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sábado, 14 de marzo de 2026

Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia) de Mailys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang - 2025 / Francia / Animación / En Cines

Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


Me emocioné mucho cuando supe que esta película animada adapta una novela de la escritora francesa, Amélie Nothomb, porque es una escritora que descubrí hace ya varios años y me fascinó desde que leí su primer libro. Es una escritora belga de origen japonés que escribe novelas breves, muchas de ellas autobiográficas, con un lenguaje sencillo, pero a la vez con una mordacidad y un ingenio que deslumbran e hipnotizan al lector (y su autoficción no es sosa ni se limita a lo confesional, sino que una construcción muy depurada y rica en elementos narrativos, como ensayísticos y filosóficos). La familia siempre se encuentra como tema de estudio y conflicto de varios de sus libros, precisamente por experiencias personales, y no es la excepción del libro que adapta la película, que se titula originalmente, “Metafísica de los tubos”. Por todo lo anterior, estaba muy curioso en saber cómo se adaptaría una novela de ese estilo.




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


“Amélie y los secretos de la lluvia” nos cuenta la historia de la niña Amélie, parte de una familia belga que se encuentra viviendo en la ciudad japonesa de Osaka. La niña llega a una familia con dos hermanos mayores y desde muy pequeña se muestra como un ser superdotado, que entiende o ve el mundo de una forma muy superior a la de los niños o bebés de su edad. Precisamente se describe a sí misma como un tubo digestivo inerte y vegetativo (que solo procesa comida y desechos), por lo que decide en sus primeros tres años de vida no decir ni una palabra, a pesar de comprender mucho del mundo que la rodea, tampoco manifiesta emociones, se proclama a sí misma como Dios y mira a su familia con inferioridad. Este punto de vista es muy interesante, pues da una idea curiosa de la posición que se les da a los bebés dentro de la familia, como un objeto vivo de cuidado y veneración, casi divino. Y en una recurrente voz en off, se nos muestra lo que piensa Amélie de toda esa situación y de esos tratos. Por supuesto, hay un momento en que la niña tiene más consciencia de su humanidad y se pone en contacto abrupto con sus emociones, sensaciones y corporalidad, como cuando la abuela le da a probar por primera vez un chocolate blanco, lo que tiene un impacto profundo para ella, y empieza a abrir la puerta sensorial y afectiva hacia el mundo, que hasta el momento había decidido ignorar. A partir de ahí, su pasión por el mundo, los objetos, las personas (familia y niñera), por su entorno (Japón), se abre completamente sin límites, lo que a la vez abre la puerta a la fragilidad, el disgusto, el dolor y la pérdida. Que es simplemente todo aquello que nos hace humanos, pero el proceso de descubrimiento de la pequeña Amélie, es simplemente bellísimo, así como ver los cimientos de la construcción de su identidad.  




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


Todo esto que he descrito está bellamente narrado con la voz en off (que es la prosa de Nothomb) y el despliegue visual de los animadores y los directores, que usan una bella animación en 2D, manteniendo el toque, la ilusión y la fluidez artesanal del dibujo (aunque sea hecho digitalmente), que a la vez le da una estética que emula la técnica de la acuarela. La paleta de colores y la colorimetría es muy importante también, ya que se usa de forma general un tono pastel, que le da una estética particular (casi como de ensueño), y cada personaje tiene una predominancia de algún color específico que transmite su personalidad, lo que enriquece mucho la narración y el arte de toda la película.




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


Me parece una película bellísima, profunda, poética y emotiva, que pueden disfrutar con toda la familia y llevar a sus niños . La película está nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación y ganó el Premio del Público en el prestigioso Festival de Annecy 2025 (el festival de animación más importante del mundo), en donde compitió con “Arco”, la que ganó el premio principal. Y aunque me gustó “Arco” (que también estuve en cines hace semanas) debo decir que “Amélie…” me gustó un poco más, y no solo me parece la mejor película animada del 2025, sino de las mejores del año. No dejen de verla, ya que se estrenó este Jueves en Colombia, y en Cartagena está disponible en las salas de CineColombia Caribe Plaza.




