muy entretenida, ya que mezcla muy bien el thriller, con la intriga, el misterio y la ciencia ficción, con un ritmo trepidante desde el inicio. Me gusta cómo desarrolla el tema y las historias paralelas, hacia un final que aunque hace revelaciones, nos deja muchas preguntas e interpretaciones, pero sobre todo plantea una duda. Es cine de entretenimiento de calidad como él sabe hacerlo. Pero, aunque entiendo que él siempre quiere llegar al mayor público posible y es una especie de divulgador cinematográfico de misterios de la ciencia, estaba esperando que ahondara un poco más en el misterio, y se sirviera de ellos para darnos una propuesta más innovadora visualmente y conceptualmente. Pero entiendo que prefirió mostrar apenas la superficie y disfrazarla de un blockbuster trepidante (como suele hacer), metiendo por el medio el viejo dilema ético de si es bueno dejar que la información sea conocido por todo el público, y hacerlos dudar de sus creencias y religiones. Esa parte me pareció ya muy cliché, y hubiese preferido que lo reemplazara por algo más de riesgo en su propuesta, además que tiene escenas y detalles muy efectistas. En cierta forma me recordó un poco a la trama de “Bugonia” de Yorgos Lanthimos, pero con desarrollos completamente diferentes. Pero bueno, aún así es una película entretenida, muy bien dirigida, actuada y técnicamente destacable, además de poseer cierta información valiosa, que ojalá lleve al público a investigar más y preguntarse más cosas, porque ya hoy en día existe mucha evidencia para seguir pensando ingenuamente que somos los únicos seres en el universo.

Tráiler de Disclosure Day - (Link 1)

 

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Reseña de la película: Good Boy (Ben Leonberg) - 2025 / U.S.A.

Hace unas semanas se estrenó en salas de cine (en Cartagena en La Plazuela/Sao) la película "Good Boy", que es una película de terror con la novedad de ser retratada bajo la perspectiva de un perro. La película nos muestra a un hombre que al parecer está muy enfermo, con alguna enfermedad terminal (se puede atisbar como un cáncer de pulmón avanzado o algo parecido), quien ya ha sido tratado o internado varias veces, mientras su perro fiel queda al cuidado de su hermana. Cuando vuelve a salir del hospital, Todd decide mudarse con su perro a una casa rural, que perteneció a su abuelo, quien falleció en el lugar en extrañas circunstancias. Desde antes de mudarse el perro empieza a percibir sombras y fuerzas sobrenaturales que acechan su entorno y se ciernen alrededor de su amo, pero estos eventos se intensifican cuando se mudan a la casa del abuelo. El perro debe lidiar con los cambios de humor de su amo, quien parece abatido por su enfermedad, y las fuerzas sobrenaturales que amenazan por la vida de los dos. 

La película tiene una premisa muy interesante y la perspectiva del perro es cautivante, original y aterradora por momentos, logrando despertar en el espectador mucha tensión, pero el problema que tuve con la película es su forma o ejecución, pues sentí por muchos momentos problemas con la fotografía, las tomas (aunque tiene algunas afortunadas) y la edición, porque quizás no fueron plasmadas de forma óptima, y el resultado se ve muy poco pulido, y por momentos sentí estar viendo un proyecto estudiantil, que no es algo malo, pero solo para resaltar lo poco cuidada en los detalles que se ve por muchos momentos, así como la poca sutileza en su ejecución, más las escenas bastante clichés del género, que en realidad no molestan. Pero también pensé que quizás ese aspecto era algo que conscientemente el director quiso tener o plasmar, por alguna razón. Porque hay películas de terror o de otro género con bajo presupuesto que logran ser más cuidadas en el aspecto técnico. 

Pero aparte de ese detalle, debo decir que la disfruté en su mayor parte, y me quedó la idea de que pudo ser mucho mejor. Creo que el guión es muy destacado, pues me encanta cómo el monstruo o fantasma-sombra que acecha al perro y su dueño, al final vemos que tiene la apariencia de una enfermedad, precisamente la del cáncer de pulmón, siendo una masa negra y fangosa que busca desesperadamente llevarse a Todd (quien como los demás humanos que aparecen muy poco y casi siempre en plano inferior, siempre ocultando su rostro, haciendo más real la perspectiva visual del perro). Me gustaron mucho los elementos oníricos, su estructura narrativa y esa metáfora de la enfermedad en forma de muerte, que acecha internamente al humanos, y al perro en sus sueños y en sus sentidos más agudos. Hay además un giro interesante al final, que nos muestra cierta complejidad en la concepción de esta idea, y el paralelismo que hace con la muerte del abuelo, quien también tenía un perro fiel de compañía.

