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sábado, 14 de marzo de 2026

Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia) de Mailys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang - 2025 / Francia / Animación / En Cines

Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


Me emocioné mucho cuando supe que esta película animada adapta una novela de la escritora francesa, Amélie Nothomb, porque es una escritora que descubrí hace ya varios años y me fascinó desde que leí su primer libro. Es una escritora belga de origen japonés que escribe novelas breves, muchas de ellas autobiográficas, con un lenguaje sencillo, pero a la vez con una mordacidad y un ingenio que deslumbran e hipnotizan al lector (y su autoficción no es sosa ni se limita a lo confesional, sino que una construcción muy depurada y rica en elementos narrativos, como ensayísticos y filosóficos). La familia siempre se encuentra como tema de estudio y conflicto de varios de sus libros, precisamente por experiencias personales, y no es la excepción del libro que adapta la película, que se titula originalmente, “Metafísica de los tubos”. Por todo lo anterior, estaba muy curioso en saber cómo se adaptaría una novela de ese estilo.




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


“Amélie y los secretos de la lluvia” nos cuenta la historia de la niña Amélie, parte de una familia belga que se encuentra viviendo en la ciudad japonesa de Osaka. La niña llega a una familia con dos hermanos mayores y desde muy pequeña se muestra como un ser superdotado, que entiende o ve el mundo de una forma muy superior a la de los niños o bebés de su edad. Precisamente se describe a sí misma como un tubo digestivo inerte y vegetativo (que solo procesa comida y desechos), por lo que decide en sus primeros tres años de vida no decir ni una palabra, a pesar de comprender mucho del mundo que la rodea, tampoco manifiesta emociones, se proclama a sí misma como Dios y mira a su familia con inferioridad. Este punto de vista es muy interesante, pues da una idea curiosa de la posición que se les da a los bebés dentro de la familia, como un objeto vivo de cuidado y veneración, casi divino. Y en una recurrente voz en off, se nos muestra lo que piensa Amélie de toda esa situación y de esos tratos. Por supuesto, hay un momento en que la niña tiene más consciencia de su humanidad y se pone en contacto abrupto con sus emociones, sensaciones y corporalidad, como cuando la abuela le da a probar por primera vez un chocolate blanco, lo que tiene un impacto profundo para ella, y empieza a abrir la puerta sensorial y afectiva hacia el mundo, que hasta el momento había decidido ignorar. A partir de ahí, su pasión por el mundo, los objetos, las personas (familia y niñera), por su entorno (Japón), se abre completamente sin límites, lo que a la vez abre la puerta a la fragilidad, el disgusto, el dolor y la pérdida. Que es simplemente todo aquello que nos hace humanos, pero el proceso de descubrimiento de la pequeña Amélie, es simplemente bellísimo, así como ver los cimientos de la construcción de su identidad.  




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


Todo esto que he descrito está bellamente narrado con la voz en off (que es la prosa de Nothomb) y el despliegue visual de los animadores y los directores, que usan una bella animación en 2D, manteniendo el toque, la ilusión y la fluidez artesanal del dibujo (aunque sea hecho digitalmente), que a la vez le da una estética que emula la técnica de la acuarela. La paleta de colores y la colorimetría es muy importante también, ya que se usa de forma general un tono pastel, que le da una estética particular (casi como de ensueño), y cada personaje tiene una predominancia de algún color específico que transmite su personalidad, lo que enriquece mucho la narración y el arte de toda la película.




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)


Me parece una película bellísima, profunda, poética y emotiva, que pueden disfrutar con toda la familia y llevar a sus niños . La película está nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación y ganó el Premio del Público en el prestigioso Festival de Annecy 2025 (el festival de animación más importante del mundo), en donde compitió con “Arco”, la que ganó el premio principal. Y aunque me gustó “Arco” (que también estuve en cines hace semanas) debo decir que “Amélie…” me gustó un poco más, y no solo me parece la mejor película animada del 2025, sino de las mejores del año. No dejen de verla, ya que se estrenó este Jueves en Colombia, y en Cartagena está disponible en las salas de CineColombia Caribe Plaza.




Reseña de la película: Little Amélie or the Character of Rain (Amélie y los secretos de la lluvia)

 


domingo, 26 de junio de 2022

Reseña de la película: L'événement (El acontecimiento) de Audrey Diwan - 2021 / Francia y a propósito del aborto #RoeVsWade

 
 
Resulta muy curioso que tenía planeada esta publicación para hoy y justo hace pocos días tuvimos la noticia de la revocación del fallo Roe Vs Wade en los Estados Unidos, que quitó la protección constitucional al derecho al aborto y dejó la autonomía a los distintos estados en aprobarla o prohibirla. Ha sido un retroceso, y gracias al cine podemos dar un vistazo al pasado.
 
