El Hijo de Saúl (Son of Saul) de László Nemes

Ópera prima del joven director y guionista húngaro. Estrenada por primera vez en el prestigioso Festival de Cannes, donde cosechó las críticas más entusiastas, y se llevó el segundo premio en importancia, el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI, el Premio de la Crítica Internacional, a la mejor película del certamen. También es la primera película de Hungría en ganar el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera, y llega a la ceremonia de los Premios Oscar, siendo la gran favorita en la categoría. 

Nemes inició su carrera desde muy joven, muy encaminada al cine, luego de sus estudios de historia, relaciones internacionales y de guionista. Empezó a trabajar como asistente de producción en distintas películas entre Francia y Hungría, de los cuales, trabajó durante dos años como asistente de producción del emblemático director de cine húngaro, Bela Tarr, durante el rodaje de The Man from London. La influencia en su trabajo de Tarr, más la de los otros directores que menciona entre sus favoritos, Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovsky, Ingmar Bergman, Terrence Malick y Stanley Kubrick, son notables, y le han ayudado a encontrar su propia voz. 

En su primer cortometraje “With a Little Patience” (2007), muestra rasgos y parte de sus inquietudes como contador de historias. Y es esa determinación de contar las historias desde distintas perspectivas. En ese primer cortometraje, que sería un pequeño esbozo de lo que años después haría en Son of Saul, también aborda el tema del holocausto de forma muy sutil, con grandes tomas, que seguiría desarrollando en los años con otros cortometrajes. 

Hasta Son of Saul, la ópera prima que deslumbró en su estreno en Cannes. Me sorprendió gratamente y cumplió con todas mis expectativas. En definitiva, es una visión y perspectiva distinta sobre el holocausto. Saúl es un prisionero judío húngaro, que pertenece al grupo de los 'Sonderkommando', que era los encargados de incinerar los cadáveres de los prisioneros en los campos de concentración. En la monotonía y crudeza de su trabajo, que parece haberlo despojado de su humanidad, Saúl encuentra el cuerpo de un niño, que toma como hijo y se propone cuidarlo para darle un entierro digno. Saúl parece aferrar lo que le queda de humanidad en el cuerpo de este niño, llevándolo a enfrentar distintos obstáculos para llevar a cabo su misión. 

Dirigida y escrita por Nemes, y rodada en 35 mm, en formato de 4:3, lo que en definitiva es un acierto, ya que Saúl casi siempre se encuentra en primer plano, y en ocasiones lo que pasa a su alrededor queda difuminado con clara intención de Nemes en lo que quiere contar y trasmitir con la historia. Este acercamiento literal con el personaje principal, interpretado de gran forma por Géza Röhrig, puede perturbar y asfixiar al espectador, pero que permite a la vez la conexión directa con el drama interno del personaje. Porque de forma inteligente, Nemes no enfoca lo que pasa alrededor, y las tradicionales escenas de sufrimiento y matanzas en los campos de concentración, nada de eso, acá el drama lo vivimos desde el drama interno de un hombre, que ante el horror se aferra a la humanidad.

Nemes, además de presentar una perspectiva inusual sobre un tema común, como el holocausto, muestra gran y destreza en la propuesta visual, con movimiento de cámara en mano caóticos y en primeros planos, que permiten un acercamiento íntimo y psicológico con el personaje de Saúl. 

Sin dudas, se percibe gran cine y buenas propuestas de este director, del que seguramente seguiremos escuchando. Por el momento, gran ópera prima y ovación de mi parte. ¡Imperdible! De las mejores películas del 2015, y vistas desde hace tiempo. Yo le daría el Oscar compartido con la película colombiana El Abrazo de la Serpiente, jeje. Ya veremos!