Creo que es una película muy interesante que transmite constante tensión, a la vez ternura, y eventualmente un bello intento de retratar el duelo de una mascota por su amo, más los temores al percibir la próxima extinción de ese ser del cual depende y es su todo. Y por supuesto, por último, y para nada menos importante (porque es el corazón y quien lleva el peso de toda la película), el perro, quien en la vida real es el perro del director y su nombre es Indy, es excelente y totalmente verosímil.

Tráiler de Good Boy - (Link 1)

 

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Siete cabezas (Jaime Osorio Márquez)

La más reciente película del director Jaime Osorio (El páramo), vuelve a transitar los bordes del terror y la intriga dentro de los espacios locales, como lo hizo en su ópera prima. En esta ocasión con una propuesta más simbólica y más sugerente, que cuenta la historia de Marcos, un guardabosques con algunos problemas, que encuentra en su trabajo la paz que necesita para mantener dormidos sus demonios internos. Todo cambia cuando llega una pareja de biólogos para investigar el caso de una serie de misteriosas muertes de animales. Marcos se remueve con la presencia de la mujer, y todos sus demonios aparecen.

Como su título sugiere, hay una analogía a la Biblia y al apocalipsis, que en una de las escenas es contada por el mismo hermano de Marcos, junto con su enfermedad psiquiátrica. Marcos, representa una dualidad, el bien y el mal, y su presencia encandila y deja que aflore la verdadera esencia de las personas a su alrededor.

La dirección es muy buena, permite la inmersión en el personaje de Marcos, con esas tomas de espalda, y el movimiento constante y brusco de la cámara, que junto con los efectos de sonido logran crear una atmósfera opresiva, asfixiante, de intriga y expectación, lo que sirve para conectar con la esencia del personaje principal, y las personas a alrededor. Y gran parte del merito de la conexión con el personaje también recae en el actor principal que interpreta a Marcos, Alex Betancour, que dota de un misterio innato a Marcos, y una carga de intriga, de que algo está a punto de pasar. 

¿Metáfora bíblica? ¿A la destrucción de la naturaleza? ¿A la degradación del ser humano como gran depredador de la humanidad? Quizás todas las anteriores. La película me ha mantenido expectante, y es perturbadora por momentos, me gusta que el cine colombiano siga experimentando y encontrando nuevos lenguajes para retratar nuestros dramas, miedos y terrores. Porque somos una sociedad con gran experiencia en todos esos conceptos. Un cine más experencial, sensitivo y evocador. 

6.5/10


Trailer de Siete Cabezas

Death Note (Adam Wingard) - Netflix

Hace pocos días se ha estrenado en Netflix la adaptación del excelente manga Death Note, que fue llevada con éxito al anime por Tetsurō Araki, y recientemente una adaptación al cine dirigida por Adam Wingard, para Netflix.

No hay mucho que decir de este engendro maldito que jamás debió haberse realizado. Trata de resumirse toda la serie (37 episodios) en una película de poco más de una hora y media, y el resultado es espantoso.

Los personajes tan ricos, memorables y tan bien construidos como L y Light, son totalmente desdibujados y mancillados sin clemencia. El guión igual, se pierde absolutamente todo en un experimento que pierde la agudeza, la profundidad de la serie y el manga original. Y especialmente la relación y enfrentamiento psicológico y mental entre L y Light, que es lo que alimenta la historia original, acá queda reducido a un enfrentamiento de un desestabilizado emocional con otro impulsivo… nada más alejado de estos dos personajes tan ambiguos y excelentes.

Visualmente tiene escenas interesantes, pero en general es un total fallo. No sé si quizás las personas que nunca se han acercado al material original podrán disfrutarla, pero recomendaría no ver esto, sino la serie original en animación. La sufrí de principio a fin. 

