Reseña de la película “Flow” (Gints Zilbalodis) - 2024 / Letonia / Animación

En el 2024 se estrenó otra película animada del estudio DreamWorks, “The Wild Robot”, que es una fábula ecologista, con un alto protagonismo de animales en una isla sin humanos, en medio de un entorno apocalíptico en el exterior. La película animada letona, Flow, también se podría decir que es una fábula ecologista, aunque acá los animales no hablan, sino que emiten los sonidos que normalmente generan. Y aunque no haya voces, el diseño de sonido es muy importante en la película, porque además de los gruñidos y el lenguaje natural de cada especie, la película da un protagonismo a los sonidos de la naturaleza, que eventualmente descubrimos que es otra gran protagonista de la película. La Naturaleza en sí.

La película se centra en la figura y la perspectiva de un gato negro, quien un día despierta y encuentra que el lugar donde habita se está inundando progresivamente. Ese espacio que habita, parece que se encuentra deshabitado de humanos, y que una catástrofe ambiental está a punto de arrasar con todas las especies que permanecen con vidas. Esa situación lleva al gato a enfrentarse a varios de sus más profundos miedos: Primero, los perros y otros animales que suelen asustarlo, y que normalmente suele evitar. Segundo, el agua. Pero la progresiva inundación lo obliga a refugiarse en un pequeño barco junto con otras especies de animales, las cuales tienen una personalidad o instinto propio de su especie: entonces nos encontramos con la pasividad de un Capibara, la vanidad de un Lemur, la imponencia y elegancia de un Ave Secretario, y eventualmente el caos de unos perros. Juntos deben convivir en un pequeño espacio, mientras el mundo que conocen desaparece y los lleva más cerca a otro mundo inexplorado lleno de agua. Debo mencionar también entre los animales a la misteriosa ballena que aparece en ciertos momentos y ayuda a nuestro gato. ¿Y los humanos? Aunque la película nos muestra algunos detalles al inicio que pueden dar pistas sobre el dueño del gato y su casa/taller, la verdad no se ahonda en ellos o la razón de su extinción, pero los animales en cierta forma nos representan.

Con esa descripción anterior, podemos ver que es una película de aventuras, de sobrevivencia, de amistad, de adaptación al cambio, de aprendizaje y autorrealización. Porque aunque hay escenas y momentos divertidos en este viaje, también hay escenas de mucha tensión, en especial en donde deben luchar con el movimiento del agua, la fuerza del viento y con los obstáculos naturales del camino, como grandes rocas o árboles. Y es gran mérito de la dirección, la fotografía y la animación (que mezcla el 2D con el 3D), logrando momentos muy reales y vívidos, que personalmente me llegaron a generar incluso miedo y temor por la vida de los personajes. Además de imaginarme un eventual escenario futuro, en donde todo eso podría ser una realidad, como ya lo ha sido en tiempos pasados.

Sin el ruido de las voces o de explicaciones y reflexiones innecesarias, solo nos queda sumergirnos en esta experiencia sensorial, inmersiva, audiovisual y poética, que habla con las imágenes y los sonidos, y se apoya de los símbolos y arquetipos para sugerir e incentivar reflexiones propias en el espectador. Porque al final ese pequeño barco es el mundo, somos nosotros. Y la película nos lleva en ese camino interior a resolver preguntas sobre la colaboración y el trabajo en equipo. La aceptación del otro (por distinto que sea de mí) y cuestionar nuestro lugar en el mundo (y al mundo en sí mismo, sobre todo cuando hay conflictos y hostilidad), además de nuestra realidad y cómo la percibimos. Como ven preguntas muy complejas, profundas y filosóficas, a través de un empaque muy sutil, bello, sencillo y luminoso. Es una preciosa obra de arte y una de las mejores películas del año (animadas y no animadas). Nominadas a dos Premios Oscar a la Mejor Película Animada y la Mejor Película Internacional. 

Al parecer la idea del director, Gints Zilbalodis, nació de su deseo de juventud de hacer un cortometraje sobre un gato con miedo al agua.