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)

 


viernes, 9 de enero de 2026

Reseña de la película: 100 metros (Hyakuemu) de Kenji Iwaisawa - 2025 / Japón / Netflix

Reseña de la película: 100 metros (Hyakuemu)


Se estrenó hace algunas semanas en Netflix esta esperada película de animación que recientemente pasó el corte de los largometrajes preseleccionados a las mejores películas de animación en los Oscars, pero sobre todo, porque es una adaptación de la historia del joven mangaka, Uoto, quien es el autor de "Orb: sobre el movimiento de la tierra" (también en Netflix, y es un anime excelente sobre la evolución de la teoría heliocéntrica a través de la historia). 




Reseña de la película: 100 metros (Hyakuemu)


"100 meters" es una bella, dura y real historia de dos atletas de la velocidad pura que se conocen, se admiran, se apoyan y llegan a competir como rivales. Pero de trasfondo, me parece que es a la vez, una de las películas más honestas que he visto sobre la dureza del deporte de alto rendimiento, sobre el sentimiento a veces absurdo de sacrificar una vida (una juventud) por 10 segundos, sobre la fragilidad del cuerpo y el paso de los años (la vida productiva del deportista). 




Reseña de la película: 100 metros (Hyakuemu)


Pero también es una película sobre la rivalidad y las motivaciones u objetivos que se marcan para seguir avanzando y correr: ahogar los pensamientos, perderse de la realidad, vencer el tiempo, a nosotros mismos y al rival... la competencia, al fin y al cabo, el querer ser mejores; sin olvidar, por supuesto, la presencia y  la importancia de la amistad (y la influencia de los otros o de un rival sobre nosotros mismos). 




Reseña de la película: 100 metros (Hyakuemu)


Me gustó mucho, pues tiene mucha más sustancia en su historia y diálogos que muchas películas deportivas o biopics. Técnica y artísticamente también es muy valiosa, con una mezcla de técnicas de animación, que van desde el tradicional 2D, pero también del 3D y el uso de la técnica de la rotoscopia (calcar movimientos atletas reales) para hacer las escenas de velocidad más realistas, con los movimientos, y la misma expresividad en el dibujo y cada rasgo de los atletas. La elección de tomas, planos y secuencias es también muy dinámica y vibrante, logrando una buena inmersión del espectador. Y mención aparte a la escena final bajo la lluvia, que es toda una proeza técnica y artística de la película, que mezcla las técnicas clásicas con tecnología actual.

La película está disponible en Netflix, y es de las mejores películas de animación del 2025, ya apuntada para el Top Final. Y no dejen de ver la serie "Tierra, sangre, conocimiento: sobre el movimiento de la tierra", también en Netflix. Hacen maratón.







Reseña de la película: 100 metros (Hyakuemu)

 


Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

domingo, 26 de enero de 2025

Reseña de la película “Flow” (Gints Zilbalodis) - 2024 / Letonia / Animación

Reseña de la película “Flow”


En el 2024 se estrenó otra película animada del estudio DreamWorks, “The Wild Robot”, que es una fábula ecologista, con un alto protagonismo de animales en una isla sin humanos, en medio de un entorno apocalíptico en el exterior. La película animada letona, Flow, también se podría decir que es una fábula ecologista, aunque acá los animales no hablan, sino que emiten los sonidos que normalmente generan. Y aunque no haya voces, el diseño de sonido es muy importante en la película, porque además de los gruñidos y el lenguaje natural de cada especie, la película da un protagonismo a los sonidos de la naturaleza, que eventualmente descubrimos que es otra gran protagonista de la película. La Naturaleza en sí.




