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sábado, 22 de agosto de 2026

Reseña de la película: En el camino (David Pablos) - 2025 / México

Reseña de la película: En el camino


Hace unas semanas llegó a carteleras limitadas del país el estreno de esta película, dirigida por el joven cineasta mexicano, David Pablos, quien dirigió en el 2020 otra película queer, “El baile de los 41” de Netflix. En “On the road”, Pablos nos cuenta la historia de un joven desamparado, llamado Veneno, quien suele, como otros jóvenes de su edad, acostarse con camioneros o mafiosos para poder sobrevivir en las dificultades de su entorno, con paisajes desérticos y abandonados del norte de México. Un día Veneno se mete en un problema y huye hasta encontrarse con un camionero, al que llaman Muñeco, quien lo acoge y deja que lo acompañe por un tiempo. 




Reseña de la película: En el camino


La película cuenta una historia que ya se ha contado varias veces dentro del mismo género LGBTQ o Queer, del hombre mayor que acoge a un joven homosexual desamparado, pero es interesante cómo Pablos intenta narrar la historia con algunos aspectos distintivos, como adentrarnos al mismo mundo de los camioneros, como hizo recientemente la película “Pillion” con los moteros, y retratar ese interesante universo, de los hombres que viven en la carretera, la hiper masculinidad que manejan, y a la vez, el homoerotismo que rodea al mismo gremio, entre otros detalles muy interesantes, que reflejan una vida itinerante y solitaria.   




Reseña de la película: En el camino


Pero aparte del mundo de los camioneros, me gustó el cuidado en el aspecto visual que maneja el director, pues pude sentir influencias o me hizo recordar estéticamente al cine del director brasileño, Gabriel Mascaro, quien en varias de sus obras mezcla de forma excelente y efectiva el realismo con elementos oníricos y un simbolismo visual que sirve de elemento narrativo para completar o ayudar a entender mejor a los personajes, y lo que callan (en el caso de la masculinidad, como en su película “Boi Neon”). Creo que Pablos lo hace muy bien, y esos momentos oníricos funcionan muy bien, así como los mismos flashbacks que van desvelando el misterio del pasado de Veneno. 




Reseña de la película: En el camino


Creo que es una película muy bien estructurada, que dentro de las cosas terrible que muestra, retrata y denuncia, también permite que crezca un bello romance, en donde ambos deben superar sus miedos y sus fantasmas, las ideas de masculinidad y el abuso, para dar paso al descubrimiento de la sensibilidad, la intimidad y sus propios deseos ocultos o reprimidos. Me gusta que no se regodea en la violencia y la tragedia, como suele ocurrir, sino que se permite el espacio para mostrar los aspectos más vulnerables, sin temor a explorar el deseo y con algo de esperanza en su definición.      




Reseña de la película: En el camino


En síntesis, es una película muy interesante, que mezcla el drama romántico queer con el thriller, la road movie o el género de viaje en carretera, mientras explora el universo de los camioneros en el norte de México, en donde conviven la violencia y presencia del tráfico de drogas, con la prostitución masculina y el abandono en un entorno machista e hipócrita. Mientras los personajes al conocerse entran en conflicto con ese estilo de vida, y juntos van encontrando un espacio de paz, calidez y seguridad que nunca habían conocido, lo que les hace replantearse todo hasta ese momento y tomar nuevos caminos en la búsqueda de sus respectivas identidades. Muy bien el trabajo de los protagonistas, el joven Veneno (Victor Prieto) y Muñeco (Osvaldo Sanchez), que logran una buena química en conjunto. La película ganó el premio a Mejor película en la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2025, en donde también ganó el Queer Lion Award.




Reseña de la película: En el camino

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

miércoles, 18 de febrero de 2026

Reseña y Análisis de la película: "Wuthering Heights" (Cumbres borrascosas) de Emerald Fennell - 2026 / UK / En Cines

Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


No he leído aún la novela de Emily Brontë y sólo sé generalidades, así que no me centraré en esas comparaciones entre libro y película, aunque sí me gustaría mencionar antes algo en referente a lo literario, y son los evidentes paralelismos entre la historia de Brontë y la novela de Margaret Mitchell, “Lo que el viento se llevó”, que dio a luz a una de las películas más icónicas de la historia del cine. Y pensé preciso en esa historia porque la directora Emerald Fennell decide copiar o replicar literalmente la estética y escenas de la película dirigida a tres manos por Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood y estrenada en 1939 (de hecho el póster es un homenaje directo también). Y cuando uno lo piensa empieza a ver muchas relaciones entre los cuatro protagonistas principales, la relación principal conflictiva, una ama de llaves importante en la trama y escenarios con personalidad propia que contrastan con la personalidad de los personajes (la plantación de Tara en la Guerra Civil, en la novela de Mitchell; y los páramos desolados de Cumbres Borrascosas). Pero bueno, este homenaje estético a esa bellísima y épica historia romántica en Technicolor, me gusta porque logra (y réplica) tomas muy bellas. Pero sí hay que dejar claro, que aunque ambos son grandes melodramas (casi novelones, como los que conocemos bien en Latinoamérica), la versión de Fennell queda lejos de la calidad de su objeto de inspiración.  