1/10


Trailer de Death Note

Reseña del anime Death Note (Escrita en mi blog en el 2011)

The OA (Serie TV) – Season 1 (Netflix) (Zal Batmanglij, Brit Marling)

El 2011 sería el año en que tres egresados de la Universidad de Georgetown, de carreras tan apáticas a la realización cinematográfica como Economía y Antropología, harían su gran debut en el cine. Habían realizado pequeños proyectos años anteriores de forma independiente, pero todos resultaron poco satisfactorios para ellos mismo, hasta que decidieron volver a reunirse y hacer el cine que querían hacer, créandolo, escribiéndolo, dirigiéndolo y actuando. Ellos fueron: Zal Batmanglij, Brit Marling y Mike Cahill.

Foto: Zal Batmanglij, Brit Marling y Mike Cahill


Las películas con las que irrumpieron y deslumbraron al público y a los críticos fueron: “Another Earth”, dirigida por Mike Cahill, con guión escrito a dos manos por Cahill y Brit Marling, y con Marling de protagonista. Y ese mismo año también Zal Batmanglij presentaría “Sound of my voice”, con guión escrito a dos manos por el mismo Batmanglij y Brit Marling, y nuevamente con Marling de protagonista.

Comparto las reseñas que hice en este blog de ambas películas en su momento:

Another Earth

Sound of my voice

A partir de ese momento, y con sus posteriores colaboraciones juntos: “I Origins” (2014) y “The East” (2013), nos dimos cuenta que estábamos frente a un grupo de artistas con una visión particular, y con historias atípicas, originales y tratadas desde una perspectiva muy interesante, con inquietudes, con cuestionamientos sobre el ser humano, la sociedad, el futuro, la ciencia, la religión, los cultos/sectas, la espiritualidad y la vida en general, pero desde una perspectiva inquisitiva, explorativa y abierta.

Es por eso, que cuando se anunció el proyecto de “The OA” de Netflix como serie, y sonaron los nombres de Brit Marling y Zal Batmanglij, muchos de los seguidores que han cultivados en estos últimos años nos frotamos las manos, y teníamos mucha curiosidad de cómo serie una serie creada por dos de estos particulares artistas. 

The OA, es una serie de 8 episodios en su primera temporada, aproximadamente de una hora cada uno. Es una particular y curiosa mini serie del siempre interesante dúo: Brit Marling, Zal Batmanglij, escritores de la serie, y a la vez director, y Marling, la protagonista. La serie nos sumerge desde el inicio es una historia extraña, cuando una joven ciega aparece luego de estar 7 años desaparecida, con su sentido visual de vuelta. En el transcurso de los otros capítulos veremos como ella misma empieza a narrar a un grupo de personas totalmente diferentes su historia, desde su infancia en Rusia, hasta el momento que la adoptan sus nuevos y actuales padres, y todo el tiempo que estuvo perdida.

Como una Scheherezade mística moderna, todas las noches reúne a estas personas para contarles su relato íntimo y personal, con un objetivo entre manos, mientras estas personas van manifestando sus propios cambios en sus respectivas vidas.

La serie inicia con fuerza, luego, en sus 8 capítulos, en los intermedios se vuelve un poco repetitiva y puede perder algo de interés el espectador. Pero recomiendo aguantar y no dejar de verla. Yo la abandoné durante unas semanas como en el capítulo 4, pero volví a retomarla, y en sus capítulos finales la serie tiene un crecimiento notable, el ritmo crece... y llega el capítulo final, que es simplemente sorprendente y estupendo con mayúsculas...

Al final sucede algo curioso, que igual te hace dudar si calificar la serie de tomadura de pelo o un prodigio en la narración. Vale la pena verla, sólo por su curiosa e impactante resolución. Se ha anunciado una segunda temporada, y no me imagino como van a continuarla, pero sin dudas la veré. He omitido detalles para no dar spoilers. Y tampoco sabría si recomendarla abiertamente a todo el mundo. Pero vale mucho la pena. Aunque es difícil describirla, cuando aún sea para mí una gran incógnita, es una serie que tiene un mensaje poderoso de unión, y te habla de las creencias, de las historias, del dolor y de las perdidas. 

