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domingo, 22 de enero de 2023

Reseña Completa y Análisis de la película: Babylon (Damien Chazelle) - 2022 / U.S.A. / Estreno en Cines

 
 
A pesar de tener un inicio exultante y majestuoso en donde retrata de gran forma los excesos y la depravación del Hollywood de antaño (años 20), justo antes de la aparición del título del filme, la sensación que más prevalece durante las casi o más de tres horas de duración de todo el filme es... el tedio.

Resulta un poco triste que tras dos primeras películas notables (Whiplash, La La Land), Chazelle con más fama y más presupuesto no ha podido volver a anotarse un título de calidad. Desde su experimentación con el género de la aventura espacial con "First Man", y ahora con este acercamiento de corte clásico, con recortes y evidentes influencias de otros cineastas (entre ellos mucho de Baz Luhrmann, pasando por auto homenajes a sus propias películas y el ya cansino y casi forzado homenaje al cine), sigue mostrando que ha perdido su dirección, de un director que empezaba a tener un sello e inquietudes artísticas y narrativas muy interesantes y notables.
 
 

 
 
Lo que siento ahora con el cine de Chazelle, y en particular con esta película es un descontrol de todo. Chazelle muy ambicioso pretende embutir muchos temas a su historia: desde los excesos de Hollywood, el ambiente en los sets de grabación, el paso del cine mundo al sonoro y la dificultad de las estrellas en esa transición, la ambición de las personas que triunfaban por su pasión (incluso inmigrantes), con otro corte de más excesos y finalizando con fragmentos de homenajes al cine a través de los años, que seguro alguien describirá con la ya casina frase de "carta de amor al cine", aunque ayer leí que el director mismo la ha descrito como “carta de odio al cine”, y menos entiendo lo que hizo de forma general.
 
 

 
 
También aparte de todos esos temas, en cuanto a género pasa por el musical, el drama, la comedia, el cine de  aventuras, el cine dentro del cine y al final algo de acción, suspenso y thriller. Y no hay problema en ser ambicioso, sobre todo cuando tienes una película con el título de "Babylon", en donde también hace sus referencias al pecado, a Dante y al descenso a los infiernos, al cine como industria hipócrita y desalmada, pero cuando nada tiene una mínima cohesión o hilo conductor, muchos de los fragmentos y historias pierden fuerza e incluso quedan el en aire. 
 
 

 
 
A pesar de ello, algunas historias logran tener cierto magnetismo por momentos, sobre todo las partes en el set de grabación y todo en el primer tramo, pero la película en su tramo final se encuentra totalmente perdida y también me resulta anticlimática porque espero el final y nada que llega, y la espera y el tedio de extiende como por otra hora más. Por lo tanto, resulta evidente que también tiene problemas de edición, y muchos giros en la trama resultan predecibles y algunos hasta penosos.
 
 

 
 
“Babylon” no me ofende ni me genera aversión por lo explicito o escatológico que llega a ser, como alguien ya me comentó el día que publiqué la primera reacción. He visto muchas maravillas grotescas. Lo que me molesta es su exceso pretencioso, grandilocuente y aparentemente provocador pero sin maestría, sin sustancia narrativa, gratuita y siendo evidentemente todo lo que presume criticar. A menos, que Chazelle en su escarnio público de Hollywood, sacando sus trapitos sucios ancestrales y aún vigentes, se esté poniendo a sí mismo en las luces como ejemplo de un talento pervertido y víctima de la misma industria. Con esa idea le podría encontrar algo más de sentido, pero igualmente en conjunto me seguiría pareciendo insufrible. Concuerdo con un colega, quien dijo que le parecía estar viendo la versión extendida de la película en DVD o la versión larga del director, sin cortes ni edición.
 
 

 
 
Entonces me molesta por todo lo que intenta abarcar y sobre todo por lo desaprovechado que quedaron algunas historias y personajes. Todo eso hace que la crítica central quede bastante mermada y hasta un poco endulcorada por esa misma redención que procede al tiempo a darle a la industria. La máquina de sueños, de pesadillas y de dinero. Y el cierre es caótico, y no me refiero a un caos de grandeza si no de desorden y de pérdida de visión y de esencia de lo que se estaba contando. También extraño que se pierda en gran parte del metraje ese ritmo frenético, esa extravagancia y ese cóctel de excesos, porque lo que más me gusta es el inicio y la fiesta fuera de control, muy bien filmada, con ritmo trepidante durante toda la hora que dura toda esa introducción, ese prólogo. 
 