 

 
 
“L'événement” o “Happening”, que ganó el año pasado el máximo premio en el Festival de Venecia, era una de las películas que más esperaba por ver pero sólo pude verla hasta este año. Tras verla no dudé que hubiese ingresado en mi top de las mejores películas del año 2021, aunque creo que aún puede participar para los Oscars 2022.
 
 

 
 
“El acontecimiento” es una película tremenda, contundente, aterradora, angustiante y reivindicativa de la historia y un derecho de la mujer que incluso se discute en estos días (porque en varios países, entre ellos Colombia, este año se ha discutido el tema). Ambientada en el año 1963, nos muestra a una joven prometedora, humilde y brillante estudiante de literatura, que un día ve como sus esperanzas de salir adelante se ven truncadas al verse embarazada. 
 
 

 
 
El aborto es una palabra que no siquiera se nombra, y cuando Anne lo sugiere a las personas más cercanas a ella, encuentra rechazo y reproche. Anne debe sacar fuerzas dentro de sus posibilidades para llevar a cabo un aborto y salvar su futuro. En el cine he visto algunas películas que tratan el tema del aborto de gran forma, en la que dos se me vienen a la cabeza ("4 meses, 3 semanas y 2 días" de Cristian Mungiu y "Nunca, rara vez, a veces, siempre" de Eliza Hittman), ambas estupendas, pero en esta película el acto del aborto (sobre todo la técnica primitiva o más arcaica posible según los conocimientos de la época y las limitaciones de la clandestinidad) es presentado sin muchos artificios ni censuras, logrando una experiencia de inmersión del espectador, quien gracias al trabajo de cámara de la directora se ha visto involucrando íntimamente en la odisea de Anne.

Nota: Acá dejo link de mi post de la película “Never Rarely Sometimes Always”, porque es un ejemplo directo del caso U.S.A. de una joven que debe recorrer una larga distancia para realizar el aborto porque en su región es prohibido:
 
 

 
 
Por lo que el espectador sufre de la mano de la protagonista y llega por momentos a resultar incómoda de ver porque se siente muy de cerca, gracias al excelente trabajo de sonido y fotografía. Creo que esa experiencia física es la que le da un plus adicional, además de mostrar lo injusto de la vida de las mujeres jóvenes décadas atrás, quienes se veían privadas de vivir su sexualidad libremente y reprimir el deseo por temor a la maternidad. Creo que es una de las películas con las que más he sufrido en mucho tiempo, y a la vez me pareció brillante, minimalista y reivindicativa. Gran trabajo de la directora y su actriz principal, Anamaria Vartolomei. La película ganó el León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia 2021, entre otros importantes reconocimientos, y al haber visto varias de la competencia, me parece justa ganadora. Sin dudas, una de las mejores películas del 2021, que merece ser vista por mucha gente. Es la adaptación de una novela de Annie Ernaux.

 
 
 

 
 
 
La directora Audrey Diwan y su protagonista Anamaria Vartolomei recibiendo el León de Oro a Mejor Película en el Festival de Venecia 2021
 

Reseña de la película: L'événement (El acontecimiento)

 

 

 

domingo, 12 de junio de 2022

Reseña de la película: VORTEX (Gaspar Noé) - 2021 / Francia

 
 
Esperada película del director argentino Gaspar Noé, que tuve la oportunidad de ver en el FICCI (Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias) 2022.

La película me impresiónó gratamente. Si bien, con solo leer la sinopsis, me di cuenta que iba a ser un trabajo distinto a todo lo anterior que había hecho el director Gaspar Noé, no me imaginaba hasta qué punto iba llegar o proponer en los límites de su tan identificable estilo. Sobre todo, después de sus más recientes películas (Climax, Love, y las siempre presentes, Irreversible y Enter the Void). Pero la película, aunque es distinta a sus anteriores trabajos, sigue manteniendo en varias partes su estilo, y deja su marca impresa en varios momentos.
 
 
 

 
 
La película cuenta la historia de una pareja de ancianos, que se encuentran distanciados por sus respectivas enfermedades y deterioros físicos y mentales. Él sufre del corazón, y ella sufre de los primeros esbozos de la demencia. Y en medio de ellos, su único hijo, quien también vive su propio infierno, y aunque lo intenta, es incapaz de ayudarlos.
 