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


La película de Fennell (de la que aún lamentablemente no me ha gustado mucho ninguna de sus películas, y al final pondré link de mis posts respectivo) me parece un interesante pero torpe melodrama, que es por momentos salvaje, íntimo y emotivo, pero a la vez, cae en un sentimentalismo exagerado, mientras añade los elementos más psicopáticos entre los personajes principales, pero todo lo anterior alterado en una inconsistencia en el tiempo, que a la vez da paso a una inconsistencia en el tono que quiere trasmitir en general, y en pasajes específicos. Por lo tanto, disfruto algunas escenas e imágenes, y el aspecto técnico en general, el diseño de arte y de producción, la fotografía, y en general los elementos que logran crear una atmósfera que contrasta con las emociones internas de los personajes, pero no se logra un énfasis o una pausa que te ayude a conectar más a fondo con algo, porque la historia necesita avanzar ( y eso que me cuentan que al parecer se omitieron muchas cosas de la historia original). Todo eso hace que mis emociones al estar viendo la película se vayan difuminando durante todo el metraje.




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


Para los que no conocen nada sobre la historia o el libro, “Cumbres borrascosas” narra la intensa historia de amor entre Heathcliff y Catherine Earnshaw en los páramos del condado inglés de Yorkshire. Heathcliff es acogido y adoptado desde niño por el padre de Catherine, y ambos crecen juntos hasta enamorarse, en una relación y vínculo que se encuentra lleno de poder y sumisión, y que mientras crecen va evolucionando en una tensión sexual y erótica no resuelta. La relación de ambos además se muestra imposible por la diferencia de clases sociales y el deseo de Catherine de vivir bien, tener dinero y desposarse con alguien que le ofrezca todo eso. Hay algo que creo que le ha jugado un poco en contra a la película, y es la publicidad engañosa, pues ha sido vendido como una película muy erótica, y para ello contrató a dos de los símbolos sexuales del momento, Jacob Elordi y Margot Robbie, pero la verdad es que la película tiene momentos muy contados que explotan realmente el erotismo de la pareja, pero en general es bastante pobre, e incluso algunas no tan bien rodadas. 




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


El erotismo se extingue rápidamente, así como la química entre la pareja protagonista, pues aunque ambos hacen un trabajo aceptable de forma individual, no siempre tienen o mantienen la chispa en sus escenas juntos, aunque evidentemente se siente y se ve el retrato de una relación problemática, llena de traumas, sentimientos narcisistas, de dominación, etc.,. Y lo pude comprobar con dos grupos de mujeres que estuvieron en la sala muy emocionadas al inicio y con escenas específicas, pero al parecer esperaban también algo más en ese aspecto, aunque creo que en términos generales la película fue efectista y les gustó. Aunque no me gusta mucho el cine de la directora, creo que esta es su película menos arriesgada y más “comercial”, planeada fríamente para el gusto del público masivo y específico (de hecho la actriz y productora hace unos días dijo algo al respecto, confirmando esta idea). En efecto, no hay corazón, calidez, humanidad ni sensibilidad auténtica en nada de esta película (ni auténtica representación de la lujuria, el deseo y la locura). Hay esbozos, que parecen totalmente culpa del material original, que empezaré a leer próximamente, para seguramente encontrar mayor desarrollo del que seguro tiene esta propuesta, con mucho potencial.  




Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)


Y por último, he leído que se compara esta propuesta con el cine de Baz Luhrmann, quien es conocido por su estilo maximalista, frenético, barroco, el uso de música anacrónica pop, la estética teatral, de videoclip y el estilo kitsch, entre otros elementos, que lo ha llevado al adaptar obras literarias clásicas también (y melodramas), pero creo que le han funcionado mejor, porque se entrega totalmente a esa propuesta y se arriesga sin temor a romper todas las reglas posibles, logrando que el espectador se sumerja en esa fantasía. Creo que Fennell intentó hacer algo parecido, y nuevamente digo, creo que lo logra por momentos, pero le faltó tomar un mayor riesgo e irse a algún extremo, como se esperaba que hiciera (viendo su trabajo anterior, que aunque no me haya gustado, se notaban unas búsquedas e inquietudes artísticas interesantes). Pero bueno, son todas las sensaciones que me dejó, y no me parece que sea una película terrible o mala, sino que creo que es efectista, sosa y seguramente encontrará a su público. A mí, al menos, me despertó las ganas de leer finalmente la novela.