(9.5/10)


Tráiler de Son of Saul 

László Nemes recogiendo el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes

The Imitation Game (Descifrando Enigma) de Morten Tyldum

Primer trabajo del director y editor de origen noruego Morten Tyldum (Headhunters) fuera de su país. Y que es uno de los protagonistas de la temporada de premios a lo mejor del 2014, con el biopic sobre Alan Turing: The Imitation Game. La película me sorprendió gratamente la primera vez que la vi, ya que siempre tengo cierto prejuicio con los biopics, y de hecho durante la mayoría del metraje el filme consolidaba esa opinión, pero poco a poco, a pesar de que tiene los mismos problemas de todos los biopics en intentar abordar todo un intervalo grande de una vida en una misma película, además del encumbramiento del personaje en cuestión… The Imitation Game logra salir bien librada de esos problemas… 

Inicialmente, la historia no se ve ni se siente muy acelerada, al contrario me parece bien construida de acuerdo a las ambiciones del guión… tiene su tiempo medido, pausado y buen ritmo, además el encumbramiento del personaje es totalmente merecido, ya que es un personaje prácticamente casi que olvidado.  Y aún así no siempre es retratado de forma positiva, al contrario es un personaje bastante complejo, de acuerdo a las mismas decisiones y situaciones que le tocó afrontar. 

Artísticamente y técnicamente está muy bien, con muy buenas interpretaciones de su elenco, destacando obviamente el buen trabajo de Benedict Cumberbatch, que aunque al inicio no me convencía mucho, creo que finalmente logra sacar adelante su papel y meterse en la piel del matemático británico. 

En fin, aunque no brille especialmente, no arriesga, ni sea una obra maestra, es un interesante y decente acercamiento a la vida, obra y memoria de Alan Turing. Cine hecho para premios, pero bien hecho, y aunque sea así, se agradece. 

7/10


Trailer de The Imitation Game
Frases y Diálogos de la película

Dora Bruder (Patrick Modiano)

Esta fue mi primera excursión en la obra del reciente Premio Nobel de Literatura, el escritor francés Patrick Modiano. Si bien, como muchos lectores, antes del anuncio del premio, no habíamos escuchado de Modiano, o lo habíamos intentado leer, ya que él es prácticamente desconocido fuera de Europa. Luego del anuncio, y con cierta inconformidad debido a mi preferencia por otros autores, como siempre decidí darle la oportunidad a su obra, pues antes de juzgar y aludiendo a que en ocasiones el Nobel sirve para eso, para descubrirnos nuevos autores en todos los rincones del mundo. 

Sin más preámbulos, el mismo día busqué la obra más cercana que tenía de él, que resultó siendo “Dora Bruder”, una de las que según  en los distintos diarios en el mundo que publicaron la noticia, es considerada una de sus mejores obras… Como las obras en general de Modiano, son caracterizadas por su brevedad, Dora Bruder no es la excepción, de hecho es de los más cortos, tiene un poco menos de 50 páginas, por lo que pude terminarlos en una noche.

Como en toda su obra, en Dora Bruder, vemos los temas frecuentes y centrales de la obra de Modiano, la segunda guerra mundial, la ocupación en Francia, la infancia y la búsqueda de la identidad por parte de sus personajes y del mismo escritor; que como en el caso de Dora Bruder, también interviene constantemente, intercalando la narración entre la primera y tercera persona. 

“Dora Bruder”, según cuento el mismo autor al inicio del libro, nació de un simple recorte de un periódico, en sus mismas palabras el libro inicia así: 

“Hace ocho años, en un viejo ejemplar del Paris-Soir, con fecha del 31 de diciembre de 1941, me llamó la atención una sección, “De ayer y hoy”, en la página tres. Leí: 
PARIS
Se busca a una joven, Dora Bruder, de 15 años, 1,55 m, rostro ovalado, ojos gris-marrón, abrigo sport gris, pullover burdeos, falda y sombrero azul marino, zapatos sport marrón. Ponerse en contacto con el señor y la señora Bruder, bulevar Ornano, 41, París. 


Según, el prólogo por Adolfo García Ortega, reconocido escritor y traductor español, quien se considera un gran lector de Modiano, considera a esta obra como una de sus más logradas y perfectas. 

