Reseña de la película: Morichales (Chris Gude) - 2024 / Colombia / Documental

Y empiezo mis reseñas extendidas sobre distintas películas que vi en el pasado FICCI 64 (Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias), con un documental que hizo parte de la selección de Cine Colombiano, y que al final ganó el Premio a la Mejor Película o Largometraje Colombiano. Conocí al director, Chris Gude, años atrás, como en el 2015, cuando estuvo en Cartagena presentando su película "Mambo Cool" en un Ciclo de Cine Radical, y desde ese visionado pude ver los pilares de la identidad artística de un director en ciernes, preocupado e interesado por la realidad geográfica y social del país, mientras usaba como vehículo narrativo un estilo experimental, minimalista y sofisticado, con influencias del cine de Pedro Costa, el gran director luso.

Con “Mambo Cool”, Chris inició una trilogía sobre el tráfico ilegal de ciertas mercancías al interior de Colombia, Venezuela y sus fronteras ("Mambo Cool" con el microtráfico en Medellín y "Mariana" con la gasolina en la Guajira). En "Morichales" nos sumerge en toda un relato ancestral, en donde se permite explorar la mitología de la zona, desde la esencia del árbol Moriche, el cual es importante como materia prima para producir muchas cosas prácticas para el ser humano, además de para albergar y permitir el desarrollo de la vida de distintos organismos; hasta llegar al proceso de la minería del oro y toda la organización económica que se mueve bajo esta práctica en esa zona de la Guayana venezolana, en donde grandes reservas de oro se encuentran bajo las palmeras de moriche.

Chris y su equipo cuentan esta historia primigenia, que aunque sea presentado en un formato documental que sigue un hilo de acontecimientos, la forma en que está desarrollado y editado, me parece muy experimental y poética, en donde pude observar destellos de las inquietudes artísticas y creativas que han embargado al director desde sus inicios. Además, de mencionar aspectos como la música que acompaña el metraje, haciendo que la experiencia sonora sea otro elemento importante en esta travesía; y sin dejar de mencionar las animaciones usadas a partir de dibujos rupestres y mapas antiguos, que a la vez van trazando una cartografía hacia un análisis profundo de nuestro territorio, las diversas prácticas en torno al tráfico y la cadena de degradación de nuestros recursos naturales.

El documental fue filmado a través de diez años con sus respectivas precauciones, al estar explorando, indagando y grabando en medio de toda la cadena de valor de la minería ilegal. Y aunque el estilo de grabación sea aparentemente sencillo, también nos permite atisbar el nivel de riesgo que corrió el equipo al adentrarse en la raíz de todos estos procesos, que logran ser documentados de forma natural y orgánica, mientras el narrador en off, siempre presente (pero sin molestar), nos va guiando e iluminando sobre todas las bases y elementos que componen las economías extractivistas. 

Recomiendo mucho que la vean en las distintas proyecciones regionales que está organizando la productora, “Fuego Inextinguible Cine” (@fuego.cine en Instagram), junto a la proyección de las otras dos películas de la trilogía de Chris Gude, porque además de todo lo mencionado, me parece que invitan a una importante reflexión sobre la relación ancestral del ser humano y la tierra (la naturaleza), junto a su evolución vital y la destructiva. 

Trailer de Morichales - (Link 1)

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

Facebook

Instagram

Twitter personal y A.S.B Virtual Info

Twitter de @CineenFrases

Fan Page A.S.B Virtual Info

Fan Page de Grandes Frases y Diálogos del Cine

 

Voyage of Time: Life’s Journey (Terrence Malick)

Finalmente he podido ver el esperado documental del gran Terrence Malick, que le ha llevado años de producción y realización, y que de hecho sirvió de insumo para su gran obra maestra “El Árbol de la Vida”. Y en efecto, este documental es una obra hermana de The Tree of Life, y que a la vez creo que cierra un ciclo exploratorio y experimental de Malick en las incursiones a los orígenes de la vida, del amor, y dentro de este gran ciclo, su trilogía sobre las relaciones amorosas, que también terminó hace poco. 

El documental nos confirma y a la vez verifica muchas de las concepciones asertivas y equivocadas que se tenían con El Árbol de la Vida. Nunca fue una parábola religiosa como muchos afirmaban. Malick es un poeta y un filósofo, y sus fuentes de inspiración más fidedignas son Walt Whitman, Soren Kierkegaard, Arthur Schopenhauer, Friedrich Nietzsche, hasta el mismo Darwin, el panteísmo y el naturalismo.

