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domingo, 23 de julio de 2023

Reseña completa y Análisis de la película: Oppenheimer (Christopher Nolan) - 2023 / U.S.A. / En Cines

Nolan se redime un poco tras su último descalabro (Tenet), y en esta adaptación de la vida del reconocido físico Julius Robert Oppenheimer retoma y vuelve a ejecutar con destreza lo mejor de su ya característico estilo, sin dejar algunas de sus también conocidas manías. En tres horas logra dosificar muy bien una estructura compleja que abarca varios frentes importantes en la vida del físico: su formación precoz, su personalidad y vida íntima; el auge de su nombre como importante físico y la presencia de la física (teorías, conceptos y descripciones) dentro de la narración; los cimientos del rencor de Lewis Strauss y otros colegas contra él; la dirección del Proyecto Manhattan que desarrolló las primeras armas nucleares; y finalmente, la investigación y proceso judicial por ser presunto colaborador de la Unión Soviética.

Esos son los temas y pilares centrales de la trama, y me parece que en esta ocasión logra estructurar de buena forma todos esos elementos, sin necesidad de seguir un orden cronológico, sino al decantarse en poner de hilo conductor de todo la psicología del personaje central: sus emociones, sus contradicciones y su sentimiento de culpa, el cual se ve bien retratado muy pronto, cuando el joven estudiante planea asesinar a un maestro estricto que él siente que lo menosprecia a través de una manzana con cianuro (guiño a Alan Turing, personaje con muchas coincidencias).

Desde muy temprano se manifiesta una pasión extrema por el aprendizaje, el conocimiento y los misterios del mundo, con influencia del hinduismo, y en consecuencia al mismo entorno y tiempo que le tocó vivir: la guerra. Por lo tanto, tuvo que direccionar sus esfuerzos en un arma de destrucción que él no concibió en todas sus terribles posibilidades desde el inicio, como el mismo fuego que Prometeo entrega a los humanos; por eso la correcta referencia, que viene del mismo libro que adapta Nolan: “Prometeo americano: El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer” de Kai Bird y Martin J. Sherwin, que ganó el Premio Pulitzer en el 2006. No he leído el libro por lo que no sé si la estructura viene del libro, pero Nolan hace una muy buena adaptación.

Me parece una película muy sólida, que quizás en los momentos donde se pierde en la jerga científica pueda despistar a algún espectador, pero en esta ocasión no abusa de la reiteración y la explicación excesiva, sino que deja que los conceptos afloren y en ocasiones usa las mismas imágenes para ambientar esos momentos o la misma interacción de los actores da muchas pistas. Pero aún así hay momentos donde aparecen esas viejas manías, en donde se excede, y el ritmo sufre. Pero afortunadamente son muy pocos, y la película en general mantiene un muy buen ritmo, intercalándose en los distintos temas, con las emociones contradictorias apareciendo con epicentro de la narración.

En sus aspectos técnicos es tremendamente sobresaliente, con la fotografía, el diseño de producción, el sonido, y un excelente trabajo de sus actores, destacando por supuesto a Cillian Murphy, el actor irlandés que ha aparecido en varias películas de Nolan, pero que por primera vez protagoniza una, y es un gran acierto. Y el retrato que hace de la figura de Oppenheimer me parece genial porque es muy complejo, con muchos grises y contradicciones, y los que piensan que se hace una reinvindicación total de la figura del físico deberían volver a verla, porque es el retrato de un alma brillante pero atormentada, a la vez que es fría, calculadora y en eterno conflicto. Y pocas veces Nolan ha logrado esta complejidad en sus personajes, aunque ya si extendemos la mirada a los otros personajes secundarios, y en efecto a los femeninos, ya veremos los viejos vicios al descubierto, porque nunca han sido el fuerte del director. Y sin dejar de mencionar ese espíritu triunfalista y patriótico que se siente en esos típicos biopics de héroes americanos,que acá también se llega a sentir, con la salvedad del evidente conflicto interno del personaje. Sin embargo, es una película muy buena, sólida, compleja, entretenida, y que vale mucho la pena disfrutar en salas de cine, y conocer un poco más de esos años de la historia, con efectos que aún nos cubren hasta estos días.