Tráiler de Flow - (Link 1)

 

Reseña Completa y Análisis de la película: Avatar: The Way of Water (El camino del agua) de James Cameron - 2022 / U.S.A.

 

 

 

Ayer finalmente vi la secuela de Avatar, y me ha encantado sentir nuevamente esta experiencia en el cine, con la sala repleta, la gente concentrada y aplaudiendo de vez en cuando (con ovación al final) y niños intentando atrapar en el aire los peces que se veían en la pantalla de 3D. Y la película, también la he disfrutado mucho y he estado expectante durante las más de tres horas que dura. Cameron vuelve a poner el listón alto en cómo se hace un buen blockbuster, en donde aunque la historia tenga carencias suple con creces con la producción y todos los elementos técnicos y artísticos que generan reacciones de sorpresa e involucran emocionalmente al espectador.

 

 

 

 

 

La película prácticamente nos ofrece tres actos. Era un desafío retomar una historia tras un espacio de casi 15 años de ausencia, para reconocer personajes antiguos e involucrarse con unos nuevos, seguir la trama e identificar nuevamente este universo, que ahora propone uno nuevo. Es por esto que en este primer acto se nos presenta nuevamente a los personajes principales, con la adición de los hijos que han tenido la pareja de los Sully. Cada uno tiene un elemento especial que ayuda al espectador a identificarlo, lo que ayuda bastante pues a veces resultan muy parecidos. En este primer tramo tenemos un formato de cine de aventuras, con los niños aprendiendo y explorando su hogar en el bosque hasta que regresa un viejo enemigo. Y aquí entonces hago apunte del primer pero, porque no es que me desagrade el malo, de él entiendo su ansia de venganza, pero la introducción de otros personajes quienes lo apoyan y vuelven con la intención de atacar Pandora, no entiendo mucho la motivación, sino que parecen instrumentos del villano, o al menos la manera en que son presentados es un poco confusa. Creo que es uno de los elementos que me chocaron, a pesar que incluyeron a una gran actriz como Edie Falco. Y en ese primer acto también a veces no sentía un orden y una pulcritud en la dirección y la fotografía en las escenas de acción o persecución. Pero como parte introductoria del conflicto está bien, además de la presencia de un niño especial que es diferente a los otros de la tribu, quien más adelante tiene un papel interesante en la trama, y seguramente en el futuro de la saga.

 

 

 

 

 

Luego viene el segundo acto, que me pareció superior y donde se roza la maestría en muchos momentos. Aquí se entiende lo que quizás demoró tanto la producción de esta película, porque prácticamente Cameron cambia el curso de la historia y crea un universo nuevo donde al parecer seguirán las siguientes secuelas. Y ese universo es el mar, el océano. Escapando de sus enemigos, los Sully abandonan su tribu en el bosque y buscan acogida en el pueblo marino, donde deben adaptarse a las nuevas condiciones y la nueva cultura con su cuerpo y espíritu. Aquí es donde se ve todo el presupuesto, toda la nueva tecnología en las cámaras de 3D bajo el agua y a la vez el arte de Cameron y su equipo porque nunca las profundidades del mar y las escenas acuáticas se han visto mejor, tan nítidas y hermosas. Y hay que apuntar que aunque se usa claramente el CGI, entre otras cámaras con tecnología especial y nuevas para la captura bajo el agua, los actores tuvieron el reto de hacer escenas bajo el agua, conteniendo la respiración y haciendo todos los movimientos que salen en la película. Entonces, siguiendo con la trama, el espectador junto a Jake, Neytiri y sus hijos descubren ese universo y nos maravillamos junto a ellos ante esos hallazgos con la naturaleza y las criaturas que van mirando y conociendo. Y se sigue con la filosofía que tenían en el bosque, de la conexión y el vínculo con la madre tierra y con la naturaleza, como las distintas comunidades indígenas. Sigue la fábula ecologista y metafísica, ahora en el universo marino y con un toque más trascendente con la misma simbología que rodea al elemento del agua, con su amplitud, fuerza y movilidad. Dentro de esta parte también encontramos un mayor acercamiento al lente de la familia (como en toda la película), las relaciones de padres e hijos, el romance, la amistad, entre otros. Pero también tenemos un auge del conflicto que nos llevará al último acto.