Reseña y Análisis de la película: Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

sábado, 9 de marzo de 2024

Reseña de la película: Robot Dreams (Mi amigo robot) de Pablo Berger - 2023 / España / En Cines

Reseña de la película: Robot Dreams (Mi amigo robot)


El director de “Blancanieves” (2012) regresa tras varios años de su anterior película con un largometraje animado, adaptación de una novela gráfica de Sara Varon. La historia se encuentra ambientada en la Manhattan de los años 80, y nos muestra a Dog, un perro solitario que vive sumergido en una rutina que lo absorbe y poco a poco lo consume. Anhela la compañía, la interacción y el amor. Un día ve la publicidad de un robot y decide comprarlo, armarlo con sus propias manos y finalmente convertirlo en su amigo y acompañante. 




Reseña de la película: Robot Dreams (Mi amigo robot)


Poco a poco, la relación de Dog y Robot se vuelve más íntima, con una rutina compartida y un complemento que los llena a ambos y los satisface por parte iguales. Comparten espacio, problemas y hasta una canción. Pero un día llega el Verano, y en una ida a la playa Dog se ve obligado a abandonar a Robot en la playa. Luego pasará el tiempo, junto con la angustia y la relación de ambos cambiará drásticamente. 




Reseña de la película: Robot Dreams (Mi amigo robot)


La forma en que he resumido parte de la sinopsis de la película nos hace pensar en una especie de fábula que evoca las mismas relaciones de pareja, y en efecto lo es. Cuando leía que la película era una especie de “Past Lives Española y animada” no me imaginaba la veracidad de esa comparación, pero en efecto, la película recuerda mucho a lo presentado en “Vidas pasadas”, esa otra hermosa película que también nos habla de amigos, extraños y amantes frustrados que coinciden en su madurez también en Nueva York.  




Reseña de la película: Robot Dreams (Mi amigo robot)


La película tiene una animación muy clásica y sencilla pero muy viva y colorida, además de que es una película muda, pues los personaje no hablan y todo lo expresan con sus expresiones, gestos, miradas y acciones. Me gustó esta inusual historia de amor, que finalmente nos habla de la madurez emocional, de saber dejar ir, de los azares del destino, y lo doloroso pero a la vez revitalizador, transformador y mutable que es el amor. También nos habla de los recuerdos, de la memoria y la felicidad como pequeñas fotografías nitidas en un album lleno de negativos fallidos, difuminados e imagenes borrosas. Una película preciosa, que aunque sea animada no creo que los niños entiendan, y que vale la pena ir a ver. Sigue en carteleras de cine del país. Está nominada al Oscar a Mejor película animada, y aunque no es mi favorita, es una notable nominada. 




Reseña de la película: Robot Dreams (Mi amigo robot)

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

lunes, 20 de noviembre de 2023

Reseña y Análisis de la película: Past Lives (Vidas pasadas) de Celine Song - 2023 / U.S.A.

Reseña y Análisis de la película: Past Lives (Vidas pasadas)


“Vidas pasadas” es la ópera prima de la directora, dramaturga y guionista surcoreana-canadiense, Celine Song, quien como su personaje en la película, Nora, también reside en los Estados Unidos. Nos encontramos frente a un estimulante y precioso debut con rasgos biográficos, que cuenta la historia de dos niños de 10 años en Corea del Sur, quienes se encuentran viviendo y experimentando un incipiente enamoramiento hasta que la niña, Na Young, que cambia su nombre a Nora, emigra con su familia a Canadá, dejando al niño Hae Sung dolido y desconcertado por las emociones que siente y creía eran compartidas. Con el tiempo se vuelven a contactar otras dos veces en intervalos de diez años; primero, cuando ambos están en la Universidad, ella se encuentra estudiando teatro y él, ingeniería. Ambos quedan en contacto y siguen con su amistad, manteniendo una relación epistolar a distancia que los vuelve a unir y a revivir afectos. Hasta que la distancia se hace palpable y mientras más se acercan se vuelven a separar por la imposibilidad de estar juntos físicamente. La segunda vez que vuelven a contactarse, casi otra década después, ya ella se encuentra casada y él acaba de terminar una relación. Finalmente acuerdan encontrarse tras tantos años en Nueva York, en donde ella reside con su esposo. Y el nuevo encuentro vuelve a revivir sentimientos congelados, pero también hace evidentes realidades irreversibles.



Reseña y Análisis de la película: Past Lives (Vidas pasadas)


La película está narrada con una sensibilidad y autenticidad que realmente te llega, te emociona y te conmueve, permitiendo al espectador reflejarse con en esas variedad de escenas, momentos y emociones que transitan los protagonistas: la añoranza del primer amor, la nostalgia, la tristeza, la impotencia, el afecto a las raíces, el miedo, la cobardía, la torpeza, los cambios que transitamos a través del tiempo y cada decisión tomada o que se deja de tomar o se deja pasar.

La fotografía es muy sutil, precisa y detallista, y la dirección aprovecha muy bien los espacios, tanto los cerrados cuando se comunican por cámara web, y en los más abiertos con el simbolismo en la simetría y la distribución en el plano, más los detalles en esos primeros planos o planos medios, en donde los gestos y las miradas dicen todo. Y todos esos elementos más la también sutil banda sonora nos acerca al alma de los personajes, y llegamos a sentir o entrever lo que sienten y especialmente lo que callan. Aquí tengo que resaltar el gran trabajo de los actores: Greta Lee (Nora), Teo Yoo (Hae Sung) y John Magaro (Arthur), quienes realizan interpretaciones muy naturales, cuidadas y sensibles, que se amoldan perfectamente al tono y atmósfera de todo el metraje. 