El documental que también podría llamarse, “Mother” (Madre), porque es la palabra más repetida, ya que corresponde a los cuestionamientos que se hace en el metraje, con la voz de la gran Cate Blanchett. En esta oportunidad, no es Dios a quien están dirigidas las plegarias, las preguntas y los cuestionamientos. En el Árbol de la Vida, la gracia, que personificaba a la madre, Jessica Chastain, era quien cuestionaba a Dios, debido a sus propias creencias. Pero en esta ocasión, no hay una historia intermedia de una familia, no hay un filtro, sino que nos encontramos con el todo, por eso la Madre reemplaza a Dios, y asume su papel, la gracia, la naturaleza, la diosa, la dadora de vida.

Voyage of Time, en efecto, nos relata la historia de la vida, la parte general de ese Árbol de la Vida, de esa magistral secuencia de la obra maestra del 2011, amplificada y en su concepción general. Y claramente Malick se decanta por una teoría, y es realmente notable como configuró las teorías de la evolución para plasmarlas en imágenes cinematográficas. El espectador va mirando y descubriendo con curiosidad el desarrollo de los eventos, mientras que se deleita, se pregunta, se cuestiona y reflexiona sobre la veracidad de esa cronología, de ese relato, y trata por un momento de plantearse esa situación, y todo lo que implica su aceptación. 

Además de un documental, o más que un documental, me parece un ensayo filosofófico y poético, que el texto no es sólo lo que esboza la voz de Cate Blanchett, sino toda la configuración de las imágenes, su secuencia y su revelación. 

Dentro de las secuencias, de vez en cuando se añaden escenas de gente común, de personas en distintas partes del mundo, de mujeres, de madres, de niños, de hombres, que representan parte de la finalidad de ese proceso. Mientras que comportamientos comunes son contrastados: la fricción, la reacción natural, de conflicto, de efecto, que va de una partícula, de la mezcla de los elementos de la naturaleza, de los animales, hasta la de los mismos humanos. Se presentan como procesos naturales, inherentes y necesarios para la vida.

Quizás en algunas escenas se nos saltan parte del proceso, como el mismo proceso que decanta en el ser humano, aunque se nos sugiere, supongo que incluso hay procesos muy misteriosos y complejos de copiar de la misma naturaleza, que sin dudas es la gran protagonista del documental, la que se desnuda al espectador, la que desde sus entrañas sirve de lienzo para contar la gran historia de la humanidad, y la que recibe todos los clamores de sus hijos. Y al llegar al punto crucial de nuestros ancestros más comunes, y como enfrentaban el mundo que existía, cómo aprendían, y como se desarrollaban junto a su madre, que proporcionaba todo a su alcance.

En general, las imágenes son bellísimas, en todas sus ópticas y perspectivas. No debemos confundirlo como un documental informativo de la naturaleza y el origen de las especies, porque quien quiera encontrar eso se va a decepcionar. Es un ensayo filosófico y poético, apoyando en imágenes poderosas, un poco más en la línea de esos grandes documentales ilustrativos, como Samsara o Baraka, pero en este Malick tiene un punto muy ambicioso y específico en desarrollar y plasmar. Y es más fascinante para los admiradores de The Tree of Life, porque tenemos un acercamiento directo con la fuente de inspiración, desarrollo y trabajo, que terminó en aquella, una de las mejores películas de la historia del cine.

Si bien, el documental no me parece una obra maestra, me parece un gran trabajo, lo he disfrutado mucho. Y lo veo más como una síntesis, una depuración, detrás del trabajo de un gran creador. Y me parece un dato curioso que el documental tenga un nombre similar a aquel documental del gran Andrei Tarkovsky, "Tempo di viaggio" (Voyage in Time), sobre el rodaje de su película "Nostalgia", y que representa también una reflexión sobre su cine. Tarkovsky es otro o el poeta original del cine, conocido por el uso de los símbolos y los elementos de la naturaleza en su cine, además de la filosofía. Y la poesía de Malick, tan bien llamado el gran poeta del cine, no es sólo en sus imágenes poéticas, sino en sus mismos textos, que como siempre he mencionado en las reseñas que hago de sus películas, hay una influencia del gran Walt Whitman, y sus Hojas de Hierba. Prueba de eso, estas frases finales del documental, que forman un bello poema:

Madre.
¿Qué amo, cuando te amo?
Tú.
La luz.
La oscuridad.
La polilla.
La llama.
El amigo...
...y el extraño.
El vino...
...y el Policía.
El amanecer.
Nuestra luz.
¡Ay, madre!
Las lágrimas que lloraste.
Las escenas que has visto.
El amor se derramó.
Los esfuerzos.
Esperanzas.
Las sombras huyen.
El espectáculo.
El tiempo, se remonta a su fuente.
Madre.
Tomo tu mano.
Ya no sueño.
Me uno a ti.
Hoja a una rama.
Rama a un árbol.
El amor nos vincula.
Lo que vive en ti...
...no puede morir.
¡Ay, vida!
¡Ay, madre!