 

 

 

 

 

En la parte final tenemos toda la parte épica, batallas, tragedias, drama y mucha emoción. Esta parte también me gustó porque tiene muchos elementos, referencias y sustancia. Las escenas de acción se ven más depuradas que en el primer acto (ahora que son en el agua, lo que apunta a que la tecnología estaba orientada a la optimización en las escenas marinas). Y me encantó el homenaje y referencia que hace Cameron a Moby Dick y Herman Melville, con ese conflicto entre los cazadores de unos enormes animales marinos aliados del villano y éstos animales, que son llamados Tulkun, que son equiparables a las ballenas en su tamaño, inteligencia y vulnerabilidad ante el humano (y sabemos que en alguna de las próximas secuelas un título tentativo es Tulkun, lo que nos confirma que este universo marino será el que impere en la saga). Y en esta dinámica entre los cazadores y los Tulkun tenemos escenas de caza, de muerte, preparación y extracción de sustancias en el cerebro del animal, que son prácticamente capítulos enteros que encontramos dentro de la novela de Melville. Estas referencias a las ballenas, además de ser escenas muy bellas se encuentran muy bien realizadas, y me emocioné viéndolas, así como la creación del vínculo de los personajes con estos animales. Y por supuesto, el homenaje que Cameron se hace así mismo con las referencias a su otra mastodóntica película y blockbuster: Titanic. Están también muy bien rodadas y todas esas referencias se conjugan con toda la épica y la emoción de ese acto final.

 

 

 

 

 

Como ven, aunque la película tiene peros en algunos momentos de la historia y su fondo, me parece que todo eso está muy bien compensado por lo superlativo de sus otros elementos. Porque al igual que en Avatar 1, la historia sigue siendo sencilla, aunque acá en la secuela con más elementos, pero es una trama que se sigue fácil, coherente y con cierta solidez. Pero la forma (tan importante) como nos narra y nos muestra, a través de la técnica, la fotografía, el diseño de producción, etc. realmente deslumbra al espectador y lo hace disfrutar de emociones y experiencias a través de la pantalla (como ha sido el objetivo del cine) y de un uso del 3D que nuevamente vuelve a estar por delante de todos los que lo han usado (como lo hizo ya en la primera). Y el reparto está muy bien, porque tenemos que tener en cuenta nuevamente que el trabajo de los actores es importante en sus gestos, expresiones faciales e interpretación general, ya que esa fue parte de la innovación de Cameron en esto proceso de capturar movimientos y expresiones de los actores a los personajes a través de sus cámaras, aunque uno pueda pensar que está viendo algún tipo de animación (que en efecto sí la hay, pero es simplemente una innovación a la animación que involucra y le da un papel importante al actor, no solo en su voz como ocurría tradicionalmente). Por eso resalto el papel de Worthington, Saldana, Weaver y la incorporación de Kate Winslet como Ronal, la guerra y lider de la tribu marina. Además del trabajo de los niños y jovenes, quienes lo hicieron muy bien. Además que nuevamente resalta la fortaleza de las mujeres y su complejidad con la construcción de estos bellos personajes.

 
Así que me parece una gran producción, un excelente blockbuster que vale la ida al cine y a vivir la experiencia en 3D, y espero tenga el éxito que se merece.
 

 

Tráiler de Avatar: The Way of Water (Link 1)
 

 

Frases y Diálogos de la película (Link 2)

 

 

 

 

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Long Day's Journey Into Night (Bi Gan)

Retomo mi rescate y ampliación de reseñas de películas del FICCI 2019. Turno para una de mis indudables favoritas, que por cierto, terminó de segunda en mi top de lo mejor del 2018. 

Fue una de las películas que más esperaba del festival desde su exitoso recorrido en diversos festivales a lo largo del 2018. Y la espera valió la pena, sin dudas es de las películas más impresionantes que he visto últimamente.