 

 
 
Pero si tengo que mencionar otros aspectos positivos, tendría que decir que la fotografía de Linus Sandgren, la música de Justin Hurwitz y las actuaciones de Diego Calva y Margot Robbie, ambos lucen muy bien en la pantalla y la cámara los captura con mucho amor y luz, trasmitiendo todas las emociones que transitan, pero lamentablemente se ven arrastrados en el espiral de caos y sin sentido al que entra la película. En síntesis, una película con potencial pero finalmente fallida, en donde creo que si algo mantiene una estabilidad es la banda sonora. Pero fue una completa decepción, y la sufrí mucho de mala manera.

 
 
 

Reseña Completa y Análisis de la película: Babylon


 

 

martes, 12 de agosto de 2014

The Wind Rises (Hayao Miyazaki)

Comentario sobre la película The Wind Rises


“The wind is rising...we must attempt to live” (Paul Valéry). Con esa frase inicia la aventura a la última película del gran maestro de la animación, Hayao Miyasaki. “The Wind Rises” (Kaze Tachinu), una bella y conmovedora película, basada en el personaje real de Jiro Horikoshi, el hombre que diseñó el avión de combate Zero, utilizado en el ataque a Pearl Harbor durante la Guerra del Pacífico. Pero la historia se centra en la niñez, los años de juventud y madurez profesional de Jiro, sus sueños y su enfrentamiento con la realidad.

Una historia con drama, romance, aventura, sueños, tristeza, decepción y amor a la vida, bellamente ejecutada y dirigida, con una estimulante banda sonora que acompaña con acierto y detalle cada secuencia, incluso en aquellas donde se ausentan las palabras. Es al parecer la última película que hará el maestro Miyazaki, y creo que aunque sigue manteniendo algunos elementos de su cine, ha hecho un filme un poco diferente al resto de su filmografía, y al mismo tiempo su trabajo más provocador y polémico. Simplemente con el personaje que escogió, le llovieron críticas, y es lo que me parece muy interesante, ya que el filme aunque algunos digan que hace apología a la guerra, a mí me pareció todo lo contrario, una sútil e incómoda crítica a la guerra, a un hecho histórico y a la destrucción de la creatividad y los sueños.

Creo que aunque haya magia, belleza y esperanza, es un filme con una alta dosis de drama bien proporcionada, dolor, crítica, un guión sólido donde aborda además de datos biográficos, el mismo entorno económico, político y cultural del Japón, como potencia emergente, entre muchos otros detalles, que quedan de telón de fondo en esta bella y triste historia de amor y de vida. Hay mucho por analizar, ya que no es un filme superficial, improvisado, ni sencillo, para lanzar diatribas arbitrarias, sino uno de los trabajos más maduros, ambiciosos y mejor logrados del gran director nipón, que desde hace tiempo pertenece al Olimpo del cine mundial. Muy recomendada.

 

8.5/10


 

Trailer de The Wind Rises
Frases y Diálogos de la película





Comentario sobre la película The Wind Rises



Comentario sobre la película The Wind Rises



Comentario sobre la película The Wind Rises



Comentario sobre la película The Wind Rises


lunes, 20 de mayo de 2013

El Gran Gatsby (Baz Luhrmann)