Reseña de la película “Flow”


La película se centra en la figura y la perspectiva de un gato negro, quien un día despierta y encuentra que el lugar donde habita se está inundando progresivamente. Ese espacio que habita, parece que se encuentra deshabitado de humanos, y que una catástrofe ambiental está a punto de arrasar con todas las especies que permanecen con vidas. Esa situación lleva al gato a enfrentarse a varios de sus más profundos miedos: Primero, los perros y otros animales que suelen asustarlo, y que normalmente suele evitar. Segundo, el agua. Pero la progresiva inundación lo obliga a refugiarse en un pequeño barco junto con otras especies de animales, las cuales tienen una personalidad o instinto propio de su especie: entonces nos encontramos con la pasividad de un Capibara, la vanidad de un Lemur, la imponencia y elegancia de un Ave Secretario, y eventualmente el caos de unos perros. Juntos deben convivir en un pequeño espacio, mientras el mundo que conocen desaparece y los lleva más cerca a otro mundo inexplorado lleno de agua. Debo mencionar también entre los animales a la misteriosa ballena que aparece en ciertos momentos y ayuda a nuestro gato. ¿Y los humanos? Aunque la película nos muestra algunos detalles al inicio que pueden dar pistas sobre el dueño del gato y su casa/taller, la verdad no se ahonda en ellos o la razón de su extinción, pero los animales en cierta forma nos representan.




Reseña de la película “Flow”


Con esa descripción anterior, podemos ver que es una película de aventuras, de sobrevivencia, de amistad, de adaptación al cambio, de aprendizaje y autorrealización. Porque aunque hay escenas y momentos divertidos en este viaje, también hay escenas de mucha tensión, en especial en donde deben luchar con el movimiento del agua, la fuerza del viento y con los obstáculos naturales del camino, como grandes rocas o árboles. Y es gran mérito de la dirección, la fotografía y la animación (que mezcla el 2D con el 3D), logrando momentos muy reales y vívidos, que personalmente me llegaron a generar incluso miedo y temor por la vida de los personajes. Además de imaginarme un eventual escenario futuro, en donde todo eso podría ser una realidad, como ya lo ha sido en tiempos pasados.




Reseña de la película “Flow”


Sin el ruido de las voces o de explicaciones y reflexiones innecesarias, solo nos queda sumergirnos en esta experiencia sensorial, inmersiva, audiovisual y poética, que habla con las imágenes y los sonidos, y se apoya de los símbolos y arquetipos para sugerir e incentivar reflexiones propias en el espectador. Porque al final ese pequeño barco es el mundo, somos nosotros. Y la película nos lleva en ese camino interior a resolver preguntas sobre la colaboración y el trabajo en equipo. La aceptación del otro (por distinto que sea de mí) y cuestionar nuestro lugar en el mundo (y al mundo en sí mismo, sobre todo cuando hay conflictos y hostilidad), además de nuestra realidad y cómo la percibimos. Como ven preguntas muy complejas, profundas y filosóficas, a través de un empaque muy sutil, bello, sencillo y luminoso. Es una preciosa obra de arte y una de las mejores películas del año (animadas y no animadas). Nominadas a dos Premios Oscar a la Mejor Película Animada y la Mejor Película Internacional. 

Al parecer la idea del director, Gints Zilbalodis, nació de su deseo de juventud de hacer un cortometraje sobre un gato con miedo al agua.


Tráiler de Flow - (Link 1)




Reseña de la película “Flow”

 

viernes, 29 de septiembre de 2023

Reseña de la película: OPAL (Alain Bidard) - 2021 / Martinica

 
 
Película animada dirigida por el reconocido director y animador de la isla de Martinica, Alain Bidard. Cuenta la historia de la joven princesa Opal, quien vive en un mundo mágico en donde lucha contra las fuerzas oscuras que amenazan con destruir su mundo. Pero bajo esa sinopsis inicial de cuento de hadas se oculta una historia más profunda, como es la de una joven víctima de abuso sexual por parte de su progenitor, que la lleva a guardar rencor y a refugiarse un mundo imaginario y de fantasía, en donde puede sobrellevar su vida de la mejor forma posible.
 