 

 
 
La película desde el inicio separa la pantalla en dos cuadros, en donde vemos cambios de perspectivas, de lugares, de miradas, entre los tres personajes y su cotidianidad, mientras enfrentan este drama conjunto, que es la misma familia. La película se toma su tiempo y avanza lentamente, pero poco a poco va envolviendo al espectador en la trama, y logra mantenerlo (o al menos al que acepte la propuesta) por más de dos horas pendientes de lo que ocurra en este drama, que se catapulta hasta la tragedia.
 
 

 
 
Me parece una película muy bien hecha y concebida, y creo sin dudas que podría ser su mejor película hasta la fecha, pues en cada plano (dividido) hay reflexiones, ideas, emociones, miradas, silencios, y todo en plural. Sin dudas es una película ambiciosa, y algunos la comparan con Amour de Haneke, pero se le podrían encontrar solo algunos puntos de encuentro, porque la propuesta es totalmente distinta. Y por supuesto, hay algunos momentos específicos donde el Noé de siempre sale a la luz, y preciso se presenta en las escenas más fuertes y quizás grotescas, donde además vemos esa iluminación rojiza con claroscuros o el neón, que también forman parte de su estilo.
 
 

 
 
Y sin mencionar al reparto que está muy bien, liderado nada más y nada menos que por el emblemático director italiano, Dario Argento, como el esposo, además de Françoise Lebrun y Alex Lutz, como el hijo. Solo entre los tres mantienen todo el peso de la película, intercalándose entre los cuadros, y nos dan un bello pero sobre todo doloroso retrato de la familia en descomposición, de la vejez, la enfermedad y la perdición. La película ganó el premio a mejor película en la sección Zabaltegi, en el Festival de San Sebastián 2021. Y está dedicada a “Aquellas mentes que se descomponen antes que sus corazones”. ¡Estupenda!... Aunque al final sentí que se estiraba mucho y no quería terminar, jeje y puede dar la impresión de tener varios finales, aunque quizás también tenga su intención.
 
 

Reseña de la película: VORTEX

 

 

 

miércoles, 14 de diciembre de 2016

La Tortue Rouge (The Red Turtle) de Michael Dudok de Wit

Michael Dudok de Wit



Es el primer largometraje animado del reconocido animador holandés, ganador del Oscar a Mejor cortometraje de animación por su bello corto "Padre e hija". En esta ocasión, apoyado por el mítico Studio Ghibli, y con el maestro Isao Takahata en la producción. La película, como me lo esperaba es una verdadera joya. El director realiza una pequeña obra de arte y de artesanía, utilizando la animación tradicional (un gran acierto), pero con un cuidado y precisión en los dibujos y su composición, que logra trasmitir mayor realismo que muchas películas animadas con mayor presupuesto, y que incluso filmes de ficción en sus secuencias.



Crítica de la película La Tortue Rouge (The Red Turtle)


Además, la película cuenta con cero diálogos, por lo que todo el peso recae en la imagen y la composición visual y pictórica, además de sonidos naturales y la música. Todo en el filme es sencillo y minimalista, incluso la historia, PERO, aunque el argumento luzca sencillo, posee un gran trasfondo filosófico, y una dimensión de esencia bíblica y épica.



Crítica de la película La Tortue Rouge (The Red Turtle)



En síntesis, es una bella fábula sobre la vida, sobre los seres humanos en todas sus etapas, sobre su relación y armonía con la naturaleza, y el paso inexorable del tiempo. Es de una belleza visual impresionante, hipnótica y altamente conmovedora. Un deleite y un regalo para nosotros mismos. Aunque toda es bella y memorable, hay unas escenas que se quedarán contigo, como la de parte de la infancia o el enamoramiento, que contienen una delicadeza, una musicalidad, una sutileza y belleza arrebatadora.  

8.5/10


Trailer de La Tortue Rouge





miércoles, 11 de mayo de 2016

Love (Gaspar Noé)

Gaspar Noé



Siguiendo con mis reseñas completas pendientes del pasado FICCI. Turno para la película más reciente del reconocido y provocador director franco argentino, Gaspar Noé (Irreversible, Enter the Void): “Love”. La vi en la sesión de media noche del festival, que contó con la presencia del director y su actriz en el filme, Aomi Muyock. 




Karl Glusman


Escrita y dirigida por Noé, la película que desde su anuncio y proyección fuera de competencia en Cannes ha despertado polémica, en realidad termina siendo una de las películas más flojas, gratuitas y menos transgresoras del director, apesar de algunos buenos momentos. En “Love”,  Noé cuenta la historia atemporal de una pareja de jóvenes, Murphy y Electra, a través de los recuerdos de Murphy que las recuerda con mucha pasión, tristeza y furia, luego de terminar la relación. Y como si se internara en los recuerdos y pensamiento de un hombre, el resultado de la mayoría de los recuerdos son escenas de sexo. En el presente, Murphy está con su esposa y su hijo, una situación propiciada por un condón roto, lo que desencadenó todos los acontecimientos del filme.