Reseña y Análisis de la película: Past Lives (Vidas pasadas)


Ese tono y atmósfera son en su mayor parte muy delicados y sutiles, que va intensificándose lentamente hasta alcanzar en varias partes de su tramo final una tensión muy palpable, que se refleja en una contención guardada por los personajes a través de tantos años, y nos hacen imaginar a una especie de fuerzas externas que no se terminan de alinear de alguna forma para permitir que algo ocurra con nuestros personajes principales. Y en esta parte, pienso en otro tema que es importante para la historia, para los personajes y sus culturas, como son las creencias y tradiciones relacionadas con las vidas pasadas, la reencarnación y el destino. Y en pantalla vemos reflejada perfectamente una conexión fuerte pero que por alguna razón no se ve destinada a suceder. Y ese tono y atmósfera que menciono al inicio de este mismo párrafo, que inicia muy sutil y en su tramo final se va tensionando, al mismo tiempo que los acontecimientos de la trama, sigue avanzando lentamente hacia un momento cúspide, que ya podrán verlo cuando la puedan ver, en donde el sentimiento explota y ya nada más se puede reprimir.




Reseña y Análisis de la película: Past Lives (Vidas pasadas)


Me parece una película hermosa, otra de las joyas que veo en este 2023, muy brillante y luminosa, en donde la directora dibuja las relaciones de una forma auténtica, agridulce, generosa, amable, honesta y a la vez punzante, en un doloroso ejercicio poético que logra tocar fibras muy sensibles, las cuales muchas películas han intentado plasmar, y ninguna lo ha hecho tan bien, tan limpiamente y tan bellamente. Muy recomendada.   




Reseña y Análisis de la película: Past Lives (Vidas pasadas)

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

martes, 17 de mayo de 2022

Especial: Dos películas españolas notables del 2021: El Buen Patrón y El Amor en su Lugar

 
 
Quiero destacar en esto post a dos películas españolas del 2021. La primera fue la película española más premiada del año, arrasando en los Goya y recientemente en los Platino del cine hispanoamericano; y la otra, por el contrario, una película que pasó un poco desapercibida pero me pareció muy buena y para resaltar.


 
El Buen Patrón (Fernando León de Aranoa) - 2021 / España / Estreo en Cines
 

“El Buen Patrón” me pareció una película muy entretenida, ácida, ingeniosa, divertida, muy satírica y quizás un poco efectista en algunos momentos, pero la mayoría de sus virtudes son superiores y hacen que el visionado sea muy agradable.

Cuenta la historia de Julio Blanco (Javier Bardem), un empresario exitoso propietario de una fábrica de balanzas industriales en una provincia española. La empresa de Julio ha ganado varias veces el premio a la excelencia empresarial y se prepara para la visita de una comisión, quienes evaluarán sus procesos para decidir y otorgar un nuevo premio. Julio trata que todo siga de la misma forma de siempre, pero justo en esos días varias cosas sucederán que pondrán en riesgo la imagen de la empresa. Problemas con empleados, despidos, corrupción, amenazas, infidelidades, acoso laboral, y toda una serie de problemas, cada uno más grave que el otro, que parece que siempre se habían presentado tras ese manto de perfección y excelencia, salen a flote y ponen a prueba al habilidoso Julio para arreglar todo a tiempo ante de la visita.
 
 

 
 
El director, conocido por esa excelente película “Los lunes al sol” (2002) casi siempre ha mezclado en sus películas el tema social y político, y acá logra construir una fascinante comedia negra que expone muchos de los problemas de la sociedad, y en específico dentro de las empresas y los ambientes laborales, donde siempre existe la subordinación y un poder sobre otras personas, que normalmente lleva a que se generen ciertos abusos. También expone a los hombres de poder corruptos, quienes posan bajo una imagen de excelencia, buenas maneras y formas, el valor de la familia, la importancia de la religión, y en realidad no cumplen ninguna de esas. La apariencia, la manipulación y la mentira al servicio de la historia.
 


 
 
La dirección, el guión, la edición y el ritmo de la película son muy buenos, generando siempre una constante intriga y tensión en la historia, mientras en medio nos ofende, nos aterra y a la vez nos produce crueles carcajadas. El reparto es muy bueno también, pero gran parte del éxito se debe al excelente y particular personaje que recrea Javier Bardem, el señor Blanco, quien genera todos los sentimientos negativos, e incluso logra quizás que sintamos algún sentimiento de empatía en algún momento.

Muy buena película que se estrena esta semana en salas de cine del país y Cartagena. 