8/10 



Trailer de Voyage of Time: Life’s Journey 

"Perspectivas I" by A.S.B (Cortometraje Experimental)

Del lat. tardío perspectīvus, y este der. del lat. perspicĕre 'mirar a través de', 'observar atentamente'; la forma f., del lat. mediev. perspectiva 'óptica'. 

(DRAE)

Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas)

“Post Tenebras Lux” (Después de las tinieblas, la luz), es el cuarto largometraje del prestigioso y polémico director mexicano Carlos Reygadas, luego de Japón, Batalla en el Cielo y Luz Silenciosa. Con este filme Reygadas creo que logra su mejor obra hasta el momento. 

Dirigida y escrita por Reygadas, la película filmada en un formato muy poco usado actualmente, que mantiene una difusión en los extremos de la cámara, cuenta la historia de una familia de clase media alta, que se traslada de la ciudad de México para vivir en el campo. En el campo se enfrentarán a los normales conflictos de pareja, y además de conflictos con los otros campesinos de la región, choques culturales, etc. Esa es la historia principal, a la que posteriormente observaremos distintos símbolos y alusiones que van retratando el desarrollo de la pareja y su entorno, escenas del pasado y otras del futuro, más algunos elementos oníricos que irrumpen en la estructura del filme.     

Todos estos elementos conforman una de las mejores películas del 2012 y una de las más hermosas visualmente. 

Reygadas quien ha confesado su admiración por el cine del gran Andrei Tarkovsky, juega con las imágenes, el paisaje, los elementos, los iconos culturales y las emociones humanas para construir sus creaciones. Un atardecer, la leve caída del sol, una figura de un diablo con una caja de herramientas, unos jóvenes jugando rugby. Todas estas imágenes, aunque a primera vista formen un suceso de fotogramas sin orden ni significado, son elementos al servicio del director. Es tarea del espectador dejarse llevar y pensar un poco más, porque el mensaje está esperando en ser descubierto y no en una bandeja de plata.

El título es sugerente, que es un fragmento en latín que aparece en la biblia en el libro de Job. Y que indica en cierta forma parte del mensaje de Reygadas. Es una crítica a la sociedad burguesa, a la distinción de clases sociales, a la perversión del ser humano, a la culpa y la maldad, que curiosamente no es representada por el diablo rojo que sale en escena al inicio y al final del filme. 

Post Tenebras Lux, también habla sobre el peso de la culpa, sobre las heridas que no se curan con el tiempo, sobre la destrucción de la naturaleza, la perdida de la inocencia y la violencia. Según el mismo Reygadas, el filme también pudo llamarse “México Sangra”, argumentando esa disección que realiza sobre su país (y que siempre está latente en sus obras), que en muchos aspectos refleja el estado actual de muchos países del mundo, que se encuentran inmersos en una sociedad forjado hace muchos años por un sistema que lleva pudriéndose hace mucho tiempo. 

La dirección de Reygadas es excelente, filmado de forma magistral, siempre buscando la provocación y evocar y trasmitir con las imágenes y el espectáculo visual que siempre tiene claves. La fotografía es excelente. Los actores hacen un muy buen trabajo y son muy naturales. Los niños, que son los mismos hijos de Reygadas, también los deja expresarse y mezclarse con el paisaje para abstraer belleza y que ambos se complementen para lograr la sustentación de un significado y un símbolo. 

En síntesis, un nuevo trabajo de uno de los directores latinoamericanos más importantes de la década, y quizás con miras a convertirse en uno de los más importantes de su generación, por su valentía y atreverse a hacer un cine diferente. Recomendada para los admiradores del mexicano y los espectadores más arriesgados.

Anécdota: El filme también lo pude ver en el FICCI, los disfruté de inicio a fin, cuando terminó la proyección ocurrió algo interesante. Normalmente el público siempre aplaude apenas se acabe el filme, aunque sea mala la película. Con esta película hubo como 30 segundos, casi un minuto de silencio. Y sólo después escuché algunos comentarios de algunas personas que no les había gustado y otros que sí. Parecido a su paso en Cannes, es de estos filmes que generan polémica y división.  

(9/10)

Trailer de Post Tenebras Lux

Frases de la película

It´s Such a Beautiful Day (Don Hertzfeldt)

Cuando pensaba que ya había visto los dos mejores filmes de animación del año “Frankenweenie” y “Le Tableau”, aparece esta película que tenía muy pendiente y las ha igualado y superado, “It´s Such a Beautiful Day” de Don Hertzfeldt. El famoso y aclamado director de cortometrajes realiza su primer largometraje, uniendo las tres partes de su trilogía sobre un personaje llamado Bill. Un ejercicio ambicioso y visionario. Una nueva obra maestra de la animación.

