Mostrando entradas con la etiqueta Cine Independiente USA. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Cine Independiente USA. Mostrar todas las entradas

sábado, 8 de noviembre de 2025

Reseña de la película: Good Boy (Ben Leonberg) - 2025 / U.S.A.

Reseña de la película: Good Boy


Hace unas semanas se estrenó en salas de cine (en Cartagena en La Plazuela/Sao) la película "Good Boy", que es una película de terror con la novedad de ser retratada bajo la perspectiva de un perro. La película nos muestra a un hombre que al parecer está muy enfermo, con alguna enfermedad terminal (se puede atisbar como un cáncer de pulmón avanzado o algo parecido), quien ya ha sido tratado o internado varias veces, mientras su perro fiel queda al cuidado de su hermana. Cuando vuelve a salir del hospital, Todd decide mudarse con su perro a una casa rural, que perteneció a su abuelo, quien falleció en el lugar en extrañas circunstancias. Desde antes de mudarse el perro empieza a percibir sombras y fuerzas sobrenaturales que acechan su entorno y se ciernen alrededor de su amo, pero estos eventos se intensifican cuando se mudan a la casa del abuelo. El perro debe lidiar con los cambios de humor de su amo, quien parece abatido por su enfermedad, y las fuerzas sobrenaturales que amenazan por la vida de los dos. 




Reseña de la película: Good Boy


La película tiene una premisa muy interesante y la perspectiva del perro es cautivante, original y aterradora por momentos, logrando despertar en el espectador mucha tensión, pero el problema que tuve con la película es su forma o ejecución, pues sentí por muchos momentos problemas con la fotografía, las tomas (aunque tiene algunas afortunadas) y la edición, porque quizás no fueron plasmadas de forma óptima, y el resultado se ve muy poco pulido, y por momentos sentí estar viendo un proyecto estudiantil, que no es algo malo, pero solo para resaltar lo poco cuidada en los detalles que se ve por muchos momentos, así como la poca sutileza en su ejecución, más las escenas bastante clichés del género, que en realidad no molestan. Pero también pensé que quizás ese aspecto era algo que conscientemente el director quiso tener o plasmar, por alguna razón. Porque hay películas de terror o de otro género con bajo presupuesto que logran ser más cuidadas en el aspecto técnico. 




Reseña de la película: Good Boy


Pero aparte de ese detalle, debo decir que la disfruté en su mayor parte, y me quedó la idea de que pudo ser mucho mejor. Creo que el guión es muy destacado, pues me encanta cómo el monstruo o fantasma-sombra que acecha al perro y su dueño, al final vemos que tiene la apariencia de una enfermedad, precisamente la del cáncer de pulmón, siendo una masa negra y fangosa que busca desesperadamente llevarse a Todd (quien como los demás humanos que aparecen muy poco y casi siempre en plano inferior, siempre ocultando su rostro, haciendo más real la perspectiva visual del perro). Me gustaron mucho los elementos oníricos, su estructura narrativa y esa metáfora de la enfermedad en forma de muerte, que acecha internamente al humanos, y al perro en sus sueños y en sus sentidos más agudos. Hay además un giro interesante al final, que nos muestra cierta complejidad en la concepción de esta idea, y el paralelismo que hace con la muerte del abuelo, quien también tenía un perro fiel de compañía.




Reseña de la película: Good Boy


Creo que es una película muy interesante que transmite constante tensión, a la vez ternura, y eventualmente un bello intento de retratar el duelo de una mascota por su amo, más los temores al percibir la próxima extinción de ese ser del cual depende y es su todo. Y por supuesto, por último, y para nada menos importante (porque es el corazón y quien lleva el peso de toda la película), el perro, quien en la vida real es el perro del director y su nombre es Indy, es excelente y totalmente verosímil.


Tráiler de Good Boy - (Link 1)




Reseña de la película: Good Boy

 


miércoles, 25 de enero de 2017

Manchester by the Sea (Kenneth Lonergan)

Kenneth Lonergan


"Manchester by the Sea" es un PELICULÓN. Por primera vez siento que las favoritas al Oscar si son de las mejores películas del año. Aunque Moonlight y Manchester by the Sea, estén un poco por encima de La La Land.



Casey Affleck


La tercera película de Lonergan, luego de la interesante "Puedes contar conmigo", y la fallida y considerada película maldita, "Margaret"; es para mi su mejor película hasta la fecha. Tiene muchos logros. El guión es estupendo, escrito por el mismo Lonergan. La historia se siente y está bien estructurada y dosificada. La dirección también es delicada e intimista, la atmósfera del filme, las tomas del paisaje y de los personajes, junto con la excelente música, logran verdaderas sinfonías emocionales, que hacer desplomar al espectador.