 
 
Especial: Dos películas españolas notables del 2021: El Buen Patrón

 
 
 
 

El Amor en su Lugar (Love Gets a Room) de Rodrigo Cortés - 2021 / España / Apple TV-Filmin

 
 

 
 
He visto esta otra película, que me parece de las mejores producciones españolas del año pasado. Me hizo recordar el triste episodio del cerco de Leningrado en Rusia por parte del ejército Nazi, en donde la ciudad fue sitiada y los habitantes se morían de hambre, y fallecieron casi 800.000 al final, en la que es hoy la actual San Petersburgo. Pero hubo algo que mantuvo el espíritu de la gente a flote: la música. No sólo la famosa "Obertura 1812"de Tchaikovsky, que conmemoraba la resistencia rusa ante las tropas napoleónicas en 1812, sino también la de la misma orquesta de Leningrado, la cual desintegrada logró rearmarse con las mismas víctimas y ofrecieron un recital de la sinfonía de Leningrado de Shostakovich, que logró preservar los restos de la humanidad del pueblo que terminó comiéndose a gatos, perros, ratas y a sí mismos.
 
 

 
 
Pero entrando a la película, escrita y dirigida por el cineasta español, Rodrigo Cortés, también se ambienta en la 2da guerra mundial pero en Varsovia (Polonia) donde 400.000 fueron confinados en un gueto estrictamente custodiado. La diferencia es que acá no fue la música clásica la que salvó la humanidad de la gente sino el teatro. Un grupo de actores judíos presentan cada noche una comedia musical escrita por uno de los miembros, llena de romance, engaños, humor y sutil crítica (porque algunos oficiales presencial la función), haciendo que las personas olviden por momentos su terrible situación. Pero un día, en medio de uno de los actos, los actores se enfrentan a un dilema personal de vida o muerte, mientras deben sacar adelante la función sin despertar sospechas.
 
 

 
 
La película es muy bella, divertida y muy dura. Llena de humanidad, belleza y poesía. Todo funciona muy bien, desde el diseño de producción, la dirección y el trabajo de sus actores. Y por supuesto, la película recuerda y debe ser homenaje a esa obra maestra de Ernst Lubitsch, "To Be or Not to Be" (1942). Pero resulta refrescante, luminosa, desgarradora y muy emotiva.

Muy recomendada. La película se puede ver en Apple TV o en la plataforma Filmin.
 
 

Especial: Dos películas españolas notables del 2021: El Amor en su Lugar

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

sábado, 24 de julio de 2021

Reseña de la película: Ammonite (Francis Lee) - 2020 / Reino Unido

Crítica de la película Ammonite


¡Qué maravilla de película! Reconozco que cuando se anunció el año pasado sentí un poco de resistencia, debido al estreno ese año de "Retrato de una mujer en llamas", que me pareció tremenda, y las comparaciones parecían inevitables: historia de amor de dos mujeres, drama de época, pueblos costeros, etc. Pero mantuve la esperanza por su director Francis Lee, quien nos había regalado años atrás esa bella película "God's Own Country" (2017), y ese reparto encabezado por Kate Winslet y Saoirse Ronan. Tampoco había leído la sinopsis de la historia. Ignoraba que se basaba en la historia de una mujer real, la primera paleontóloga reconocida de la historia, Mary Anning. Anning fue una mujer de cuna humilde, y su padre era un ebanista que trabajaba y recolectaba fósiles en los yacimientos costeros cerca de la ciudad inglesa de Lyme Regis, para vender los hallazgos a los turistas (especialmente modificados e intervenidos en piezas para decorar). Gracias a la influencia del progenitor y a tener que ayudarlo en el negocio familiar, Mary se convirtió en experta en fósiles, haciendo importantes hallazgos del período jurásico, que fueron vitales para entender la vida prehistórica en la tierra. Por supuesto, por su condición de mujer y clase social, no gozaba del reconocimiento de los hombres científicos de la época, pero ella sabía más que todos, y vendió varios de sus hallazgos por motivos económicos. Pero esto es algo de información general, para contextualizar la vida fascinante de la protagonista, porque la película no se detiene en estos detalles, aunque sí los muestra.



Crítica de la película Ammonite


La película se centra en la madurez de Mary Anning, años después de haber alcanzado cierto reconocimiento dentro de la comunidad científica al haber vendido uno de sus más grandes hallazgos al Museo Británico. Y es ambientada en la ciudad costera de Lyme Regis en el año de 1840, pocos años antes de su muerte, en donde ella se dedicaba junto con su madre a atender la tienda donde vendía fósiles a los turistas. Un día llega un científico rico con su enferma esposa, interesado en el trabajo de Mary, en observarla y aprender de ella. El hombre queda agradecido y como a su esposa le recomendaron pasar un tiempo en el mar decide dejarla en la ciudad por unos meses y le pide a Mary que la cuide en su estancia. Y en ese lapso de tiempo que se desarrolla la bella historia de amor entre Mary Anning y Charlotte Murchinson.