“Long Day's Journey Into Night” es la segunda película del director chino Bi Gan, nacido en la ciudad de Kaili en China. Su ópera prima precisamente se llama “Kaili Blues”, que mostró un adelante del genio del joven director. 

“Long Day's Journey Into Night”, también está ambientada en parte en la ciudad de Kaili, por lo que podemos especular que el universo creativo y artístico del director se concentra en su ciudad natal, y sus historias tienen tintes autobiográficos. 

“Long Day's Journey Into Night” es una película introspectiva, completamente sensorial, de atmosfera, de sensaciones y emociones. El protagonista, Luo Hongwu, regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. Sólo recuerda que ella dijo que su nombre era Wan Quiwen. 

Entonces Luo Hongwu inicia la búsqueda, y nos sumerge a un viaje por su pasado, por sus recuerdos y por sus sueños. La atmosfera es vital y totalmente lograda, retratando las penumbras de los recuerdos, siempre con claroscuros. La fotografía también es excelente, pulcra y detallista. 

El uso de la música es magistral y gran aliado en siempre mantener el ritmo, incluso en los momentos más pausados, con una melodía que refleja la nostalgia del pasado, y que me recordó a unas melodías anteriormente utilizadas en películas de road movie o westerns donde el anhelo del pasado es protagonista. 

Los actores también hacen un buen trabajo. Y la mención especial y final para esos 50 minutos finales con un magistral plano secuencia, que en cine tuvimos oportunidad de verlo en 3D; y nunca he visto un 3D tan bien usado en pantalla. Es sencillamente una inmersión única, fantástica y totalmente lograda. Es la invitación y acompañamiento a un sueño y al subconsciente de un ser humano. Simplemente una maravillas, una obra de arte.

Trailer de la película

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Voyage of Time: Life’s Journey (Terrence Malick)

Finalmente he podido ver el esperado documental del gran Terrence Malick, que le ha llevado años de producción y realización, y que de hecho sirvió de insumo para su gran obra maestra “El Árbol de la Vida”. Y en efecto, este documental es una obra hermana de The Tree of Life, y que a la vez creo que cierra un ciclo exploratorio y experimental de Malick en las incursiones a los orígenes de la vida, del amor, y dentro de este gran ciclo, su trilogía sobre las relaciones amorosas, que también terminó hace poco. 

El documental nos confirma y a la vez verifica muchas de las concepciones asertivas y equivocadas que se tenían con El Árbol de la Vida. Nunca fue una parábola religiosa como muchos afirmaban. Malick es un poeta y un filósofo, y sus fuentes de inspiración más fidedignas son Walt Whitman, Soren Kierkegaard, Arthur Schopenhauer, Friedrich Nietzsche, hasta el mismo Darwin, el panteísmo y el naturalismo.

El documental que también podría llamarse, “Mother” (Madre), porque es la palabra más repetida, ya que corresponde a los cuestionamientos que se hace en el metraje, con la voz de la gran Cate Blanchett. En esta oportunidad, no es Dios a quien están dirigidas las plegarias, las preguntas y los cuestionamientos. En el Árbol de la Vida, la gracia, que personificaba a la madre, Jessica Chastain, era quien cuestionaba a Dios, debido a sus propias creencias. Pero en esta ocasión, no hay una historia intermedia de una familia, no hay un filtro, sino que nos encontramos con el todo, por eso la Madre reemplaza a Dios, y asume su papel, la gracia, la naturaleza, la diosa, la dadora de vida.

Voyage of Time, en efecto, nos relata la historia de la vida, la parte general de ese Árbol de la Vida, de esa magistral secuencia de la obra maestra del 2011, amplificada y en su concepción general. Y claramente Malick se decanta por una teoría, y es realmente notable como configuró las teorías de la evolución para plasmarlas en imágenes cinematográficas. El espectador va mirando y descubriendo con curiosidad el desarrollo de los eventos, mientras que se deleita, se pregunta, se cuestiona y reflexiona sobre la veracidad de esa cronología, de ese relato, y trata por un momento de plantearse esa situación, y todo lo que implica su aceptación. 