 
 

 
 
A través de una historia de fantasía (pero una fantasía del propio folklore de la cultura afrocaribeña), el director nos lleva por esta travesía, en donde retrata esta historia de superación de traumas profundos y no resueltos con el pasado. Además de una bella animación llena de color y de elementos propios de la cultura, como las lenguas y acentos, la comida y todo el imaginario afrocaribe, que incluso trasciende a la construcción, aspecto y motricidad de sus personajes, como en sus proporciones físicas o la manera de caminar. Lo que me hace apreciar el trabajo serio realizado desde la etnografía y la psicología para construir este relato, que de manera interesante se puede disfrutar y sacar distintas conclusiones, desde el punto de vista de un niño y un adulto. La forma en que está estructurada no excluye a ninguna edad de la otra, sino que amplía las lecturas y genera muchas preguntas y reflexiones.
 
 
 

 
 
Me gusta mucho el lenguaje, los símbolos y las metáforas utilizadas para enmarcar la historia en ese cuadro de ambigüedades. Pues, la princesa lucha contra las fuerzas oscuras, en donde su padre, el rey, amenaza con quitarle su poder, del que se ha aprovechado durante años; y por otro lado, la mujer que en el presente va a terapia para superar sus traumas y enfrentar su oscuridad. Es muy bella, profunda e ingeniosa, y espero que logre tener una mayor difusión y distribución. Porque merece ser vista en gran magnitud.

 
Tráiler de OPAL - (Link 1)
 
 
 

Reseña de la película: OPAL

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

lunes, 12 de diciembre de 2022

Reseña Completa y Análisis de la película: Pinocchio (Guillermo del Toro, Mark Gustafson) - 2022 / U.S.A. / Netflix

 
 
Finalmente he visto la adaptación de Pinocho de Guillermo del Toro, estrenada en Netflix. La obra del italiano Carlo Collodi es una de mis favoritas, y tuve en mi infancia mucho aprecio por la adaptación de Disney en 1940, que representó un logro en la animación en su tiempo. También he sido un eterno amante y defensor del cine de animación, y Del Toro con su equipo han creado una pequeña joya contemporánea de la animación, a la vez que han respetado la esencia de la obra original pero también la han reescrito libremente dotándola de mucho más contexto, texturas y con el sello del universo del cineasta mexicano.

El diseño del personaje se acerca más al de Enrico Mazzanti, ilustrador de la obra original de Collodi, y en general todo el diseño de personajes, de producción y decorados es increíble. Se usa la técnica del stop motion, que es una de las que más aprecio y valoro dentro de la animación, por su detalle y toda su esencia artesanal en el proceso de creación. Pero al contrario de lo que he leído en algunos lados, tampoco es bueno decir que nunca se había hecho una película así. El stop motion tiene mucha historia y en cinematografías alejadas a nuestro entorno, como la República Checa por mencionar uno, y además se han hecho muchas películas con historias originales y muy profundas, como hace pocos años la de otro cineasta que incursionó en la animación como Charlie Kaufman con "Anomalisa" en el 2015. Pero aún así, sí valoro algunos detalles nuevos que ha introducido al proceso de la creación de los personajes, como ese sistema mecánico interno que dota de movimiento a las figuras, y que se puede apreciar en el documental de making off de la película también en Netflix, entre otros detalles.
 
 

 
 
Pero aparte de ese tema, la película me ha parecido preciosa y una joya, que entiendo que recuerde al Laberinto del Fauno por el tema de la guerra (acá la Italia fascista) y el diseño de los monstruos del director, que acá se aprecian en varios personajes, como el de ese contraste de los espíritus de la vida y de la muerte. También incorporaciones como el hijo de Geppetto y la guerra permiten ahondar más en temas importantes de la obra original, como son la paternidad, la iniciación, la educación, el deber, la aceptación, la consciencia, el sacrificio; y a la vez dar cabida a temas más reales y místicos como la importancia de la vida pero sobre todo de la muerte, que es la que le da valor a la primera. Así que en cierta forma la versión de Del Toro sí da una leve vuelta de tuerca a la esencia del personaje y la historia, pero esto no lo afecta en nada, sino que lo enriquece y sella una versión personal y original.
 