Crítica de la película Ammonite


Si en "God's Own Country", Lee nos mostraba el descubrimiento del amor y de la sensibilidad entre dos hombres y granjeros en un espacio temporal contemporáneo; en "Ammonite", nos lleva a un descubrimiento similar, a una aceptación del deseo, y al descubrimiento del amor, la sensibilidad y la pasión entre dos mujeres, dentro de una época donde aún ni tenían derecho al voto.



Crítica de la película Ammonite


La forma en que Lee va hilando el desarrollo de la relación es muy bella, utilizando los elementos del ambiente. Atentos a escuchar el sonido del mar en un principio, y como a medida que van tomando confianza cambia la intensidad del oleaje. Ese mar tempestuoso y agresivo es un ejemplo de lo que ocurre en el interior de esas mujeres, la represión, las dudas y la tristeza. Al mismo tiempo, cómo el trabajo manual de las excavaciones y los hallazgos, como ese enorme fósil que encuentran y luego van puliendo, sirve para representar su propio autodescubrimiento. Limar la piedra para descubrir la imagen oculta, el fósil, la identidad. Son elementos muy bien utilizados para describir lo que está ocurriendo dentro de ellas. Además, la dirección, el guión y la fotografía de la película en general son muy bellas y sutiles. Sin dejar de mencionar el excelente trabajo de Winslet y Ronan, quienes en realidad tienen muy buena química y son creíbles en sus papeles.



Crítica de la película Ammonite


La película es hermosa, y aunque se basa en una historia real no es un biopic, sino una bella historia de amor llena de matices, de muchas cosas que no se dicen y se sugieren, de silencios, de miradas, de sonidos y de tacto. La comparación con la película de Céline Sciamma es inevitable, pero son distintas y se complementan. Cercanas en espacio temporal, en espacio geográfico, pero con bellas y luminosas historias para ser descubiertas y admiradas. Muy recomendada.


Trailer de Ammonite



Crítica de la película Ammonite

 

martes, 23 de febrero de 2021

Reseña de la película: Martin Eden (Pietro Marcello) - 2019 / Italia

Crítica de la película Martin Eden


Adaptación de la novela con tintes autobiográficos del escritor Jack London (Martin Eden), por parte del director italiano Pietro Marcello, que también adapta el guión. No he leído aún la novela de London, pero es un escritor del que me gustan algunas obras. La película es muy atemporal, con distintas referencias que confunden al espectador sobre la época específica en que se desarrolla. Cuenta la historia de Martin Eden, un joven marinero napolitano que en un día logra salvar la vida de otro joven de familia muy bien acomodada, quien en agradecimiento lo invita a su casa y a su mundo. Martin queda deslumbrado por los lujos de la familia, los libros, el arte y la hermana del joven, Ruth, de la que queda enamorado y desde ese momento le impulsa a salir adelante y hacerse mejor persona, más culto y perseguir su sueño de ser escritor de éxito.



Crítica de la película Martin Eden


La película además de ser atemporal en el tiempo de la historia, también lo es en la narración, puesto que por momentos vemos escenas del pasado y del presente, las imágenes de archivo que muestran la intimidad de una familia, unos jóvenes, unos hermanos; así como también momentos históricos importantes sin orden cronológico. Todos estos elementos nos indican una historia grandilocuente, que abarca algo más grande que ella misma. Algunos de esos detalles también le dan un toque realista y casi documental por momentos.



Crítica de la película Martin Eden


Es un extraño híbrido. Pero en general es una historia de amor y superación, que me gustó mucho en su inicio y su planteamiento, porque me recordó a ese cine italiano tan humano, real, simpático y emotivo, pero luego la película con sus distintos cambios toma otro rumbo, y algunos elementos como el éxito del protagonista finalmente como escritor, y sus ideas políticas sobre la realidad y el socialismo, no terminan de cuajar muy bien, junto con otros personajes pasajeros. Creo que son detalles que distraen y pudieron ser mejor usados, desconozco si viene desde la novela. 



Crítica de la película Martin Eden


En general es una poderosa historia sobre la superación de la pobreza a través del amor, pero también sobre la decepción, el peso de los fantasmas del pasado y la pérdida de la identidad. Si hay algo destacable es la actuación de Luca Marinelli, que con méritos se llevó el premio a Mejor Actor (Copa Volpi) en el Festival de Venecia. Logra capturar todos los cambios internos del personaje, que inicialmente es un idealista romántico hasta un desagradable, prepotente, excéntrico y atormentado escritor de éxito.


Trailer de Martin Eden



Crítica de la película Martin Eden

Crítica de la película Martin Eden

 

lunes, 1 de febrero de 2021

Reseña del libro: Encuéntrame (André Aciman) y Apuntes de una entrevista al autor

Crítica del libro Encuéntrame


Al final de ese precioso y excelente libro “Llámame por tu nombre” (Call Me By Your Name/2007) hay un salto temporal que nos da un vistazo sobre el futuro de la vida de nuestros amantes protagonistas, Elio y Oliver. Para los que sólo conozcan la exitosa y bella adaptación cinematográfica de Luca Guadagnino, ese momento no lo recordarán porque simplemente no apareció en la película. El autor, André Aciman, publicó a finales del 2019 una secuela de la novela, “Encuéntrame” (Find Me), que se ubica precisamente temporalmente entre las acciones de la primera parte de “Llámame por tu nombre” y su capítulo final “Lugares fantasmas”, que hace ese salto temporal en la historia. 