Además de un documental, o más que un documental, me parece un ensayo filosofófico y poético, que el texto no es sólo lo que esboza la voz de Cate Blanchett, sino toda la configuración de las imágenes, su secuencia y su revelación. 

Dentro de las secuencias, de vez en cuando se añaden escenas de gente común, de personas en distintas partes del mundo, de mujeres, de madres, de niños, de hombres, que representan parte de la finalidad de ese proceso. Mientras que comportamientos comunes son contrastados: la fricción, la reacción natural, de conflicto, de efecto, que va de una partícula, de la mezcla de los elementos de la naturaleza, de los animales, hasta la de los mismos humanos. Se presentan como procesos naturales, inherentes y necesarios para la vida.

Quizás en algunas escenas se nos saltan parte del proceso, como el mismo proceso que decanta en el ser humano, aunque se nos sugiere, supongo que incluso hay procesos muy misteriosos y complejos de copiar de la misma naturaleza, que sin dudas es la gran protagonista del documental, la que se desnuda al espectador, la que desde sus entrañas sirve de lienzo para contar la gran historia de la humanidad, y la que recibe todos los clamores de sus hijos. Y al llegar al punto crucial de nuestros ancestros más comunes, y como enfrentaban el mundo que existía, cómo aprendían, y como se desarrollaban junto a su madre, que proporcionaba todo a su alcance.

En general, las imágenes son bellísimas, en todas sus ópticas y perspectivas. No debemos confundirlo como un documental informativo de la naturaleza y el origen de las especies, porque quien quiera encontrar eso se va a decepcionar. Es un ensayo filosófico y poético, apoyando en imágenes poderosas, un poco más en la línea de esos grandes documentales ilustrativos, como Samsara o Baraka, pero en este Malick tiene un punto muy ambicioso y específico en desarrollar y plasmar. Y es más fascinante para los admiradores de The Tree of Life, porque tenemos un acercamiento directo con la fuente de inspiración, desarrollo y trabajo, que terminó en aquella, una de las mejores películas de la historia del cine.

Si bien, el documental no me parece una obra maestra, me parece un gran trabajo, lo he disfrutado mucho. Y lo veo más como una síntesis, una depuración, detrás del trabajo de un gran creador. Y me parece un dato curioso que el documental tenga un nombre similar a aquel documental del gran Andrei Tarkovsky, "Tempo di viaggio" (Voyage in Time), sobre el rodaje de su película "Nostalgia", y que representa también una reflexión sobre su cine. Tarkovsky es otro o el poeta original del cine, conocido por el uso de los símbolos y los elementos de la naturaleza en su cine, además de la filosofía. Y la poesía de Malick, tan bien llamado el gran poeta del cine, no es sólo en sus imágenes poéticas, sino en sus mismos textos, que como siempre he mencionado en las reseñas que hago de sus películas, hay una influencia del gran Walt Whitman, y sus Hojas de Hierba. Prueba de eso, estas frases finales del documental, que forman un bello poema:

Madre.
¿Qué amo, cuando te amo?
Tú.
La luz.
La oscuridad.
La polilla.
La llama.
El amigo...
...y el extraño.
El vino...
...y el Policía.
El amanecer.
Nuestra luz.
¡Ay, madre!
Las lágrimas que lloraste.
Las escenas que has visto.
El amor se derramó.
Los esfuerzos.
Esperanzas.
Las sombras huyen.
El espectáculo.
El tiempo, se remonta a su fuente.
Madre.
Tomo tu mano.
Ya no sueño.
Me uno a ti.
Hoja a una rama.
Rama a un árbol.
El amor nos vincula.
Lo que vive en ti...
...no puede morir.
¡Ay, vida!
¡Ay, madre!