El libro cuenta la historia de una joven de 15 años que se ha fugado de un colegio de monjas en plena ocupación Nazi. Modiano inicia con su interés por la noticia en el periódico, y de ahí cuenta su travesía en la búsqueda de los rastros de Dora. Le llama especial atención, porque se da cuenta que eran casi vecinos, que vivían en la misma calle. Lo que lleva al autor a recordar su propia infancia. Es por esto, que los relatos de Dora y Patrick forman parte de uno solo, con distintos destinos… más tarde se conoce que luego de la publicación donde se reporta su perdida, meses después aparece en las listas de los deportados a Aushwitz. Y es así, como en medio de la narración de la investigación sobre la ruta de Dora, y los recuerdos del propio escritor, que empiezan a aparecer en el medio, los nombres y registros de distintas personas que en esa época tuvieron un cruel destino. El ejercicio de reactivar su memoria y la de su pueblo. Su memoria, se refuerza con los datos que averigua, presenta y cita, con historiales completos de las personas condenadas a campos de concentración y prisiones, donde conocemos sus edades, lo que hacían, el motivo de detención, por más absurdo que fuera, toda una parte de sus vida queda registrada en un papel… papel tan sensible y frágil, que en cualquier momento puede ser destruido por el tiempo y el olvido. Y eso es lo que Modiano intenta rescatar, recordar y salvar. Por eso, las razones por las que el Nobel justificó su premio, “su arte de la memoria con el que ha evocado los destinos humanos más difíciles de retratar…” se hace más que evidente en esta pequeña obra. 

El libro y su estilo me han gustado, aunque no me ha impresionado o me ha parecido una obra maestra, creo que su trabajo de reconstrucción de la memoria es muy valioso e íntimo, y sin duda tiene mérito literario. Ya que, a pesar de ser un estilo marcadamente documental, un trabajo de investigación riguroso, periodístico y realista, posee poesía en sus fragmentos autobiográficos y evocadores, y esto se agradece. Por lo tanto, por supuesto queda recomendado para que cada lector lo descubra personalmente y lo juzgue. Tengo muchas ganas de leer personalmente uno de sus libros titulado: “En el café de la juventud perdida”. Les contaré cuando lo lea…

7.5/10


Termino con otro fragmento del libro: 

“Nunca sabré cómo pasaba los días, dónde se escondía, en compañía de quién estuvo durante los primeros meses de su primera fuga y durante las semanas de primavera en que se escapó de nuevo. Es un secreto. Un modesto y precioso secreto que los verdugos, las ordenanzas, las autoridades llamadas de ocupación, la prisión preventiva, la Historia, el tiempo –todo lo que nos ensucia y destruye- no pudieron robarle”.

The Wind Rises (Hayao Miyazaki)

“The wind is rising...we must attempt to live” (Paul Valéry). Con esa frase inicia la aventura a la última película del gran maestro de la animación, Hayao Miyasaki. “The Wind Rises” (Kaze Tachinu), una bella y conmovedora película, basada en el personaje real de Jiro Horikoshi, el hombre que diseñó el avión de combate Zero, utilizado en el ataque a Pearl Harbor durante la Guerra del Pacífico. Pero la historia se centra en la niñez, los años de juventud y madurez profesional de Jiro, sus sueños y su enfrentamiento con la realidad.

Una historia con drama, romance, aventura, sueños, tristeza, decepción y amor a la vida, bellamente ejecutada y dirigida, con una estimulante banda sonora que acompaña con acierto y detalle cada secuencia, incluso en aquellas donde se ausentan las palabras. Es al parecer la última película que hará el maestro Miyazaki, y creo que aunque sigue manteniendo algunos elementos de su cine, ha hecho un filme un poco diferente al resto de su filmografía, y al mismo tiempo su trabajo más provocador y polémico. Simplemente con el personaje que escogió, le llovieron críticas, y es lo que me parece muy interesante, ya que el filme aunque algunos digan que hace apología a la guerra, a mí me pareció todo lo contrario, una sútil e incómoda crítica a la guerra, a un hecho histórico y a la destrucción de la creatividad y los sueños.

Creo que aunque haya magia, belleza y esperanza, es un filme con una alta dosis de drama bien proporcionada, dolor, crítica, un guión sólido donde aborda además de datos biográficos, el mismo entorno económico, político y cultural del Japón, como potencia emergente, entre muchos otros detalles, que quedan de telón de fondo en esta bella y triste historia de amor y de vida. Hay mucho por analizar, ya que no es un filme superficial, improvisado, ni sencillo, para lanzar diatribas arbitrarias, sino uno de los trabajos más maduros, ambiciosos y mejor logrados del gran director nipón, que desde hace tiempo pertenece al Olimpo del cine mundial. Muy recomendada.