Promedio de la primera temporada: 
7.5/10


Trailer de The OA

Gone Girl (Perdida) de David Fincher

Una pareja yace descansando en la cama, mientras él acaricia su cabeza y su cabellera, tratando de imaginar lo que pasa por la cabeza de su pareja… de arrancar su cabeza para introducirse en sus pensamientos… o para terminar con ellos. En las primeras escenas observamos el flechazo de amor, las típicas escenas de la fase inicial de cualquier pareja, luego el matrimonio, la vida de casados, los problemas… Un matrimonio desquebrajado, y ella desaparece. Su esposo pronto aparece como uno de los principales sospechosos. 

Esa es la base inicial, y la forma como empieza y se plantea la película más reciente del reconocido director norteamericano David Fincher, tras la pausa desde la versión americana de la saga Millennium en el 2011. Confieso que hace meses cuando vi el teaser tráiler del filme, no me llamó mucho la atención, ya que parecía una historia ordinaria de las tantas que se han hecho sobre el tema de secuestros y desapariciones. Y prácticamente eso es lo que se respira en el primer tramo del filme, un thriller normal… pero en pleno Ecuador del filme, ¡David Fincher aparece! y deja su marca, revuelve todo lo que había construido de forma plana en su primera parte y el metraje coge un tremendo ritmo que no suelta hasta el final. 

La escritora norteamericana cedió los derechos de su novela “Gone Girl” y adaptó y escribió el mismo guión, que puso en las manos de Fincher, gran artista visual y ejecutor, que sin dudas supo sacarle provecho a cada escena y a la estructura compleja de la historia, basándose en una parte en recuerdos y testimonios de un punto de vista de la historia, que hace cuestionar al espectador sobre la veracidad de lo que observa y ha visto. Sin dudas, Fincher lo ha hecho nuevamente, y el talentoso director vuelve a entregarnos otra excelente película, revolucionando como él sabe hacerlo, el thriller y los productos made in Hollywood… Acá además de la historia central, y de repasar temas tan variados, como el amor, la obsesión, el engaño, la traición, el interés, la culpa, el perdón, el castigo, en fin… toda una gama de emociones, Fincher toca también  fibras sensibles en la cultura americana, críticas a los medios, a la alienación, la corrupción de la información, los casos reales inconclusos y similares al del filme que han tenido grandes despliegues en la TV, e igualmente de los imaginarios que predominan en la sociedad americana, que suele ser letal en el encumbramiento y hundimiento de sus ídolos, siempre esperando un final feliz… 

Excelente dirección de Fincher, al igual el guión de Gillian Flynn, buena fotografía y banda sonora. Sobre el reparto, lluvia de flores para Rosamund Pike, quien brilla en cada escena en que aparece, a comparación de Affleck, que con un papel donde le toca hacer de soso, él se siente con gran naturalidad, convenciéndonos de que su verdadero papel debería estar tras las cámaras, donde ha demostrado hacerlo mejor.

En fin, película imperdible, y cine de Hollywood de calidad. Y aunque no es perfecta, porque hay momentos donde se dilata un poco la acción en algunas escenas, en realidad nada puede desbaratar lo que el mismo director construyó y destruyó en los anteriores 149 minutos de alta emoción e intriga. 

8.5/10


Trailer de Gone Girl
Frases y Diálogos de la película

Relatos Salvajes (Damián Szifrón)

Uno de los estrenos más esperados desde su presentación en el Festival de Cannes, donde fue uno de los filmes más aclamados, aunque finalmente no alcanzó ningún premio. Pero posteriormente ha sido presentada en varios festivales, logrando curiosamente el Premio del Público en varios de ellos. Lo que justifica que hoy en día se haya convertido en la película argentina más taquillera de la historia. El público y gran parte de la crítica la ha aclamado, siendo seleccionada para representar a Argentina en los Oscar y en los Goya. Y debo decir que tiene muchas opciones.

Damián Szifrón ya tenía experiencia en dirigir y escribir episodios o capítulos de una serie, por su experiencia en “Los Simuladores”, de la que creo haber visto algunos episodios, y “Hermanos y Detectives”… Regresó este año con una película de episodios, un compendio de seis cortometrajes unidos bajo el título general de “Relatos Salvajes”. Él mismo escribió y dirigió todas estas historias, con la producción y confianza de los Hermanos Almódovar. Y antes de hablar de la sensación que me dejó en general, debo hablar de cada uno de los cortometrajes o episodios que conforman el filme: 

Pasternak:

El relato más corto que da inicio al filme, justo antes de que aparezca el título del filme en pantalla. Desvela inmediatamente uno de los temas predominantes en las historias: el de la venganza. En un avión se ven atrapados concidencialmente diversas personas que en el algún momento de sus vidas tuvieron que ver con un tal Pasternak, y con quien tuvieron algún problema. Pasternak es quien conduce el avión… jejeje Muy divertido, y se nos revela otro de los ingredientes que acompañarán a todos estos relatos: el humor, corrosivo, ácido y negro. Y con esto se abre el telón.  