Aomi Muyock


La película tiene elementos recurrentes en la filmografía de Noé, el rojo predominante especialmente, las sombras y colores vivos contrastados con la oscuridad… hay escenas muy bien logradas, muchas de ellas eróticas, que no son para nada escandalosas sino muy poéticas. Pero el filme de Noé tiene varios problemas, a pesar de su interesante propuesta inicial. 



Aomi Muyock


Si bien, como estamos en los recuerdos de Murphy, trata de sugerir que los recuerdos en las relaciones desde el punto de vista de los hombres son puro sexo, hay escenas repetitivas, otras innecesariamente explícitas, que uno disfrutaría más viendo una porno, y no que te interrumpan la escena con el drama histérico de la pareja, jejeje. En ese caso, me recordó un poco a Nymphomaniac, donde también juegan con el porno, pero como filmes pornos son pésimos: uno, por la interferencia de la verborrea y la parte filosófica, y dos, por el drama de la relación de pareja. Así que, a nadie molesta todo lo que muestra, las penetraciones, mamadas, eyaculaciones, etc etc, pero más de dos veces, ya cansa… sobre todo porque nos lleva a otro problema, su duración: muy larga, creo que se pudo contar en una hora y no en dos, y le hubiese permitido ser más específico y claro en su propuesta o mensaje… lo que nos lleva a otro problema: son tantas las lecturas, varias de ellas interesantes sobre el filme… pero al analizarlas todas o ponerlas en el escenario, te das cuenta que ninguna es clara y tiene la fuerza necesaria que debería tener.



Klara Kristin


¿Qué el amor va ligado al sexo? ¿No existe el amor? Etc etc creo que le pudo servir mucho más a la película tener una ruta clara, ya que la propuesta inicial de plantear una historia de amor real, llena de sexo (algo muy normal en las relaciones pero que la mayoría de filmes no muestran), me pareció estupenda, pero la extensión de la idea y del metraje, creo que no ayudó a darle un ritmo y un resultado más contundente. Aún así, fue interesante verla, pero veo una idea con potencial, que al final no llegó a su éxtasis u orgasmo cinematográfico.

6/10



Trailer de Love







Aomi Muyock

martes, 12 de marzo de 2013

En la Casa (Francois Ozon)





Última película del director francés Francois Ozon, del que he visto algunas de sus películas, pero hasta el momento la que reseñaremos a continuación, me parece la mejor que le he visto. 

La historia, que es basada en una obra de teatro, fue adaptada y a la vez dirigida por Ozon. El filme cuenta la historia de Germain, un profesor de literatura y escritor frustrado, que vive con su esposa Jeanne, que tiene una galería de arte contemporáneo. Ambos tienen una vida normal y bastante monótona. Pero un día, mientras Germain lee los mediocres trabajos de sus estudiantes, se encuentra con uno que le llama la atención, por su calidad, su lucidez y su cinismo. Germain y su esposa quedan atrapados en la historia, lo que lleva al profesor a contactar el día siguiente al autor del texto. Es así como conoce a Claude García, un joven atractivo, inteligente, talentoso y terriblemente manipulador, que cambiará sus vidas para siempre. 

Me ha parecido una película excelente, que cuenta con un extraordinario guión, que hipnotiza desde el primer instante. Desde el inicio, entramos en esta historia, en donde la manipulación y la imaginación son la normal. Así como la delgada línea entre la realidad y la ficción. 

El personaje de Claude, parece inspirado en la película de Pier Paolo Pasolini, “Teorema”, que incluso mencionan en el filme, para confirmar la relación o un cierto  homenaje. Pero la relación entre ambos filmes sólo llega hasta la personificación de ese objeto del deseo, del seductor que atrae a las personas, las manipula y las pone a su disposición. 

Es una película que trata tantos temas, desde los deseos y sueños insatisfechos, la falta del amor, las apariencias, sobre el arte contemporáneo (otra pequeña relación con Teorema), sobre las personas con enormes vacíos que necesitan otras vida para poder sobrellevar las suyas, sobre la necesidad de un ídolo o de sentirnos útiles en algo, sobre la envidia, el egoísmo, los deseos ocultos, en fin y muchos otros que cada uno detectará. 