 
8.5/10


 
Trailer de The Wind Rises
Frases y Diálogos de la película

La Ladrona de Libros (Brian Percival)

Adaptación de la conmovedora novela del joven escritor australiano, Markus Zusak, que a la vez firmó con ella su ópera prima, en donde muestra una historia con un trasfondo muy conocido como es la II Guerra Mundial, pero desde una perspectiva particular narrada por la misma muerte. El libro, que recuerdo que cuando lo leí por primera vez me gustó mucho, al ver la adaptación al cine, como siempre es grato ver algunos pasajes revividos por la pantalla grande, pero me ha resultó un poco decepcionante. 

Para los que no han leído el libro, que les recomiendo que lo lean antes de ver la película o que simplemente lean el libro, se relata la historia de una pequeña joven llamada Liesel, quien en medio de los disturbios de la II Guerra Mundial, es enviada a una familia de acogida en Alemania. Poco a poco Liesel va acomodándose a su nuevo entorno y acostumbrándose a sus nuevos padres, a sus nuevos amigos y su nueva vida. Pero en medio de ese drama, la dulce y a la vez fuerte personalidad de Liesel, junto con su perspicacia y curiosidad, le van iluminando un poco su camino, además de la compañía de su cómplice padre, su protectora y gruñona madre, su leal amigo Rudy, el misterioso Max y los libros que va adquiriendo desde distintas fuentes, desde una viva hoguera hasta la biblioteca del alcalde, y con los cuales se gana el título de la Ladrona de Libros.

La historia original es muy buena y en el libro se narra e hilvana todo con cuidado, gracia y ritmo. Pero lo que en el libro sorprende y te mantiene pegado a la historia, en el filme no alcanza a llegar y emocionar tan profundamente al espectador. A pesar de las buenas interpretaciones, comandadas por los veteranos Geoffrey Rush y Emily Watson, lastimosamente el filme no alcanza a tocar las fibras que se rozan en el libro y particularmente no ofrece ni propone nada, omitiendo algunos pasajes, para finalmente quedarse en un producto totalmente prescindible con algunas escenas afortunadas, propias de la misma calidad del libro. He visto que a muchos les ha gustado, porque en el filme se ha abusado de los elementos sensibileros, pero recomendaría que se pasaran por el libro para en realidad llegar a la base y la belleza de la obra. Por todo esto:

4/10


Trailer de La Ladrona de Libros

Frases y Diálogos de la película

Reseña del Libro

In the Fog (Sergei Loznitsa)

Segundo largometraje del reconocido documentalista de Bielorrusia, Sergei Loznitsa. Loznitsa, quien inició su carrera a finales de los 90, ha tenido una carrera muy productiva, sobre todo en la realización de largometrajes y mediometrajes documentales, donde se destacan: The Settlement (2002), Landscape (2003), Fábrica (2004) y Bloqueo (2006), entre otros interesantes trabajos en donde los temas tratados se extienden desde los estudios profundos y cotidianos de su natal Rusia, en los campos, en la guerra y en todos esos eventos que marcaron para siempre la historia en el siglo pasado. Siempre con un ritmo pausado, detallista y abrumador, que aunque nunca trabaja con música, es capaz de mantener con el poder de sus imágenes la atención del espectador. Todos estos detalles se verían reflejados en su primer largometraje, presentando en el Festival de Cannes en el 2010, su filme “My Joy”, en donde nuevamente retrata la vida rural, el paisaje cotidiano de las personas, que mientras más se acerca a la descripción de los personajes, al mismo tiempo queda develado su aproximación a los rincones oscuros de la naturaleza humana. 

El año pasado presentó un largometraje y un documental. El documental titulado “El Milagro de San Antonio”, que al parecer tenía una temática muy diferente a todo lo que el director ha tratado anteriormente, se veía muy interesante y tuve la oportunidad de verlo en el FICCI 2013, pero lamentablemente no pude asistir a su proyección pro cruce de horarios. Sin embargo, el largometraje que estrenó fue presentado con gran éxito en la edición de Cannes 2012, donde logró el premio FIPRESCI de la crítica internacional, además de excelentes críticas. Hace unas semanas he tenido la oportunidad de ver su segundo largometraje “In the Fog” o “En la Niebla”, y me he llevado una enorme sorpresa.