Casey Affleck


Las actuaciones son estupendas, especialmente por los dos perosnajes masculinos, que son el motor del filme, y la construcción del verdadero lazo del dolor: Casey Affleck y Lucas Hedges; el primero, retratando magistralmente a un hombre aparentemente pacífico con un gran dolor del pasado que aún no ha podido olvidar. Y el segundo, como el joven que lidia con una pérdida importante. Y como ambos manejan el dolor, hacen catarsis y afrontan la realidad. Sin dejar de mencionar a la siempre excelente Michelle Williams, que aunque no sale mucho en pantalla, tiene un papel importante y sus pocas escenas son muy sentidas y se adhieren de gran forma con la propuesta del director.



Lucas Hedges


Además, la película tiene algo brillante en su guión, y es algo muy difícil de lograr en el cine, y esa mezcla magistral de drama y momentos tristes con momentos de humor, haciendo que la película sea oscura y luminosa al tiempo. Esos contrastes son seguidos y se hacen con destreza. 



Michelle Williams


En síntesis, una película emotiva, triste, real, auténtica, luminosa, y muy humana. Una de las mejores películas del 2016. Imperdible, uno de los Must See del año. Y por supuesto, sube a los primeros puesto de mi lista de lo mejor del año 2016.

Nota: Pendientes a la escena donde sale el director Kenneth Lonergan.

9/10 


Trailer de Manchester by the Sea





sábado, 7 de febrero de 2015

Whiplash (Damien Chazelle)

Damien Chazelle



Whiplash de Damien Chazelle fue una de las películas que empezó haciendo mucho ruido desde inicios del años pasado con su triunfo en el Festival de Sundance, donde logró el premio a Mejor Película y el premio del Público. A partir de ahí, y hasta la temporada de premios a finales del año pasado se fue erigiendo con uno de los filmes del 2014. Es tanta la intensidad que maneja esta película, que cuando terminó sentí que descansaba o que volvía a respirar nuevamente. 

Cuenta la historia de un joven baterista de jazz ambicioso, que sueña con entrar dentro de un prestigioso conservatorio de música, el cual es dirigido por Terence Fletcher, un profesor cruel, despiadado y exigente que ha tenido como norma llevar a sus alumnos a sacar lo mejor que tienen dentro de ellos, a través del trabajo duro y llevándolos a límites inesperados. Andrew tiene su oportunidad, y desde el primer momento conoce la verdadera cara de Fletcher y el origen de su fama, lo que hará que la vida de Andrew tomé un giro y ponga en orden sus prioridades.  

Me han parecido muy merecidos todos los elogios que ha recibido... Es una película muy física,  nunca es complaciente ni predecible, desde las entrañas refleja el costo verdadero de destacar en cualquier disciplina...  Teniendo en cuenta el tema de superación, tan trillado en el cine, impresiona que lo que pudo ser un drama de superación edulcorado, se transforma en casi un thriller psicológico, muy intenso e impecable. 

Gran dirección, un notable montaje y una mención especial, aunque diría de honor para sus dos protagonistas, el joven Miles Teller y J.K. Simmons, increíbles ambos, y creo que el mejor duelo actoral del 2014. Cruel, brutal, intensa, asfixiante y poderosa en todos los sentidos. Entra con mucha fuerza a mi top de los mejor del 2014. Y si, me parece una Obra Maestra a la que no le sobra ni le falta nada. Imperdible. 

9.5/10


Trailer de Whiplash
Frases y Diálogos de la película





J.K. Simmons



J.K. Simmons



Miles Teller



Miles Teller



Miles Teller



Miles Teller



J.K. Simmons

miércoles, 29 de enero de 2014

Fruitvale Station (Ryan Coogler)

Comentario de la película Fruitvale Station





“Fruitvale Station” es la ópera prima del joven director y guionista americano Ryan Coogler, que fue presentada en el prestigioso festival de cine independiente de Sundance, a principios del año, en donde se alzó con el premio mayor, y que luego recorrió Cannes en la sección “Una Cierta Mirada”, cosechando éxitos y reconocimientos donde es presentada, y así se ha ido perfilando como una de las películas indie con más opciones para llegar hasta la temporada de premios que inicia en septiembre. 

Dirigida y escrita por Coogler, el filme narra la historia real de Oscar Grant, un joven de 22 años que se vio envuelto en una pelea en la celebración de la Nochevieja del 2009. Los hechos ocurridos en Oakland, Claifornia, específicamente en la estación de Fruitvale, donde luego de un altercado en uno de los trenes, los policías irrumpen y de forma violenta capturan a Oscar con sus amigos, donde finalmente uno de los policías dispara por la espalda a Oscar en un forcejeo. El suceso quedó grabado por varias personas que viajaban en el tren, que indignadas grababan con sus celulares lo que ocurría. 