(Al final estarán disponibles los links a otras dos reseñas de libros de André Aciman)



Encuéntrame


El libro se divide en tres partes (Tempo, Cadencia y Capricho), que a la vez tienen tres narradores y perspectivas distintas. En Tempo, el inicio nos puede tomar por sorpresa a todos los lectores del primer libro, pues inicia con la narración desde la perspectiva del padre de Elio, y abarca casi las primeras 80 páginas. Samuel Perlman va camino hacia Roma a visitar a Elio, y en el trayecto del tren se enamora de una joven con quien inicia un romance. En esta parte se muestra más del universo interior y el pensamiento de este personaje, quien a tantos lectores maravilló con el discurso que da a su hijo al final de la novela anterior. Sabemos lo que ha pasado con su vida y muestra las dinámicas del amor maduro entre un hombre mayor y una joven adulta, las dudas, temores por la diferencia de edad y las lecturas de los pensamientos emociones del otro, con esas acertadas descripciones introspectivas del autor. Pero algo importante en esta primera parte, acerca de la razón y la decisión de empezar con la visión del padre, y que confirmé con mi conversación con André Aciman en una entrevista que le hice en medio del Hay Festival Digital de Literatura en Colombia, es que la figura del padre, no sólo de Samuel Perlman, sino de otro nuevo personaje y el símbolo del padre en general, marca una de las líneas narrativas de la novela. Porque las relaciones entre padre-hijo o madre-hijo siempre han estado presentes en las novelas de Aciman, así como el legado y la trasmisión generacional, y nos lanza la pregunta:

¿Cuántos  de nosotros dedicamos  tiempo a saber quienes son nuestros padres en realidad?


Preciso en el 2017, Aciman publicaría “Variaciones enigma”, otra novela de relaciones amorosas y de relaciones parentales, donde justo en su primera parte nos muestra la historia de un hijo que descubre el secreto de un padre. Un secreto que le ayuda a buscar su propia identidad a él mismo, y a conectar cabos y conocer a su padre como nunca imaginó. Aciman menciona que es consciente de la ambigüedad que expuso en el discurso de Samuel a Elio al final de “Llámame por tu nombre”, donde éste le menciona que quizás estuvo varias veces a punto de tener una relación especial como la de él con Oliver, pero siempre algo ocurría que no lo dejaba. El autor menciona que estos secretos hacen parte de la vida íntima de todas las personas y de sus personajes, y que también son parte del revestimiento que se hacen los padres al momento de tener hijos. La armadura, la máscara y la pérdida de identidad, con tal de asumir el nuevo estatus de deidad o figura a imitar. Todo esto con las distintas variantes que tiene en cada persona. Por esto, iniciar con la figura del padre era vital, porque además vemos cómo Samuel comete conscientemente los mismos errores de Elio, cuando está intentando establecer una relación con la joven del tren. Y se nos viene a la cabeza aquella frase de que a veces olvidamos los consejos que damos a otros para nosotros mismos.

Confieso que al inicio me sorprendí que Samuel fuese el narrador, y más cuando veía que avanzaba la novela y seguía centrada en él, pero a medida que fui avanzando, al terminarla, y al conversar con André pude entender lo importante de su papel en el desarrollo de la historia.




Crítica del libro Encuéntrame

(Foto: Entrevista con André Aciman en el Hay Festival 2021) 


Así como en “Tempo”, siempre con las referencias musicales, se nos marca el inicio del ritmo de la narración, ya en la segunda parte, “Cadencia”, entramos en ritmo y en un paraje conocido. Pues aparece la voz narrativa de Elio nuevamente, el narrador absoluto del anterior libro, y un personaje muy bien trabajado y construido, quien acá comparte el protagonismo.

Vemos a Elio más maduro, como un pianista que da clases en un conservatorio y conciertos en grandes salas. La narración mantiene la línea temporal del inicio, pues vemos a Elio recibiendo a su padre con su nueva amiga. Sólo un cambio de lente. Entonces conocemos sobre su trabajo, sobre sus relaciones esporádicas, sobre el recuerdo aún vivo de Oliver, y además nos adentramos en su relación con un hombre mayor, Michel. Es otra historia donde observamos la madurez de Elio en encarar las relaciones, los acercamientos y la iniciativa, pero también vemos la presencia de los recuerdos, de los amores no olvidados y los temores por el futuro en ese tipo de relación con distancia de edades. Y con Michel hacemos la conexión con la primera parte, porque dentro de su historia también tenemos otra relación especial de padre-hijo y un secreto vivo por descubrir. Y siguen las preguntas: 

¿A cuántas capas de profundidad están quienes creíamos conocer solo porque los queríamos? 