“In the Fog”, sigue con muchos de los temas del director, en esta ocasión la acción se ambienta en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, que aunque ya muchos estén cansados del uso de la temática, aún quedan muchas historias por contar desde distintas perspectivas. Y es esto lo que logra Loznitsa, al dedicar su filme a explorar y develar parte de la naturaleza humana y los dilemas morales en tiempos de guerra. Con un impecable despliegue técnico y visual (y nuevamente sin música), el director emprende el viaje de dolor y culpa con un ritmo un poco lento, pausado y contemplativo hacía lo cotidiano, como es muy común en el cine del director, por lo que el espectador debe tomar fuerzas para disfrutar de ese primer tramo, para poder llegar y disfrutar de la continuación del metraje, que contiene algunas de las mejores escenas vistas en el cine del año pasado. 

Sin más preámbulos, la película dirigida y escrita por Loznitsa, quien se basó en la novela de Vasil Bykov del mismo título, cuenta la historia de Sushenya, un hombre que es acusado de traición, al supuestamente haberse aliado con los alemanes y haber permitido con ello la ejecución de otros tres compañeros, con quienes habían descarrilado un tren. Sushenya, quien había sido acusado junto con sus compañeros por tal acto, queda sospechosamente en libertad, alimentando las dudas de sus compatriotas. Es por ello que un día llega a su casa Burov, un antiguo amigo de la infancia, quien junto a Voitik sacan a Sushenya de su casa con la intención de hacerle pagar por fin la traición. Pero algo ocurre esa noche, en la neblina noche, que no les permite llevar a cabo su objetivo. 

Esa es la base de la historia, que aunque cuento la sinopsis de forma lineal, la narración del filme es precisamente no lineal, con recurrencia a los flashbacks y un constante cambio entre presente y pasado, en donde poco a poco el mismo espectador va desvelando la telaraña de la historia. Una historia que encierra mucho dolor y hace un aterrador retrato del peso de la conciencia y la culpa. 

El ritmo va totalmente en crecimiento en el transcurso del metraje, desde el pausado inicio, donde nos presentan poco a poco a los personajes y algunas de sus acciones, en esta contemplación del ser humano y la naturaleza, que me recordó mucho al gran maestro ruso Andrei Tarkovsky, sobre todo en su filme “Nostalghia”, muchos paisajes y movimiento me remitieron a ese filme en específico. Lo que deja entrever que Loznitsa guarda respeto por los grandes directores rusos, que con tanta maestría y poesía describían la cotidianidad y los recovecos del ser humano.  

Las actuaciones son muy destacables y naturales, la fotografía es excelente, la dirección es muy notable, con varios largos planos secuencia realizados con gran pulso y detalle, que aunque no cuenten con el acompañamiento musical, te mantienen a la expectativa y con gran intriga en las escenas más emocionantes. Hay varias escenas que me gustaron mucho y aún las tengo grabadas. Y qué decir de los distintos simbolismos en el filme, sobre todo del más grande de todos, como es la misma niebla, gran protagonista, que siempre se encuentra presente para ocultar el horror, la miseria, la maldad y la desesperación del ser humano. Sobre todo en ese impactante final, gran broche de oro para la aventura de 127 minutos, que aunque pueda ser muy pesada al inicio para muchos espectadores y en las divisiones de la trama, sin dudas se verán recompensados si le encuentran el ritmo. 

Recomendada para los espectadores de retos y que admiren la poesía visual en escena.  Me ha gustado mucho, pero le ha faltado algo para considerarla una obra maestra, pero sin dudas estuvo muy cerca y lo consigue por momentos. Por todo esto:

8/10

Trailer de In the Fog

Frases de la película

El Lector (Bernhard Schlink)

Este libro lo leí por primera vez hace unos años, antes de la salida de la película de Stephen Daldry. Es uno de mis libros favoritos, y la adaptación de Daldry es una adaptación excelente, esa misma película que le dio a la gran Kate Winslet su primer oscar a Mejor Actriz, luego de interpretar de forma magistral a Hanna Schmitz, la guardiana analfabeta.