8/10 



Trailer de Voyage of Time: Life’s Journey 

El Principito (The Little Prince) de Mark Osborne

Tuve la oportunidad de asistir al pre-estreno de "El Principito", la nueva adaptación del gran clásico de la literatura mundial de Antoine de Saint-Exupery, en manos de Mark Osborne (Bob la esponja, Kung fu panda). Estrenada en Cannes fuera de concurso, había recibido críticas alentadoras. La película inicia centrándonos en la historia de una pequeña niña que vive con su madre, una perfeccionista que controla cada movimiento de su vida y el de su hija basados en la efectividad y la planificación acertiva. Se presenta un entorno mecánico y alienado, que me recordó al cine de Jacques Tati o a Billy Wilder, lo que me hizo recibir con agrado y curiosidad como se desarrollaría el resto de la trama. 

Luego la niña y su madre se mudan a un nuevo vecindario donde tienen de vecino al piloto que conoce el Principito al inicio de su historia en el desierto. Este hombre generará un gran efecto en la niña, al tiempo que la introduce en la mítica historia del niño de cabellos dorados. Hasta ese punto me seguía pareciendo vistosa, interesante e incluso bella cuando ya se narran los episodios que todos conocemos, y se mezcle la animación digital con el bello trabajo en stop motion para las escenas del libro. 

Hasta cierto momento me convenció, pero luego la trama de alarga, se nota que se esfuerza en buscar formas de extender el metraje, con detalles que la hacen perder el rumbo que había iniciado, se empieza a irrespetar un poco el libro y a caricaturizar y ridiculizar momentos, personajes y frases. En lugar de ahondar en terrenos más interesantes, se va por la vía fácil, quitando para mí, el factor emotivo que buscaba y cualquier posibilidad de redención. Y ni que decir, que no se explotan y se le saca jugo al material y al texto que ha inspirado a adultos y chicos por años. Toda una pena y gran decepción. Lo bueno, es que al salir de verla, querremos regresar al libro y aferrarnos a él. Un experimento fallido con buen arranque, y visualmente muy bello, en especial el stop motion, que te conecta más al libro y su esencia. 


5/10


Trailer de El Principito

Inside Out (Intensamente) de Pete Docter, Ronaldo Del Carmen

“Inside Out” el más reciente trabajo de la casa Pixar, luego de algunos años flojos, llegó a las salas de cine del mundo con un gran impulso del Festival de Cannes, donde tuvo su estreno mundial y donde fue alabada y ovacionada por todos los críticos del mundo presentes, catalogándola como la nueva obra maestra de Pixar, al nivel de sus grandes obras, como son: Wall-E, Ratatouille, Toy Story 3, etc. Por supuesto, todos los cinéfilos ya quedamos ilusionados con ese visionado. 

Por fin llegó el día del pre-estreno de "Inside Out" (Intensamente). Nos encontramos con la sorpresa, por el pre-estreno, de un corto al inicio grabado por Peter Docter (Director) y por el productor de la cinta, en un recorrido por los estudios de Pixar, repasando el enorme equipo de trabajo tras estas historias, y mostrar como trabajaban en el proceso de las pelis futuras que saldrán entre este y el otro año: Finding Dory, Dinosaurios y el gran jefe John Lassester trabajando en Toy Story 4. Fue una grata sorpresa, y con toda esa introducción, sin dudas te imaginas que vas a ver un producto muy especial. 

Luego vino el cortometraje animado que siempre acompaña a los filmes de Pixar. En esta ocasión fue  "Lava" de James Ford Murphy, quien también salió en el corto inicial y contó un poco sobre su corto. “Lava” es muy simpático y tierno, un musical en las islas tropicales de Hawai, rodeado de volcanes activos que cantan, se enamoran y se transforman. 