 

 
 
Como se puede apreciar en el documental todo es muy detallado y minucioso, desde la ambientación, los personajes, la selección de encuadres y la fotografía hasta la música de Alexandre Desplat, quien hizo un bello trabajo, junto con las voces de los grandes actores tras los personajes. Y me gustan que las canciones dentro de la música general del filme (que son aparte de la BSO) no entran en un formato tradicional de los musicales animados, donde normalmente se introducen en un momento específico que es completamente anticipado, sino que acá son bastante instantáneas, impredescibles y naturales. Y sin dejar de mencionar al icónico Pepe Grillo (acá Sebastián Grillo), la consciencia, quien acá recibe los golpes que recibe realmente en la historia original, y me encanta su papel más al margen, más individual y ese detalle de que su hogar terminase en el corazón del muñeco de madera.
 
 

 
 
He disfrutado mucho el visionado. Me ha parecido bella, conmovedora, mágica y con la dureza que proporciona el relato original, porque todo crecimiento e iniciación no se lleva a cabo sin conflictos, problemas y pérdidas. Una joya imperdible, que aún así esperé que me conmoviese un poco más de lo que lo hizo, no sé ahora mismo si es por la resolución final, pero algo adicional me faltó en ese tramo. Aún así creo que sin dudas es la mejor adaptación de la obra de Collodi y me encantó esa reivindicación del pedazo de madera que jamás renunció ni cambió lo que era sino que cambió a los demás, como dice el mismo Collodi al inicio del libro:

"Érase una vez... <¡Un rey!>, exclamaréis los lectores más jóvenes. Pues no, niños; os habéis equivocado. Érase una vez un pedazo de madera"
 
 
 
 
 
 

Reseña Completa y Análisis de la película: Pinocchio (Guillermo del Toro, Mark Gustafson)

Reseña Completa y Análisis de la película: Pinocchio (Guillermo del Toro, Mark Gustafson)

 

 

 

domingo, 28 de agosto de 2022

Reseña de la película: ZERIA (Harry Cleven) – 2021 / Bélgica

 
 
“Zeria” fue otras de las películas que vi en el FICCI 2022, siendo una de las mejores y la que más impresionó. Recuerdo haberla puesto en mi lista de recomendados porque me pareción curiosa y sin muchas referencias, pero no me imaginaba que iba a ser tan buena e impresionante. Esuna película bastante auténtica y original, y para recordar o remitirme a alguna otra película de animación con un tono parecido, tendría que irme hasta las propuestas más oscuras del cine de animación checo o las propuestas nórdicas o de Europa del este, pero aún así sigue teniendo algo inédito para mí, que he visto mucho y variado cine de animación.
 
 

 
 
Se encuentra ambientada en el Año 2056, y nos da la introducción la voz en off del narrador, Gaspard, un anciano a punto de morir, quien se encuentra realizando un vídeo para su nieto, Zeria, al que nunca pudo conocer. Pues en algún momento de la historia, debido al deterioro de la Tierra, los humanos migraron a Marte, dejando en la Tierra a las personas mayores. Zeria además será el primer humano nacido en el planeta rojo, lo que genera también la misiva de su abuelo.
 
 

 
 
La película nos muestra el desarrollo de la carta de Gaspard a Zeria, en donde recuerda su vida desde niño. Una vida bastante dura que inicia desde el descubrimiento del miedo, pasando por abusos, el rechazo, el deseo, el sexo, la juventud, el amor, entre todos esos sentimientos y emociones del ser humano. Me encantó además el tono y la atmósfera predominante, que es espectral, lo que le da la sensación de orbitar entre el sueño y la pesadilla.
 