Antes de la opinión, la sinopsis:

“Michel Berg tiene quince años. Un día, regresando a casa del colegio, empieza a encontrarse mal y una mujer acude a su ayuda. La mujer se llama Hanna y tiene treinta y seis años. Éste será el principio de una relación erótica en la que, antes de amarse, ella siempre le pide a Michael que le lea en voz alta fragmentos de Schiller, Goethe, Tolstói, Dickens, Chejov… El ritual se repite durante varios meses, hasta que un día Hanna desaparece sin dejar rastro. Siente años después, Michael, estudiante de Derecho, acude al juicio contra cinco mujeres acusadas de criminales de guerra nazis y de ser responsables de la muerte de varias personas en el campo de concentración del que eran guardianas. Una de las acusadas es Hanna. Y Michael se debate entre los gratos recuerdos y la sed de justicia, trata de comprender qué llevó a Hanna a cometer esas atrocidades, trata de descubrir quién es en realidad la mujer a la que amó… Bernhard Schlink ha escrito una deslumbrante novela sobre el amor, el horror y la piedad; sobre las heridas abiertas de la historia; sobre una generación de alemanes perseguida por un pasado que no vivieron directamente, pero cuyas sombras se ciernen sobre ellos”.

El libro es en realidad muy breve, tan breve y genial que incluso el lector queda con muchas ganas de más. Pero está escrito con gran maestría. Es narrado en primera persona, a través de la visión del protagonista Michael, el joven de quince años que se enamora de Hanna. Somos testigo de sus emociones más profundas, sus tristezas, males, deseos y descubrimientos. La prosa es hipnótica, muy bien trabajada, la estructura del libro y de los acontecimientos, es un libro muy bien escrito. Los personajes están muy bien desarrollados y llevados, a pesar de la brevedad de la novela, que hubiese podido profundizar más, pero creo que la intención del autor queda muy bien planteada. Somos sumergidos en la novela, en dilemas éticos, el lector es testigo de la historia y se enfrenta a ese dilema, a esa historia tan difícil que hay que buscar argumentos de ambas parte, a pesar que el dolor de una de las partes nos haga ceder. Y lo que beneficia a esta reflexión, entre ambos puntos, es precisamente la voz en primera persona, el mismo Michael y sus pensamientos, él también está tratando de digerir ambas situaciones, buscar explicaciones y motivaciones para no juzgar con impunidad, a pesar de los prejuicios. Y ese recurso, engrandece en gran parte a la novela.

Es una novela deliciosa, sobre el primer amor y el descubrimiento sexual, pero al mismo tiempo con un trasfondo de terror y difícil, un sufrimiento interno del protagonista que sentimos como de nosotros mismos, para tratar de ser objetivos cuando hay grandes razones de ambos lados que nos impulsan a ser contundentes, por un lado la terrible realidad histórica y por el otro la ingenuidad y el amor.

Como mencioné al principio, el libro tuvo una versión cinematográfica por Stephen Daldry, director de “Las Horas”, haciendo un trabajo formidable. La película también es altamente recomendada, de complemento a este extraordinario libro.

Me queda en la memoria, un fragmento, cuando Hanna es acusada, ya que esta es incapaz de defenderse con tal de ocultar su analfabetismo por vergüenza, y años después está a punto de ser liberada, y Michael ya mayor vuelve a visitarla en la cárcel:

(…)

Michael: Dime una cosa: antes de que te juzgaran, ¿nunca pensabas en todo lo que salió a relucir en el juicio? O sea: ¿nunca pensabas en ello cuando estábamos juntos, o cuando te leía?

Hanna: ¿Te preocupa mucho? –replicó; pero continuó sin esperar respuesta-. Siempre he tenido la sensación de que nadie me entendía, de que nadie sabía quién era yo y qué me había llevado a la situación en que estaba. Y, ¿sabes una cosa?, cuando nadie te entiende, tampoco te puede pedir cuentas nadie. Pero los muertos sí. Ellos sí que te entienden. No hace falta que estuvieran allí, pero si estuvieron te entienden aún mejor. aquí en la cárcel estaban conmigo constantemente. Venían cada noche, aunque no siempre los esperara. Antes del juicio todavía podía ahuyentarlos cuando querían venir.