La película me pareció muy interesante, al tiempo que una sobresaliente presentación de este joven director del que esperamos escuchar en el futuro. Esta “recreación de los hechos reales” se convierte al mismo tiempo en un homenaje a los marginados, a las personas que nacen en un entorno difícil, que intentan crecer y superarse, pero que muchas veces el mismo entorno hace fuerzas para no dejarlos salir. Oscar, es la imagen que representa a esta población, presentan su vida y parte de su pasado, ha tenido problemas con las autoridades por drogas, pero tiene a una esposa, una madre y una hija, que representan el motor que lo mantiene vivo con las esperanzas de cambiar. Lo que he mencionado sobre esas ocasiones en que el entorno te dificulta salir adelante, queda de manifiesto en una hermosa y triste escena, representada en la metáfora del perro callejero, que minutos después de jugar con Oscar, es atropellado por un conductor que no se detiene y sigue su curso a toda velocidad. Esa imagen del canino en la vía sin nadie que lo ayude, que le importe y se interese por él, es tan triste, que se contrasta con la misma situación de Oscar. 

Esta historia ocurrió en pleno año 2009, la disputa en el tren fue con racismo y la posterior lucha y estigmatización de los policías también fue por causas similares, lo que nos lleva a preguntarnos sobre aquellas personas que se quejan del exceso de películas sobre el racismo y la esclavitud, sobre todo aquellas que acapararon parte de las premiaciones del pasado año, y con otras nuevas producciones en este año. Aunque nos sintamos abrumados por esas producciones, hay que reconocer que lamentablemente el problema aún es muy real y común, y debería darnos vergüenza y tristeza no haber superado aún los estigmas de nuestros antepasados. Es por esto, que se seguirán haciendo aún mucho más películas sobre el tema para tratar de generar conciencia, como es una de las tantas funciones del cine. 

El filme dura 90 minutos, que quizás se hacen un poco cortos, pero me pareció efectivo en la forma de tratar el tema, sin llegar a excesos o extremos a los que fácilmente pudo haber llegado por su temática, sin grandes pretensiones y en un tono casi documental con una constante cámara en mano que se moviliza al compás de la acción del filme. También me gustó el detalle de los celulares, al aparecer en pantalla la imagen de los móviles, así como los mensajes y las llamadas que recibían. He leído que algunos críticos han comentado que abusa de la temática para generar indignación en el público y ser manipuladora, pero a mí me pareció un planteamiento muy real, quizás si contiene algunos fallos evidentes, pero están llevados con gran efectividad.  

El reparto, es una de las fortalezas de la película, ya que tiene dos actores muy importantes a resaltar, primero, Oscar, que es interpretado por el joven actor Michael B. Jordan, a quien ya viéramos en “Chronicle” el año pasado, hace realmente una destacable interpretación, siendo el centro de la trama y alcanzando los distintos matices de Oscar, dureza, sensibilidad y expresar con acierto sus luchas internas.  Por el otro lado, la madre de Oscar, Wanda, interpretada por la ganadora del oscar Octavia Spencer, quien nuevamente demuestra su talento como actriz dramática, aunque su tiempo en pantalla es corto, logra acertar cada vez que sale. Y en general, el resto del reparto cumple, con una mención especial a Melonie Diaz, quien interpreta a Sophia, la novia de Oscar. 

El tramo final es de gran intensidad, me pareció muy bien filmada, todos los acontecimientos en la estación de Fruitvale. Pero al final también quedé con un sabor agridulce, luego de toda esa intriga de repente te enfrentan a un final cortante, que si bien es entendible, deja un poco desconcertado al espectador. 

En síntesis, es un buen filme, no es perfecto, es un filme que a pesar de su sencillez tiene momentos tan potentes y poderosos que se te quedan en la cabeza luego de terminar el visionado. Es un merecido homenaje a la víctima, a los marginados y sobre todo un llamado de atención sobre el mismo caso que aún hoy en día espera que se haga justicia, luego de que el oficial que disparara contra Oscar, haya enfrentado una pena muy inferior a la del crimen que cometió, por considerarse homicidio involuntario. Por todo esto:

7/10


Frases de la película





Michael B. Jordan



Michael B. Jordan



Octavia Spencer



Michael B. Jordan

sábado, 25 de enero de 2014

Sound Of My Voice (Zal Batmanglij)