Don Hertzfeldt, dirige, escribe y además es el narrador del filme. La voz omnipresente que va contando y dirigiendo la historia de Bill. Una historia sencilla, de una persona normal, con la que muchos se sentirán muy identificados. Una historia sincera que rebosa creatividad y profundidad, una historia dramática, caótica, con dosis de humor negro, nostálgica, hermosa y luminosa.

Bill, es un personaje común y corriente, un personaje normal en pleno siglo XXI. Una persona atormentada y con temores. Hertzfeldt nos sumerge en ese personaje tan sencillo, en un dibujo como le dicen hecho en palitos, nos sumerge en su psiquis yen su viaje interior, envuelve al espectador con la misma historia que va contando con su voz y utiliza diversos recursos cinematográficos para perturbar al espectador y relacionarlo con la angustia mental de Bill.

Nos sumerge en su enfermedad, una enfermedad que los médicos no pueden diagnosticar. Una enfermedad de la que adolecen muchas personas. Bill, ha tenido que sufrir el abandono de su padre y su padrastro, la locura de su madre, una mujer con muchos problemas. Y aún así ha logrado sobrevivir.

La animación es brillante, la mezcla de los dibujos sencillos de Bill con la de imágenes múltiples, videos, colores, figuras y sonidos que le ayudan a generar el efecto en el espectador. Todos esos efectos que ayudan en la parte surrealista y onírica de la historia.

Porque el filme refleja un estado de ánimo y un sentimiento general, prevalecen emociones existencialistas como la desesperación y la angustia. Al mismo tiempo es atemporal, ya que parte de la enfermedad de Bill, no le permite diferenciar entre el pasado y el presente, por lo que en ocasiones observamos flashbacks repentinos y sin previo aviso, que recuerdan al pequeño Bill.

En síntesis, una historia conectada de forma magistral con un excelente guión, una historia triste y a la vez luminosa, perturbadora y poética y una reflexión sobre la vida. El director alcanza con su sencillez límites que distintos tipos de animación o largometrajes normales ni siquiera han rozado. Una obra maestra de este fantástico y joven director que no debemos dejar de seguir.   

9/10

Trailer de It´s Such a Beautiful Day

Frases de la película

Holy Motors (Leos Carax)

Uno de los filmes que más tenía ganas de ver desde su estreno a principios de año en Cannes. Pensaba que me iba a encontrar la primera obra maestra del año, pero lamentablemente no la encontré.

“Holy Motors” es un filme raro y extraño, o al menos lo aparenta, pero en realidad es un filme con un argumento nada fuera de lo común, aunque esté adornado estéticamente. Cargado de gran simbología, con diversas críticas generales a la sociedad y al ser humano y sobre todo un retrato particular sobre la falta de identidad en la sociedad contemporánea.

Dirigida y escrita por Leos Carax, autor de filmes como Los amantes del Pont-Neuf y Pola X, en esta ocasión Carax cuenta la historia de Oscar, un hombre con muchas identidades, desde banquero y padre, hasta mendigo y asesino. Durante todo el filme lo vemos viajar en una limusina, en donde va cumpliendo cada uno de sus trabajos, en donde interpreta a un personaje diferente en cada uno. 

En cada una de las identidades asumidas por Oscar, que varían a diario, podemos observar desde distinta óptica distintos problemas de la sociedad, pero sobre todo, somos testigo de la inconformidad del ser humano con su propia existencia e identidad, y ese anhelo en ser alguien más, en hacer cosas diferentes que normalmente, con una vida normal no tendríamos la oportunidad de hacer por las distintas limitaciones del sistema.

Durante el filme podemos ver a otras personas que también se dedican al mismo trabajo de Oscar, y viajan en su limusina asumiendo distintos roles e identidades, vivir distintas vidas para así no pensar en sí mismo. Al final no sabemos cuál es la verdadera identidad de Oscar.

Aunque no he visto el filme “Alps” de Lanthimos, creo que se asemeja un poco en el argumento. La historia me gustó y su sentido simbólico y metafórico, pero el filme por alguna razón no me sorprendió, ni me emocionó, con esa emoción que siento cada vez que veo una obra maestra. En esta ocasión quedé esperando la sensación.

El filme cuenta como mayor virtud, su estética, ese universo y ese lenguaje que utiliza Carax para trasmitirnos con su historia, reforzando y acompañando la simbología del argumento, además de su excelente dirección y fotografía. Sin olvidar las excelentes actuaciones, resaltando sobre todas la del gran Denis Lavant, que se mete en los distintos personajes y los interpreta con fuerza y de forma convincente. Hace una gran labor. Además de Edith Scob y los pequeños personajes de Eva Mendes, Michel Piccoli y la cantante Kylie Minogue.

En síntesis, un filme muy interesante con una gran simbología y despliegue artístico, pero que sin embargo (para mí) no alcanza el estatus de obra maestra. A pesar de sus innegables virtudes.

7.5/10

Trailer de Holy Motors

Frases de la película