También es un ejercicio “dimensional” o “intertextual”, en donde vemos como los personajes son manipulados, nos identificamos con ellos, con sus dudas y sus razonamientos, haciéndolos propios y creando otros al tiempo. Nos volvemos parte del juego de Claude, que nos mantiene atrapados e hipnotizados hasta el final. 

Cada personaje es muy interesante, es un mundo diferente y tiene una historia, disfrutamos del voyerismo de Claude, y a la vez nos convertimos en observadores obsesivos de la historia. Cada personaje tiene sus motivaciones, y aunque Claude es en la mayor parte, el que dirige la función, también tenemos un pequeño acceso a su intimidad, en el que podemos atisbar varias cosas. 

Claude es un joven muy observador, se fija en los detalles, le es fácil detectar lo que no se dice y anticipar reacciones. Al menos en ese punto me sentí identificado con Claude y su capacidad de observación, que claramente es muy importante para algunos escritores. En la película, Claude nos contagia de su curiosidad, nos encanta, nos engaña y a la vez nos hace cómplices de su juego.    

Hace tiempo que no me mantenía tan expectante y atrapado por un filme y su historia. El guión es como el mismo ensayo de Claude, una crítica sobre las clases, un retrato de la madurez, del crecimiento, etc. y todas esas ideas que Germain se atreve a pensar sobre la creación de su precoz alumno. No se sabe con exactitud el tema central de la historia de Claude, ya que todo va cambiando. Él dirige la función y al final descubre sus cartas. 

Porque siempre hay alguna forma de entrar a una casa… y siempre habrá una historia para contar. 

Además de su guión, hay un trabajo de dirección destacable, una fotografía cuidada y efectiva, de acuerdo a los espacios del filme. Y sin duda, la historia no hubiese funcionada sin el trabajo de sus actores, desde los veteranos Fabrice Luchini y Kristin Scott Thomas, hasta el joven Ernst Umhauer, que es una revelación.

En síntesis, un excelente y fascinante filme, un gran ejercicio de creación literaria, una obra que despierta muchas emociones. Es cómica, emocionante, terrible y perversa. Todo un deleite, un guión magnífico y excelente actuaciones. De lo mejor del pasado 2012. Muy recomendada.  

(9/10)






 










sábado, 15 de septiembre de 2012

35 Rhums (Claire Denis)


35 Rhums o 35 tragos de ron, es una película hermosa, preciosa, triste y melancólica. Claire Denis dirige con precisión, cuidado, detalle y con gran sutileza este canto triste y hermoso a las relaciones que tenemos en nuestra vida con nuestros u otras personas, a la monotonía, los miedos y a la vida en general.

En cada plano y cada movimiento se quiere trasmitir algo, para esto Denis con suma destreza crea ambientes acordes a lo que quiere que se sienta en la escena, lo acompaña con la banda sonora y los temas adaptados que complementan las distintas atmosferas del filme de maravilla. La conjunción de todos estos elementos junto con los protagonistas es tan precisa que traspasa la pantalla.

Hay escenas memorables, como esa en donde quedan atrapados en el bar, luego de que iban a un concierto y por fallos en el auto tienen que bajarse bajo la lluvia, empujar el carro y luego encontrar un refugio. Cuando encuentran ese refugio, todo lo que sucede en esa escena es mágico. Denis, utiliza la música de forma magistral, la ambientación y las actuaciones esplendidas de cada uno de los personajes, hacen que la escena permanezca contigo luego de verla.

Las interpretaciones, absolutamente todas fantásticas. Denis recurre a dos de sus actores fetiche, Descas y Colin, que acompañan al resto del elenco, que en cada escena no actúan, sino que la viven. Aprovechan los recursos de Denis y ellos simplemente se dejan llevar.

El filme hecho con gran sutileza, rebosa nostalgia, pasión y esperanza. El alma de los personajes queda desnuda antes nuestros ojos, los sentimos, los entendemos y nos identificamos con ellos. Ya sea por la represión de nuestros sentimientos, esos silencios eternos o por la inercia del constante vivir.

Es una obra maestra que estremece todos los sentidos. Te golpea, te traspasa con gran sutileza, te dejas llevar por la música y los hermosos planos con que Denis plantea y te muestra esta historia.

Es una historia relativamente sencilla y normal, pero muy humana y Denis la enaltece a un gran escalón, en donde sólo se encuentran aquellas escazas obras que alcanzan a ahondar en el fondo del alma humana y recorrer todos los sentidos y emociones, desde la nostalgia y la tristeza hasta la alegría y la esperanza. Muy recomendada.

9/10


Trailer de "35 Rhums"

Escena de "35 Rhums"

Frases de la película