Comentario de la película Sound of my Voice




En el 2011 escribí la reseña sobre el filme “Another Earth”, ópera prima del joven cineasta americano Mike Cahill, una historia de ciencia ficción que recibió diversos reconocimientos y fue la primera presentación del dúo Mike Cahill y Brit Marling, esta última la actriz que protagonizó y coescribió el guión de dicho filme. Ambos salieron a la luz y se proclamaron como grandes promesas del cine independiente de USA. En ese mismo año, se estrenaba otro filme de otro joven cineasta que conocía muy bien a los dos personajes anteriores. Zal Batmanglij estrenaba su ópera prima “Sound of my voice”, nuevamente protagonizada y coescrita por Brit Marling. La actriz, musa, colega y amiga de ambos directores. Al parecer los tres se conocieron en la Georgetown University, donde estudiaban economía y antropología. Zal conoció a Mike en una clase de filosofía en la universidad, y decidieron hacer un cortometraje para participar en el Georgetown Film Festival, donde incluso ganaron el premio. Brit Marling, quien vio y quedó encantada con el cortometraje, los contactó y les preguntó si podía trabajar con ellos. Fue así como los tres emprendieron su viaje a Los Ángeles y empezaron sus respectivas carreras. Siendo hoy en día los tres, rostros reconocibles y prometedores en el cine independiente de USA. Brit Marling protagonizó y coescribió las óperas primas de ambos y también participará en el segundo proyecto de ambos. Ya había escrito sobre “Another Earth”, la ópera prima de Cahill, ahora hablaré sobre la ópera prima de Zal Batmanglij: “Sound of my voice”:
Ópera prima del joven director Zal Batmanglij y coescrita entre él y la excelente actriz Brit Marling, la película cuenta la historia de Peter y Lorna, una pareja de periodistas que se infiltran en una secta, con el fin de recolectar información para desenmascarar y denunciar al grupo y a su líder, Maggie, una hermosa y enigmática joven quien afirma venir del futuro. Al conocer a Maggie y seguir los ritos de la secta, la pareja de periodista descubrirán muchas cosas que les harán replantearse sus objetivos y su propia relación. 

El filme me gustó y me parece que representa otro gran ejemplo de lo que se puede hacer con talento y poco presupuesto. Es un thriller hipnótico, rodado con sutileza y respaldado con excelentes actuaciones. La trama te atrapa desde el inicio y te envuelve hasta un final que sorprende y te deja impactado, como ya pasaría en el caso de “Another Earth” de Cahill. Parece que este trío de amigos y colaboradores tienen varios puntos en común, en abordar distintos temas desde particulares perspectivas, generar cierto impacto, dar una guía pero no responder preguntas, dando al espectador la libertad de sacar sus propias conclusiones.

En la película se aborda el tema de las sectas o grupos religiosos, en este caso formado con una joven que dice venir del futuro. Una líder misteriosa pero a la vez carismática que ha formado un grupo importante de fieles. Es interesante la evolución de la pareja infiltrada, quien al inicio están convencido de que destaparán una farsa, y como poco a poco en uno de ellos surge la duda, la confusión por su misión y entre ellos mismos. Toda esa intriga, el director logra trasladarla al espectador, quien también deambula entre los distintos terrenos de veracidad. Hay algunas críticas visibles y camufladas en los diálogos, a la psicología y las mismas organizaciones y sectas, entre otros. Cuando al final, estamos casi seguro de tener cierta certeza sobre el asunto, la historia toma un rumbo que pone de cabeza todo lo se venía hilvanando y concluyendo. Aunque algunas personas critiquen el final, a mi me ha gustado. Pero finalmente, todo el filme se mantiene por las excelentes actuaciones del reparto, principalmente de la pareja de infiltrados, Christopher Denham y Nicole Vicius, que realmente destacan y viven sus personajes; sin olvidar a la líder de la secta, Maggie, interpretada por la estupenda Brit Marling, quien siempre brilla en pantalla.  
En síntesis, un trabajo muy bueno con un tema muy interesante, con muy buen ritmo, dosificación y sorpresas, acompañadas de muy buenas interpretaciones. Por todo esto:  

7/10


 





Brit Marling



Nicole Vicius



Christopher Denham



Brit Marling

martes, 4 de junio de 2013

Upstream Color (Shane Carruth)





Shane Carruth es un matemático y ex ingeniero, que un día decidió que quería hacer cine. En el año 2004, con un presupuesto de $7.000 dólares, cifra absurda para muchos directores para hacer una película, presentó su ópera prima “Primer” en el Festival de Cine Independiente de Sundance. El filme revolucionó el festival y ganó el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película y recibió miles de elogios en los lugares que era presentada, por su complejo, enigmático y excelente guión que trató de retratar la forma en la que muchas veces nacen los grandes inventos, por accidente y casualidad. La película demostró que para hacer cine no se necesitaban grandes presupuestos, y que bastaba con tener talento. Carruth no estudió cine pero todo lo aprendió mientras hacía el filme, de forma autodidacta. La dirigió, escribió el guión, compuso la música, se encargó del montaje y la fotografía, y además de eso protagonizó el filme. 