 

 
 
Llegando finalmente a la animación, que es una especie de mezcla entre el stop motion, más efectos visuales y marionetas de cuerpos humanos con máscaras, lo que además refuerza un poco uno de los temas de fondo, como es la misma pérdida de la identidad y el sentido del ser humano, quien destruye su entorno, a su prójimo y a sí mismo. Una película de animación que cae perfectamente en el terreno de lo experimental, además de densa y ambiciosa, pero que cumple con creces sus objetivos. Rayando la maestría.
 
 
 

Reseña de la película: ZERIA

 

 

 

domingo, 3 de julio de 2022

Reseña de la película: Lightyear (Angus MacLane) – 2022 / Disney-Pixar y a propósito de la ideología de género en la película

 
 
Hace ya varios días vi este inesperado proyecto y spin-off de la saga Toy Story, que en sí no tiene nada que ver con la historia de los juguetes con vida, sino que narra la historia del héroe que inspiró el juguete. El Guardián Espacial, Buzz Lightyear, quien se encuentra enfrascado en una misión espacial y debe alcanzar un punto de velocidad muy alto en su nave para volver a su hogar, pero cada intento fallido representa una pérdida de cuatro años en el tiempo con respecto a sus otros colegas de la misión. Entonces se nos presenta como una batalla contra el tiempo, pero también es una aventura espacial, una historia de acción, familia, amistad y un gran puñado de referencias.
 
 

 
 
He disfrutado del visionado porque es muy entretenida, y tiene una curiosa mezcla de Interestellar, Star Wars, 2001 Odisea Espacial, Gravity, Top Gun, quizás Avengers, y una que otra referencia tan contrastada entre cine de espectáculo y cine más serio o filósofico. Debo confesar que la premisa conceptual de la historia es muy interesante; como historia de aventuras también es sobresaliente, y tiene varias escenas muy bien hechas y sofisticadas, como las de la sensación de la gravedad en el espacio, la ausencia de sonido y las escenas de acción con las naves. Pero ya cuando entramos a la trama que se relaciona con la historia de Toy Story, con el villano que se conoce, que acá tiene una revelación que igualmente ya se había sugerido en las otras películas, y que a la vez es la referencia de la referencia a otra famosa película; me parece que en este punto pierde un poco de fuerza y la historia toma un rumbo hacia lo convencional y el refrito. 
 
 

 
 
Por lo tanto, no es una película a la altura de las mejores de Pixar, y creo que hay mucha mano de Disney, por lo que se pierde la oportunidad de explotar una premisa interesante, y me hace cuestionar la relevancia de este filme, porque repito, me parece que fue inesperado y sigue dejando en evidencia la tendencia de las grandes productoras a explotar productos exitosos y no tomar riesgos. Pero aparte de todo, creo que el público general, los fans de la saga, los niños y sus padres encontrarán un producto entretenido para pasar el rato. Estreno en salas de cine de Colombia/Cartagena, latinoamerica y España.
 
 
 
 
Sobre #IdologíaDeGénero en #Lightyear
 

Reseña de la película: Lightyear (Angus MacLane) y a propósito de la ideología de género en la película

 

No mencioné el tema en mi reseña inicial sobre la película porque me pareció irrelevante y no lo vi como algo forzado como en otros casos. Pero creo que es inevitable que los padres que van con sus hijos se lleven una sorpresa y quizás tengan que responder preguntas para las que quizás no están preparados. Y ocurrió en la sala de cine a la que fui, con la familia detrás de mi butaca (padre, madre e hijo pequeño, quien naturalmente preguntaba y comentaba detalles en muchas escenas): precisamente son dos momentos o escenas. En la primera, donde aparecen las dos madres como pareja, el comentario fue de los padres: de forma un poco molesta dijo la madre al padre, "¿viste eso?... (y suspira)... ¡Inclusión!". Y en la segunda escena, donde aparecen ambas con un bebé, no escuché nada pero quizás el niño preguntó algo o simplemente fue alguna reacción/gesto de la madre o el niño, porque el padre se adelantó a responder: "El niño lo tuvo con alguien más", y ya no hubo más comentarios del pequeño ni de los padres, solamente identificando personajes de la historia de Buzz y reaccionando alegremente a cada escena. Me pareció que lo resolvieron muy bien, aunque al inicio se notó una incomodidad. Pero le diría a los padres que ahora mismo deberían estar preparados para estas situaciones o preguntas y dar respuestas adecuadas, que no llenen de prejuicios a los pequeños. Y era solo eso.