“El Gran Gatsby” es el último trabajo del director australiano Baz Luhrmann, que en esta oportunidad se ha encargado de adaptar otro clásico de la literatura, luego de haber hecho lo mismo en 1996 con la obra de Shakespeare “Romeo y Julieta”, protagonizada por los jóvenes (en ese momento) Leonardo Dicaprio y Claire Danes. Ya con esa libre adaptación del clásico, Luhrmann iría mostrando su particular estilo en transformar historias y “modernizarlas” a su antojo. En el 2001 presentaría en Cannes, la que es considerada su mejor película hasta el momento, “Moulin Rouge”, el filme que pondría de moda nuevamente a los musicales, y que seguiría dejando huella del estilo del director, con gran inclinación por el aspecto visual de sus películas, mezclando la época con canciones modernas y con algunos excesos en algunos elementos. En el 2008, presentaría su gran superproducción “Australia”, nuevamente con Nicole Kidman, que aunque fue un filme muy criticado, a mi no me desagradó del todo, me gustaron algunas cosas, pero era innegable su pretenciosidad y su exceso de duración. Vemos nuevamente la palabra “exceso”, muy característica del cine del director. Para este 2013 ha presentado su último filme, que ha inaugurado el prestigioso Festival de Cannes, y en donde ha adaptado una de las grandes novelas americanas. La novela de Francias Scott Fitzgerald, “El Gran Gatsby”. 

La novela de Fitzgerald, aunque no es de mis favoritas, si reconozco que es una muy buena novela. Publicada por primera vez en 1925, casi en el mismo tiempo en que transcurre la novela, por lo que podríamos decir que Fitzgerald la escribió casi que en “tiempo real”. La novela es tan importante y valiosa porque retrata de gran forma la América de los años 20, los escombros y sombras de la Primera Guerra Mundial, el gran periodo de riquezas, fiestas y despilfarro, la prohibición del alcohol, lo que generó la creación de grupos criminales y  algunos de los “nuevos ricos”. Todo esto está plasmado en la novela de Fitzgerald como telón de fondo, detrás de una triste historia de amor, que sirve de augurio de la misma depresión vivida a finales de la década. 

El filme, a pesar de tomarse algunas libertades, creo que es muy fiel a la historia original de Fitzgerald. Narrada de igual forma desde el punto de vista de Nick Carraway, un joven en busca de fortuna que deja de escribir para trabajar en la bolsa. Se muda a un barrio de “Nuevos Ricos” en una pequeña casa que contrasta con las enormes casas del lugar. Nick, quien en el filme se encuentra en una especie de psiquiátrico (algo que no ocurre en el libro), empieza a contar a su médico y escribir la historia de un hombre que conoció años atrás, la historia de Jay Gatsby (esta última parte, claramente haciendo alusión a la misma vida del Fitzgerald), un misterioso, millonario y solitario hombre que organiza las mejores fiestas de la ciudad y que se encuentra esperanzado por recuperar su viejo amor, que conoció cinco años atrás, Daisy, precisamente la prima de Nick. Entre ellos y otros personajes a su alrededor se desarrolla una historia llena de soledad, nostalgia, añoranza, amor, materialismo, corrupción, excesos y tragedias. 

En cuanto a la adaptación y al filme en sí, primero voy a mencionar lo que me agradó: la relativa fidelidad del director, Luhrmann se esmeró en el guión, incluso se dice que hasta consultó a Coppola, quien escribió un guión de la novela años atrás. Creo que la adaptación es aceptable y decente, en cuanto a la historia. Me gusta la narración en tercera persona a cargo de Nick, quien atisba sobre la vida de su amigo, su prima y la sociedad en general. También la transcripción exacta de varios fragmentos del libro, que nutren y embellecen la historia. Las actuaciones son destacables y correctas, destacando a la bella Carey Mulligan, que se acerca mucho al personaje de Daisy, con esas miradas que hablan por sí mismas. Leonardo Dicaprio está correcto pero no sé porque siempre hay momentos en que no me parece natural. A Tobey Maguire lo encuentro también correcto con su personaje, así como el resto del reparto. Y ya para finalizar esta parte de “aspectos positivos”, creo que la ambientación de la época es interesante a pesar de los excesos.  