Y finalmente "Inside Out" (Intensamente)... Como escribí el mismo día que la vi, tengo que escribir con mucho dolor que ha sido una ligera decepción. Me esperaba una obra maestra y un nuevo clásico y no lo vi, ni sentí. La película dirigida por Pete Docter, el creador de Monsters Inc y Up, y escrita por Michael Arndt, uno de los grandes guionistas de Pixar, autor de las historias de Toy Story 3, y además de Little Miss Sushine, donde consiguió su primer Oscar. Arndt forma el guión basándose en una historia del mismo Pete Docter. Esta curiosa historia en términos generales, cuenta la historia de Riley, una niña de 12 años entrando a la adolescencia con sus padres y el abrupto cambio que toma sus vidas cuando tienen que mudarse de su hogar… Pero la verdadera historia ocurre en el interior de Riley, de sus emociones… Nos muestran desde el inicio, cuando nace y es una bebé, como en su interior nace la alegría, a la que poco a poco se irán uniendo la tristeza, el disgusto, la ira y el miedo… cada uno con una funcionalidad y autonomía especifica. Sus emociones son las grandes protagonistas, y nos mostrarán desde el interior como se manifiestan los cambios y la personalidad de una persona… me pareció hermosa esa alusión de que la personalidad son grandes construcciones creadas debido a los recuerdos obtenidos por las acciones de Railey… y que se van destruyendo dando cabida a nuevas construcciones. Ese detalle junto a otros me parecieron hermosos y muy ingeniosos. Y ahora viene la otra parte…

La idea original es genial, brillante y bien ejecutada, es divertida por momentos y el mensaje es poderoso al ser una metáfora del crecimiento y la madurez, escarbando en lo que ocurre dentro de nuestras cabezas, lo cual me pareció un experimento muy inteligente... Pero me faltó emoción, conmoverme... Ese extra que siempre busco... Y resulta curioso que eso pase en un filme donde las emociones deambulan literalmente de un lado a otro y ocupan más del 90% del filme... La alegría y la tristeza son las grandes protagonistas, y me gusta esa relación y reflexión, pero las otras emociones quedan quizás un poco desaprovechadas, así como ese contraste entre las emociones interiores y lo que ocurre por afuera… los cambios no son tan dinámicos y agiles… encontré incluso momentos de bostezo. Y aunque hay momentos lindos, tristes, afortunados y muy divertidos, no me conmovió en forma general y sentí ese vacío al final.

Un mensaje en forma de metáfora muy poderoso pero con déficit de emotividad. Creo que por complacer a los niños con la diversión y a los adultos con la lucidez en otras escenas, se pierde entre contrastes y no logra el flechazo que haga rendir a ambos por igual, que ya ha logrado la casa Pixar en ocasiones anteriores. Pero reconozco que no debió ser fácil la dosificación en la planeación del filme, y logra escenas muy buenas. Al final resulta un experimento interesante y muy original. Y obvio, ¡imperdible!   

7/10


Tráiler de Inside Out
Frases y Diálogos de la película

Jurassic World (Colin Trevorrow)

Llegó el 2015 con el esperadísimo regreso de la exitosa saga iniciada por Steven Spielberg, quien produce el filme, pero deja la dirección en manos de Colin Trevorrow (Safety Not Guaranteed), quien cumple en distintos aspectos con el trabajo de traer a la vida esta aparente continuación de la saga. Con un guión armado por el mismo director Trevorrow y otras tres manos, basándose como la película original en la novela de Michael Crichton, aunque esta sólo se basa en sus personajes, la acción de sitúa 22 años después de lo ocurrido en Jurassic Park (1993), cuando el proyecto de abrir el parque al público queda cancelado por los motivos que ya conocemos. Ahora en Jurassic World (Mundo Jurásico), el parque finalmente se abre al público con grandes atracciones, una variedad de dinosaurios, hasta nuevas especies (híbridos) que serán los encargados de generar problemas. Al igual que en Jurassic Park, aparece la figura del millonario encargado de financiar el parque, ya no es John Hammond, quien incluso tienen una estatua en el nuevo parque, sino Simon Masrani. Al igual que esta figura irán apareciendo distintos personajes que ya habíamos visto en la primera parte, la mayoría de ellos incursionando sin ninguna gracia, al parecer caricaturas y poco profundos caracteres.

“Jurassic World” inicialmente me pareció una experiencia nostálgica, desde que escuchas por primera vez la inmortal melodía que compuso John Williams para la primera película, justo cuando los chicos van entrando por primera vez a ver el parque… ese fue un momento muy especial, y creo que todos los que vieron la primera parte de niños se conmoverán mucho. Pero “Jurassic World” es también una experiencia un poco decepcionante. 