Nota adicional: Varios amigos que son padres y vieron las preguntas con sus hijos me dijeron que los pequeños no preguntaron absolutamente nada y lo tomaron como algo normal. Y añadían que la incomodidad es más de los padres. Lo que me lleva a suponer que en la situación que describí más arriba, sin dudas el segundo gesto fue de la madre. Entonces los padres deberían estar más abiertos, y tomar la película para introducir un tema, o si no, simplemente disfrutar la película sin hacer gestos o comentarios negativos.



Comparto el post que le hice a la película en mi blog de frases y el tráiler:


Frases de la película: Lightyear (Angus MacLane) (Link 1)
 

Tráiler de Lighyear (Link 2)
 

 

 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

 

viernes, 27 de mayo de 2022

Reseña de la serie anime: Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba) de Haruo Sotozaki (Temporada 1) – 2019 / Japón / Ufotable / Netflix

 
 
 
Debo confesar que llegué a esta conocida serie de anime, estrenada en el año 2019 por el estudio de animación japonés: Ufotable, cuando en el segundo año de la pandemia (2021), en la reapertura de salas de cine, vi en carteleras de cine de mi ciudad a la película: “Demon Slayer: El tren infinito”, que había generado furor porque se convirtió en Japón en el largometraje más taquillero de la historia del país (por encima de Frozen y El viaje de Chihiro), con más de 290 millones de dólares, y gozaba de excelentes críticas. No la fui a ver inmediatamente porque investigué un poco sobre la película y me di cuenta que iba muy conectada a las serie de manga de 26 episodios, estrenada en el 2019. Se me hizo muy raro el estreno de una película de animación, y sobre todo un anime, fuera del circuito de Hollywood en las salas de cine de mi ciudad. 
 
 
 
Reseña de la serie anime: Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba)



Afortunadamente en Netflix subieron la serie original con los 26 episodios y me propuse verla primero antes de ver la película (que es muy necesario hacerlo para entenderla porque es una continuación). La serie me gustó muchísimo y no tardé en convertirme en fiel seguidor. Además del enorme aprecio y admiración que tengo al cine de animación, el anime fue muy importante en mi infancia, y lo sigue siendo, pero no llevo muy actualizado o estoy pendiente de los estrenos más recientes, por lo que muchas veces llego tarde a estas producciones. El anime se basa en la serie manga del mismo nombre, escrita e ilustrada por Koyoharu Gotōge, y cuenta la historia de Tanjirou Kamado, un chico de buen corazón, inteligente y trabajador, quien luego de la muerte de su padre debe trabajar vendiendo carbón para mantener a su madre y sus hermanos menores, en un pequeña población en las montañas. Pero todo cambia cuando un día su familia es atacada y masacrada por un demonio, dejando como sobreviviente únicamente a su hermana, Nezuko, quien además es convertida en demonio. Tanjirou logra establecer una conexión con su hermana, que la mantiene conectada a su humanidad y a su hermano, y decide convertirse en mata demonios para vengar a su familia y con la esperanza de que su hermana vuelva a ser humana.
 
 

 
 