Este tipo de narración con varias perspectivas y narradores no es nueva en Aciman, pues aunque en “Llámame por tu nombre” sí uso un solo narrador, en otras de sus novelas ya ha usado esta estructura, como en “Ocho noches blancas” o en la misma “Variaciones enigma”, y pensó introducirla en el universo de Elio para conocer un poco más de esos personajes tan importantes para Elio: Samuel y Oliver. 

La parte de Elio es la más extensa, claramente, y tiene momentos muy bellos, tiene algunos flashbacks, y el lector siente que se encuentra en un lugar conocido y antes habitado. Aciman reconoce que Elio es el personaje con el que se siente más cómodo para narrar, porque él fue Elio, no porque le haya pasado exactamente lo mismo, sino porque era la voz de su juventud, las dudas, las certezas, los temores y deseos que también tuvo. Como un hombre mayor, se le hizo también más sencillo encontrar la voz de Samuel Perlman, pero confiesa que la voz que más se le dificultó encontrar fue la voz de Oliver. Y se nota en muchos aspectos.


Y en la última y más breve parte del libro, Capricho, leemos por primera vez la voz de Oliver, quien ya es un padre con hijos y se encuentra en una fiesta con varios amigos, entre falsedades y ruido, aún pensando en Elio. Aciman me contó que la voz de Oliver se le dificultó porque no podía pensar como él, ni resolver del todo el motivo de sus decisiones. Porque en el primer libro lo vimos a través de los ojos de Elio, pero en esta última parte, aunque es muy corta, se nota que Aciman está un poco perdido, porque acude en un momento a una ilusión y momento onírico donde Oliver conversa con un famoso compositor de música clásica, mientras deambula entre la embriaguez y la insatisfacción. Se siente que la cadencia se ha perdido, y que todo empieza a tener una dirección muy controlada y efectista en su tramo final. Incluso el título del capítulo me parece que es muy disonante con los otros dos. Y según la conversación que tuvimos, me parece que el autor es consciente de eso.

A la pregunta de si fue difícil volver a conectar con los personajes después de más de diez años de distancia entre la primera novela y la secuela, Aciman responde que no, porque en cierta forma los personajes siempre han estado muy presentes, y que la idea de continuar la historia lo persiguió por mucho tiempo. De hecho, hizo varios borradores en años anteriores y descartó distintas versiones. 

Pero esta última y breve parte con la voz narradora de Oliver, aunque no fue del todo de mi agrado, me permitió reflexionar sobre otro tema que conversé con Aciman. Porque en algún momento los protagonistas hacen un viaje pasando por Alejandría, con distintas referencias al mundo clásico. Las referencias son claras porque en el primer libro Elio y Oliver tienen una relación con la historia, pues de hecho la arqueología hace parte del trabajo de Oliver y el padre de Elio. Por eso le pregunté a André sobre la presencia de “lo antiguo”, de la tradición griega, de la Odisea de Homero, que tan presente se siente en su novela, y que a la vez le da un aire épico, como un romance épico a su historia y sus personajes, con un toque muy moderno. Él estuvo totalmente de acuerdo con esa percepción, y dijo que no era casual, que las referencias históricas estaban, no solamente por la profesión de los personajes, sino como reflexión de la novela al paso del tiempo. Aciman es reconocido por ser traductor y experto en la obra de Marcel Proust, y me mencionó que en sus novelas él intenta hacer algo muy proustiano, no a la escala del autor francés, sino de forma más pequeña.

Y con respecto a la orientación sexual de sus personajes, en alusión a la idea de que muchas veces sus personajes son bisexuales, él confirma que le interesa narrar las relaciones de seres que se buscan, se dejan y se encuentran. Que se mueven por sus pasiones y deseos, sin importar el género. Pero que en definitiva, están en constante búsqueda de otros y de sí mismos, de la identidad de ellos y de los suyos, como los padres, que también son parte de ellos mismos. Y sobre todo, escribir desde su experiencia y trasladarla a sus personajes, por eso quizás se les haga tan cercanos y personales a muchos lectores que le escriben o le dicen cuando lo ven, que sus libros les han tocado mucho e incluso les ha cambiado sus vidas. Y una de las cosas que más les satisface, es la de generar una conversación entre padres e hijos.

Por todo esto, aunque la novela en general no me gustó tanto como “Llámame por tu nombre”, que tiene una buena cadencia de principio a fin, creo que “Encuéntrame” tiene algo especial, porque al final ese grito de “búsqueda” puede ser enunciado por Elio y Oliver, o por el recuerdo de los padres, que pueden gritar más por el que sus hijos no tengan muchos obstáculos en sus propias búsquedas.   


Reseña de otros libros de André Aciman en el blog:

Reseña de "Llámame por tu nombre" (Link)

Reseña de "Variaciones enigma" (Link)



Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)