Lo positivo: Se mantiene el suspenso, hay buen pulso y nervio de ese que nos asustaba cuando veíamos temblar un vaso, los efectos, detalles técnicos y actuaciones principales. Lo negativo: Personajes secundarios que remiten mucho a la primera, que además no tienen la suficiente fuerza, son cansinos y planos. El guión, algunos detalles interesantes, pero cae en muchos otros, es previsible, asume pocos riesgos y el final de siempre. El mensaje universal de la novela original de la cual se basa la película original, no era dibujar los dinosaurios como monstruos o malos, sino como criaturas víctimas de los excesos y la ambición del hombre, y el famoso “no jugar con la naturaleza”… acá se mantiene el mensaje, pero la ejecución y el resultado es más difuso. La de Spielberg era una pieza maestra del suspenso en mantener la angustia, ya que el gran monstruo se mostraba mucho tiempo después del primer tramo del metraje, pero estaba siempre presente, en el ambiente, los movimientos de los árboles y sus pisadas, en cambio acá aparece muy rápido. Sí, vemos más dinosaurios en esta película, que por cierto no necesariamente lucen más reales, pero se pierde parte de la tensión y de la maestría de la obra que pensaba emular u homenajear… Y el homenaje ha quedado muy tibio. 

En fin no es una película que te haga olvidar la original, al contrario le tienes mayor afecto a la creación original de Spielberg, pero está bien para pasar el rato y entretiene. Recomiendo no ir con altas expectativas. 

6/10


Tráiler de Jurassic World
Frases y Diálogos de la película

Mad Max: Fury Road (George Miller)

La resurrección del clásico de los 80, de la mano de su creador, el veterano George Miller, ha sido uno de los sucesos más importantes del cine en el año. “Mad Max: Fury Road” es una impactante e impresionante film de acción. De lejos la mejor película de acción que he visto, reboza maestría en la dirección, qué banda sonora tan potente y acertada, qué efectos, qué fotografía, qué edición y diseño de producción. Una obra maestra indiscutible del género. 

Con un guión escrito por el mismo Miller, de la manos de Nick Lathouris, Brendan McCarthy, “Mad Max: Fury Road” y ambientado en un futuro post apocalíptico donde el agua escasea, cuenta la historia de Max, un hombre atormentado por su pasado y sus recuerdos que se encuentra preso dentro de una pequeño oasis en medio del desierto, donde el máximo líder es Immortan Joe, un ser que oprime, reina y abusa de la población y sus recursos. Hasta que un día, una emperatriz de élite de nombre Furiosa, lidera una rebelión y una huida, que iniciará una fascinante persecución, orquestada con gran ritmo, personajes y situaciones estrambóticas, en donde Max aprovecha para unirse al equipo de la rebelión. 

La película mantiene una gran tensión, junto con una intensidad, poesía, belleza, dolor, estética y cuidados en cada fotograma, que dejan al espectador boquiabierto y exhausto ante la avalancha de acción y emoción que se vive en pantalla. Sin dudas ya tenemos uno de los filmes del 2015. Lección de cine de género para las basuras que nos venden cada año. Todas quedan en pañales. Me parece una obra maestra del género de acción y la mejor que he visto en años en ese aspecto. Y por lo tanto debe calificarse como tal. No ponerla en comparación con obras maestras universales, ya que esta no tiene esa pretensión. Ha impactado porque al contrario de todas las películas de acción, aunque el guión no es su fuerte, sin decir que sea malo, al contrario es sólido y coherente (que es lo mínimo que se espera en estos casos), todos los demás elementos son superlativos, desde los efectos, hasta el artístico y estético, con planos y una fotografía que refuerza increíblemente la acción y recrean escenas con coreografías que trasmiten poesía. 

Muy recomendada, una experiencia indescriptible que los dejará sin aliento y sin palabras, gracias a su furia, extravagancia, deleite visual, ritmo imparable y destacadas actuaciones de Tom Hardy y la excelente Charlize Theron que vuelve a brillar con luz propia, como Furiosa, la estandarte de la femineidad del film.


9/10


Trailer de Mad Max: Fury Road
Frases y Diálogos de la película