En cuanto a lo que no me gustó de la adaptación: hay momentos en que la historia se pierde, y esto ocurre por el contraste que hay entre los momentos intimistas (más cercanos a la obra de Fitzgerald) y los repentinos cambios en la atmósfera, en donde el director deja fluir todo su estilismo y excesos, él misma se acerca y se aleja, lo que creo que hace tambalear por momentos al filme, por mucho que quisiera imprimir su estilo. Por otra parte, aunque sé que es muy común sus introducciones de canciones modernas, creo que la música de Jay Z y su esposa Beyonce, que al parecer por ser productor del filme ha impuesto que salga su música, no se relaciona para nada con la historia ni con los momentos festivos de la época. Sobre todo cuando suena “Crazy in Love”, te preguntas ¿Qué hace sonando eso en este momento? Y suena de forma tan leve, que parece que el mismo director haya querido comprimirla, pero en fin. Y no es nada contra Jay Z, creo que incluso me gustan algunas canciones suyas, pero nada que ver aquí. Y por último, creo que la gran posibilidad que tuvo el director de hacer una excelente versión, desaprovechada. 

En síntesis, es una adaptación aceptable de la obra de Fitzgerald, aunque pudo ser mucho mejor. Por todo esto:


6.5/10
















lunes, 4 de marzo de 2013

Blancanieves (Pablo Berger)




“Blancanieves” es una nueva adaptación de clásico cuento de los Hermanos Grimm, que a la vez fue tomado e inspirado de otros relatos tradicionales. Cuando vi por primera vez el tráiler de esta película, no me llamó mucho la atención, ya que el mismo año se habían estrenado otras dos versiones del cuento (que por cierto, me parecieron terribles). Y sobre todo, luego de ver que era una versión españolada con toreros, flamenco y todo el cuento. Mantuve mi escepticismo hasta que tuve la oportunidad de verla por primera vez en el Festival de Cine de mi ciudad. 

La adaptación de Berger me gustó mucho. Desde el primer fotograma te traslada inmediatamente a otra época, te envuelve en la atmósfera y te lleva de la mano a ese espectáculo visual, poético y sin palabras, que es una de las adaptaciones más hermosas que he visto sobre el clásico cuento. Me gustó mucho la propuesta, la puesta en escena y la originalidad del relato, que es una trasposición de la historia original a una versión española, donde además de características culturales del país vasco, también se retrata un sentimiento general que trasciende las fronteras España. Lo que convierte al filme, tal vez en un clásico del cine español, y un ejemplo en la adaptación de clásicos sin necesidad de estropearlos. 

Dirigida y escrita por Berger, “Blancanieves” cuenta la historia del famoso cuento, ambientado en la España de los años 20, una época difícil y de crisis para el país, quizás para hacer un paralelismo con la época actual. En el cuento tenemos a Blancanieves o Carmen, la niña que es abandonada tras la muerte de su madre; la madrastra o Encarna, que es una enfermera que se gana la confianza del padre de Carmen cuando se encuentra en el hospital, golpeado por la muerte de su esposa y se lo gana hasta convertirse en su esposa; los 7 enanos, que en esta oportunidad son 7 hombrecillos toreros, dedicados a entretener al público; el padre de Blancanieves, que no es un rey, sino un famoso torero, Antonio Villalta; hay también una manzana envenenada, toreo y flamenco. Y ambientando la historia, los sentimientos universales, como la envidia, la ambición, la tristeza, el aprovechamiento y el siempre persistente amor. 

Desde el punto técnico, es una maravilla visual, con una excelente fotografía y banda sonora. El blanco y negro y que sea muda le aporta mucho, labor que facilitan los excelentes actores. Ya que hay un reparto de lujo, encabezado por Maribel Verdú, Ángela Molina, Macarena García y Daniel Giménez Cacho. Todos se meten en su papesl y trasmiten absolutamente todo lo que sus personajes deben. 

Y la historia es hermosa y nostálgica, no hay príncipe pero si hay amor. Y una de las lecciones es que no siempre el amor supera la realidad. Y que la realidad es a veces más dura. Un cuento sin edulcorantes, un cuento real en un periodo duro, en donde el ser humano se aprovecha del más débil y de la ignorancia del otro. Algo aún persistente en nuestra realidad actual. Un cuento diario que se repitió y se sigue repitiendo todos los días. 

En síntesis, una obra de arte que no deben perderse. Un poema visual en blanco y negro y sin palabras, y junto con la portuguesa Tabú, los dos homenajes al cine clásico europeo mudo y en blanco y negro. Ambas imperdibles y memorables.   

(8.5/10)