Casi 9 años después, Carruth volvió a presentar un nuevo trabajo, nuevamente en Sundance, “Upstream Color”. La película, contiene muchos de los ingredientes de su ópera prima, se mantiene el minimalismo, lo que nos hace pensar que hubo un poco más de presupuesto, pero el director mantuvo su estilo, dejando el mayor trabajo a su talento tras la cámara, que aquí debo decir, borda por todos los lados. Nuevamente hace de todito, dirigiendo, escribiendo el guión, componiendo la música, encargándose del montaje, la fotografía y actuando. 

La película cuenta la historia… déjame ver, es un poco difícil describir en una sinopsis del contenido del filme, sin develar algo importante de la trama, sobre todo después que la he visto dos veces y la he comprendido un poco mejor. Así que tratando de resumir, digamos que cuenta la historia de un hombre y una mujer, que se encuentran en un momento de sus vidas en donde han perdido el equilibrio de la misma y que además comparten similitudes que al inicio desconocen. En paralelo, desde el inicio se presenta a un hombre misterioso, que maneja un negocio con unos gusanos especiales que contienen una sustancia que tienen una reacción desequilibradora en el ser humano. 

Por el momento, eso es todo lo que contaré de la historia. Es uno de esos filmes en el que tienes que estar atento a todo, porque todo tiene un significado y está concebido para que el espectador vaya construyendo, estructurando y asimilando la trama. Es notable la capacidad del director en estructurar sus filmes y la historia, poner todo al servicio para introducir símbolos y dejar rastros, huellas, que ayuden al espectador a además de entender trama, atisbar algunos mensajes ocultos del director. Todo esto es gracias al gran montaje que el mismo Carruth construye. 

La película me parece una bella rareza, una historia interesante con tintes surrealistas, rodada bajo el lente de un gran artista. Porque el director construye una pieza de arte totalmente hermosa y altamente artística. Lo que hace, que aunque no entiendas un poco la trama al inicio, eso no evita que te sientas hipnotizado ante las prodigiosas escenas rodadas por el director. 

“Upstream Color”, al final me parece una enorme y bella metáfora sobre el control social, la alienación moderna y el concepto del hombre máquina. Todo este cuento contado de forma muy original y particular. 

Como mencioné al inicio, hay muchas relaciones entre este filme y su ópera prima “Primer”, pero algo nuevo que veo en Carruth, es que aunque mantiene su racionalidad inherente, en este filme veo una gran sensibilidad. Una sensibilidad tanto en el guión en menor proporción, pero sobre todo en su forma de dibujar con la cámara un hermoso lienzo que habla por sí mismo, con los continuos trazos de arte puro que dibuja en el mismo. Hay mucha poesía visual que me recuerda a mi venerado Terrence Malick, lo cual me emociones y me hacer admirar mucho más a su director. 

También, antes de finalizar, es importante la mención al libro “Walden” de Henry David Thoreau, una obra tan fascinante y enigmática, que escritores notables como el mismo Paul Auster, que en su trilogía de Nueva York, específicamente en la segunda parte titulada “Fantasmas”, hace una continua mención del libro, que en cierta forma argumenta la importancia del contacto con la naturaleza para generar un sentimiento de libertad en el ser humano. Aquí Carruth no la incluye de forma arbitraria, también funciona para entender la esencia de la trama.  

Y no puedo olvidar las excelentes interpretaciones de ambos protagonistas. Sin duda viven sus personajes y son siempre creíbles. La joven revelación Amy Seimetz y el polifacético Shane Carruth.  

En síntesis, creo que estamos sin duda ante uno de los filmes del año, ante el crecimiento de uno de los directores más prometedores dentro del panorama mundial y ante una obra abstracta e hipnótica de principio a fin, racional y con una abrumadora sensibilidad. Planos y tomas con mucho cuidado y detalle, todo un deleite de principio a fin. Hoy en día, ante la falta de nuevas ideas en el cine y de nuevas perspectivas, se agradecen mucho estos filmes. Y la versatilidad del director, es simplemente digna de los más grandes elogios. Por todo esto: 

8.5/10



Frases de la película