Las Ratas:

Interesante relato, donde la venganza nuevamente es protagonista. Una mujer trabaja con una ex convicta en un restaurante en un lugar alejado y solitario en medio de una carretera. En plena noche llega al sitio un hombre que la mujer reconoce hizo mucho daño a su familia en el pasado. La cocinera ex convicta propone envenenarlo… Tiene buen ritmo, el papel de la cocinera es muy bueno, representa en cierta forma los impulsos “asesinos” o determinantes que a veces tenemos, pero que la línea de la cordura y la moral nos hace replantear. Esa pequeña línea varía de acuerdo a cada situación, sin importar el tipo de persona que se ponga a prueba. Es una de las historias más flojas. 

El más fuerte:

Sin duda uno de mis favoritos. Nuevamente la venganza, la perdida de la cordura y muy divertida y un poco bizarra. Dos conductores se cruzan en una solitaria carretera y se enfrentan en una pelea, que los lleva a extremos inesperados. Aquí se resalta una de las fortalezas de todas las historias, que es la parte técnica, muy bien ejecutada, buena fotografía, que hacen resaltar a esta descabellada historia. 

Bombita:

Este creo que es uno de los relatos más largos, al mismo tiempo de los menos bizarros y descabellados, porque se centra en otra perspectiva y otros temas, un poco más de crítica y menos espectáculo, lo que para nada la desfavorece. Al contrario es un poco más humana y cercana al espectador, que seguramente se sentirá identificado. Aquí si hay que hablar del protagonista, el gran Ricardo Darín, quien se enamoró de este papel y le dijo al director que era el que quería interpretar. Bombita, puede ser un ciudadano cualquiera, en cualquier sitio que se ve increíblemente alterado en toda su vida, cuando decide revelarse por un momento ante el sistema. Todas las instituciones dejan de funcionar para él, desde las públicas, las privadas, hasta la de su propia familia… Además de distintas críticas a cada una de las instituciones anteriores, se ve en el tramo final otro detalle interesante en el papel de los medios de comunicación y la tecnología. Sin duda, uno de los más interesantes. Y Darín, muy bueno como siempre. 

La Propuesta:

Acá tenemos otras de las más divertidas, al menos para mí. También con algo de crítica, y un drama de por medio, una situación que quizás vemos en cada momento en cada uno de nuestros países, un joven adinerado atropella a una mujer embarazada, y en la casa del joven: el fiscal de turno, el abogado de la familia y el padre del chico, planean la versión que se manejará para la prensa… Ambición, engaño, impunidad, en fin, e incluso tragedia, pero en esta parte especialmente el guión tiene mucho peso, muy ingenioso en manejar las situaciones con sutileza y hacer reir al espectador por las mismas particularidades del ser humano, y como reacciona y actua frente al dinero. Es otra de mis favoritas. 

Hasta que la muerte nos separe:

Y la historia final, uno se imaginaría que se deja la más impactante para el final. Y sin dudas es impactantes en diversos sentidos, nuevamente desde el punto de vista técnico es muy destacable, aunque en el argumento no es la más original, cayendo en distintos clichés, pero que logra salvar en ocasiones con escenas muy buenas… en especial cuando todo se sale de contexto… La novia se entera en la celebración de su boda que su novio le es infiel con una de las invitadas… Y de ahí parte toda la locura… No es la más original, y tampoco de mis favoritas, pero reconozco que tiene escenas valiosas y goza de cierta espectacularidad, intensidad e impresión, que justifica su posición en el broche final.