Un libro muy recomendando.

8.5/10

Trailer de "The reader" (Stephen Daldry)

El Puente (Bernhard Wicki)

Esta película la recordé recientemente en un especial que hice de cine bélico. Es una película excelente, una de mis películas antibélicas favoritas. “Die Brücke” en su título original, es un filme de Bernhard Wicki, realizada con muy poco presupuesto y no es muy famosa, pero sin duda es otra muestra de que el verdadero arte supera todos los obstáculos. Es una obra maestra triste y hermosa que sucedió en realidad (como explican al final del filme), pero fue tan intrascendente que no fue documentado.

Cuando terminé de ver el filme la primera vez que la vi y me encontré con ese mensaje al final, corrí a investigar sobre la historia, y me di cuenta de que la película fue la adaptación de un libro. De inmediato me puse a buscar el libro por todos lados, hasta que finalmente lo encontré. El libro se llama “El Puente” de Gregor Dorfmeister, quien en el libro utilizó el pseudónimo de Manfred Gregor. Gregor escribió el libro de una experiencia personal, él fue uno de los jóvenes que con tan sólo 16 años vivieron esa terrible experiencia defendiendo el puente de acceso a su pueblo sobre el rio Isaar. Cuando las enormes máquinas de guerra llegaron a la posición donde se encontraban los jóvenes, Dorfmeister reaccionó y se marchó huyendo a la casa de sus padres. El lugar de donde dice nunca debió haber salido.

Wicki toma la experiencia narrada por Gregor y la lleva al cine de forma magistral. Contando una historia ambientada en 1945 en Alemania, a finales de la Segunda Guerra Mundial, donde ya la guerra se ha terminado con la invasión de las tropas aliadas a Alemania. Ya no quedaban soldados adultos que defendieran sus posiciones, sólo quedaban jóvenes adolescentes, quienes como eran educados con su ideología a servir para defender a su patria, iban a prestar su servicio encantados, sin importar sus vidas. En un pequeño pueblo, un grupo de jóvenes son elegidos para proteger un pequeño puente, que da la entrada al pueblo. Ellos felices y orgullosos aceptan su misión con seriedad y compromiso, alienados con la ideología Nazi, sin saber a lo que se enfrentan.

El filme además de plasmar los acontecimientos del libro, tiene un marcado simbolismo, en donde se camufla una constante crítica a los acontecimientos. Inicialmente observamos la vida normal de estos jóvenes, quienes viven y hacen cosas de jóvenes, pero que viven con esa mentalidad de querer entrar a las filas para defender a su país, de todos los estratos. Además de tener problemas con sus respectivas familias, la ausencia de los padres, los padres corruptos que se beneficiaron del régimen, entre otros casos donde el ambiente en el hogar era incómodo. Cuando les llega la oportunidad, hay una ruptura entre lo que venían haciendo, sus vidas, su familia, sus amigos, etc. Y se vuelven soldados sin experiencia, blancos perfectos de la muerte. Hasta su triste final, que además tiene otro ingrediente al mostrar la deshumanización de los soldados alemanes y de los mayores. Un triunfo con sabor a la peor derrota, una triste realidad que descubren demasiado tarde, tan tarde que algunos ni siquiera llegar a saberlo.

La dirección es muy hábil y brillante, hay planos realmente excelentes. El blanco y negro también la ayuda enormemente. La fotografía notable. Y las interpretaciones, ninguno de los chicos era actor profesional y aún así estuvieron creíbles y excelentes, ellos son el motor y la razón de ser del filme.

En síntesis, es un gran filme para reflexionar, con grandes virtudes, algunas de las grandes producciones bélicas de años posteriores y recientes, se han inspirado en muchas de sus escenas (hasta Spielberg). Un filme imprescindible que no merece ser olvidado.

9/10

Trailer de El Puente (Die Brücke)

Frases de la película