Esa es la base de la historia, que de fondo nos cuenta el relato tradicional del héroe, que tras una tragedia se sobrepone a sus dramasy lucha contra el mal, y en ese camino encuentra aliados y un par de compañeros mata demonios que lo acompañan en su jornada. Pero lo realmente fascinante que logra la historia son los detalles alrededor de ese marco. Empezando con el contexto histórico donde se desarrolla; un detalle tan importante que la misma serie al final de cada capítulo nos da algún detalle de ese contexto. El contexto es el período Taishō (1912-1926), y la serie en sí, al menos la primera temporada se enfoca en los años de 1912 hasta 1915, donde sabemos que sucedía la Primera Guerra Mundial; y además, nos muestran detalles de la era Taishō, que fue el período que siguió al período Meiji (1868-1911), que es conocido como el período de la restauración de la figura del emperador, tras un período donde dominaron distintos grupos como los samuráis; pero lo más importante de ese período, que se extendió a la era Taishō, fue el proceso gradual de la occidentalización del Japón. Al inicio no es muy visible porque en los primeros capítulos Tanjirou se encuentra en la zona rural y en las montañas en todo su período de entrenamiento, pero cuando se vuelve miembro de la cofradía mata demonios e inicia las aventuras en otro lugares, como cuando llega a Asakusa (distrito de Tokio), se puede ver la replica de las grandes ciudades de occidente, con los grandes edificios y las luces por todos lados. Además de detalles en la vestimenta de los personajes y la presencia del Tren Mugen, que pasa por las calles de la ciudad, y que tendrá mucha importancia, ya que será el espacio donde termina la primera temporada y da introducción a la película de El Tren Infinito. Otro detalle interesante de ese capítulo, que me parece que da una especie de vuelco a la historia, es que Tanjirou se encuentra con el líder y padre de todos los demonios, quien a la vez, fue el asesino de su familia, y resulta un personaje muy particular.
 
 

 
 
Además del entorno y el contexto, también es muy atractivo el universo de los demonios y los mata demonios, que se dividen en rangos y además tienen sus respectivas filosofías y técnicas de batalla. Los mata demonios llevaban unas Katanas, que eran espadas con características especiales contra los demonios, y que también representan un reflejo de la época, porque en el período Taishō aún prevalecían grupos de samuráis, y la ténica que usan en el anime y el manga sigue la tendencia de la espada japonesa o de las artes marciales, conocida como "kenjutsu", que era una técnica y estilo de pelea de los samuráis, y añaden a eso, el tema de la importancia de la respiración y de distintos elementos de la naturaleza para clasificar el dominio y el rango de los luchadores. Así como la clasificación de “pilares” o “hashiras” de los mata demonios más virtuosos y poderosos, y por otro lado, la clasificación de los demonios en rangos inferiores y superiores. Todo ese universo resulta fascinante, además de las distintas personalidades de los personajes, ayudan a dar un dinamismo a cada episodio y a que conectemos con ellos.
 
 

 
 
Es una bella y emocionante historia llena de mucha acción, humor, ficción, historia y aventuras, donde además vemos retratados los fuertes lazos de hermandad, el sentido de justicia, la pérdida, la superación, la amistad, el aprendizaje, los códigos de ética, la identidad cultural y los claroscuros que existen en todas las almas humanas, porque por retazos alcanzamos a ver las historias detrás de varios de los demonios, las enormes cargas de dolor que cargan y las infortunadas situaciones que los llevaron a su condición. Y otro detalle que se me olvidaba mencionar, es el que la serie nos va dejando pistas de la situación política y social de la época, como cuando en el episodio final los tres amigos mata demonios se encuentran a punto de abordar el tren y la policía los persigue al verlos con sus Katanas, porque en esa época los mata demonios no eran reconocidos y llevar espadas en público era ilegal. Así como ese final donde preciso están a punto de abordar el Tren Mugen, donde se desarrollará la acción de la película. 


 
Reseña de la serie anime: Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba)

 
La película, “Demon Slayer: Mugen Train” (Kimetsu no Yaiba: Mugen Ressha-hen) se estrenó el 16 de octubre del 2020 en Japón. Ya la vi y me gustó mucho. Me hubiese visto verla antes para añadirla a mi listado de las mejores películas del año (animada y no animada). Pero le haré un post aparte en mi blog de Frases y Diálogos de Cine en los próximos días (Ya pueden encontrar link abajo, después del tráiler). Atentos y no dejen de ver la serie en Netflix. 

 

Trailer de Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba) (Link 1)

Frases y Diálogos de la película “Demon Slayer: Mugen Train” (Link 2)


 

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)