Luego de repasar en cada una de las seis historias todos los aspectos con que goza el filme en general. Debo decir, que me alegra enormemente que en América Latina se empiece a realizar producciones de este tipo, y fue Argentina, una de las industrias que nos ha dado tan buenas películas en las últimas décadas… Creo que sólo en dos de las historias aparece un mismo personaje, el de “El más fuerte” que también sale en “Bombita”, lo que me hace preguntar como hubiese funcionado el filme si el director hubiese tratado de unir todas las historias en una, relacionando aunque fuese de forma mínima los personajes… Sin dudas era más ambicioso y de mayor riesgo, pero imagino que pudimos haber tenido una Crash o Babel lationamericana, y diversos ejemplos de historias cruzadas, y sin dudas hubiese generado mayor impacto… lo que requería más esfuerzo del director, que presentar en el formato de cortometrajes independientes. Porque sin dudas, aunque el formato en que es presentado es muy bueno y gusta al espectador, también no deja de ser una debilidad… Pero es sólo una visión personal y desde otra perspectiva… Porque a pesar de todo, la mayoría de las historias me gustaron, hay una mezcla de ingenio, humor, violencia, crítica, venganza y buena ejecución técnica que merece ser reconocida… aunque dejo la espinita, que pudo ser mucho mejor… Por el momento y la puntuación general teniendo en cuenta todos los cortos:

7.5/10

Trailer de Relatos Salvajes

La Mejor Oferta (Giuseppe Tornatore)

La última película del director de la inolvidable “Cinema Paradiso”, la decidí ver con muchas reservas, además del horrendo póster, también me frenaba un poco ese bajón que había tenido el director desde hace un tiempo. La película fue la gran ganadora en la última edición de los premios David di Donatello (los oscars italianos), y sin dudas es de los filmes más interesantes que he visto en el año, aunque no es una ovación completa. El género no es nuevo para el director, que ya ha incursionado en el thriller y la intriga en filmes anteriores. 

Dirigida y escrita por Tornatore, el filme nos muestra la historia de un experto en arte y agente de subastas muy famoso, llamado Virgil Oldman. Virgil, además de su extenso conocimiento en el arte, es un hombre solitario, obsesivo y maniático. Virgil gracias a su enorme talento y audacia ha logrado reconocimiento, una gran fortuna y una envidiable colección de arte privada, de cuadros famosos con hermosas mujeres e importantes mujeres en su superficie. Hasta que un día, Virgil es contactado por una joven mujer que lo contrata para evaluar y vender las obras de arte heredadas por su padre. Esta misteriosa mujer al inicio no se muestra físicamente por sufrir de una extraña enfermedad, lo que llama la atención y curiosidad de Virgil (además de algunas piezas que llaman su atención), y cambiará prácticamente todos sus hábitos y su vida en general. 

El filme me ha resultado muy interesante, la base de la historia es muy llamativa y arranca con gran fortaleza, capturando inmediatamente la atención del espectador, que poco a poco va cayendo en la red que empieza a hilar Tornatore. Hay varios momentos de gran cine, que te recuerdan que detrás de cámaras hay un gran director. Sin embargo, también hay momentos, sobre todo llegando o pasando el ecuador del metraje, en que visiblemente se hace larga y se hacen evidentes algunas fisuras en el guión. Te lleva a preguntarte al final si eran necesarias algunas escenas dentro de los 124 minutos que dura toda la película. 

Aunque finalmente, la película logra salir bien parada, a pesar de sus evidentes fisuras, la película cumple, hay varios temas presentes, el engaño, la falsedad, lo auténtico, en fin, esa comparación entre las obras de artes y la propia vida con todas sus emociones. Todo esto, hace que al final queden algunas huellas en la mente del espectador tras el visionado, los distintos cambios en la trama, el aumento del ritmo y la intriga, pero sobre todo, la película logra permanecer en tu memoria, por el buen hacer de un notable reparto, encabezado por uno de los grandes actores vivos, el señor Geoffrey Rush, quien se transforma y da vida al excéntrico Virgil Oldman y borda su personaje en todo sentido, acompañado de Sylvia Hoeks, Jim Sturgess y Donald Sutherland, quienes también hacer un sobresaliente trabajo. 

En síntesis, una película muy interesante con muy buenos momentos, con algunas fisuras, y que pudo ser mejor. Pero en general, es un trabajo efectivo, en donde el sentimiento de satisfacción y sorpresa no se pierde y te mantiene pegado a la pantalla. Y donde podrán ver otra excelente actuación de Geoffrey Rush, quien es el gran protagonista y motor del filme. Por todo esto:   

6.5/10

Trailer de La Mejor Oferta

Frases de la película