Tráiler de Oppenheimer – (Link 1)

Frases y Diálogos de la película – (Link 2)

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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Tráiler de Anhell69

viernes, 14 de julio de 2023

Reseña de la película: Anhell69 (Theo Montoya) - 2022 / Colombia

Otra de las películas que vi en la reciente edición del FICCI, que era uno de los estrenos colombianos más esperados. Un documental experimental que funciona como un documento etnográfico que muestra el estado de desazón en que se encuentran varios jóvenes de la comunidad LGBTQ+ en la ciudad de Medellín, también como un homenaje a la amistad y una elegía hacia aquellos que ya partieron.

“Anhell69” era el nombre de usuario de una persona, de un joven amado con sueños, quien lamentablemente falleció pero dejó una huella en varias personas, entre ellas al corazón del joven director, quien sumerge al espectador en esta revisión de memorias, en búsquedas de respuestas, de investigación, comprensión, entendimiento, de unión y reconstrucción colectiva de los afectos. En intervalos se nos muestra a un coche funerario que atraviesa la ciudad de Medellín, en donde viaja la muerte, la tristeza y el duelo, pero también las esperanzas y los sueños.

La ciudad de Medellín es otra protagonista y sirve de escenario y espejo para proyectar las emociones expresadas por los jóvenes, sus preocupaciones, sus desesperanzas y su estado de indefesión ante un espacio geográfico hostil que violenta los cuerpos y los espíritus de éstos jóvenes, además de sus respectivos núcleos familiares y la sociedad en sí, conservadora y apática.

El documenta también nos presenta escenas filmadas en modo entrevista, en donde podemos identificar a esta pequeña tribu que a la vez es una representación de otros pequeños grupos e individuos que luchan en el silencio y la clandestinidad. Pero no todo es triste, porque a través del buen montaje, se nos intercalan con momentos y ambientes festivos, de celebraciones y de momentos de contacto con el otro, con sus cuerpos y sus almas, mientras olvidan por momentos sus tormentos a través de la música, el sexo y el baile.

En el fondo también se nos presenta un homenaje al cine y a la vida, pues el director no esconde sus influencias y homenajea al cine y a los autores que lo inspiraron, como es la presencia del mismo Víctor Gaviria, quien aparece de invitado y de figura simbólica como conductor de ese coche funerario. Un documental emotivo, original, eléctrico y muy bello. No se lo pierdan cuando se estrene en cines.

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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viernes, 7 de julio de 2023

Reseña de la película: Joyland (Saim Sadiq) - 2022 / Paquistán

“Joyland” es la película más reciente del joven director y guionista paquistaní, Saim Sadiq, quien en esta ocasión nos introduce en el seno de la familia Rana, una tradicional familia paquistaní de clase trabajadora: numerosa, patriarcal y bastante conservadora. Mientras se encuentran en las vísperas del nacimiento de un nuevo niño, el hijo más joven, Haider, quien mantiene al padre preocupado por su soltería e inestabilidad laboral, se une en secreto a una compañía teatral de danza erótica. En el teatro el joven de enamora de Biba, una estrella trans, que le hará remover sus cimientos más profundos.

Es una hermosa y dura película sobre los conflictos de identidad entre uno mismo y con los demás y sobre los ambientes opresivos que accidentan y perjudican más esa búsqueda. También es una película sobre el amor, el deseo, la pasión y la libertad, en contraste con el odio, la violencia, el desamor y la represión. Es curioso y bello que cuando Haider es descubierto inicialmente por algunas de sus familiares jóvenes mujeres, incluso su prometida, éstas le animan a seguir, lo entienden dentro de lo posible, y se animan a sí mismas para actuar según sus convicciones y no por lo que se espera de ellas.

La dirección y la fotografía de la película son excelentes, con tomas y encuadres que contienen en sí muchos símbolos y evocaciones poéticas a través de la luz, las sombras, las miradas y los gestos, que te dan una información adicional sobre la historia y sobre sus personajes. Los personajes son muy bellos, cuidados y muy bien interpretados por sus actores, destacando a la pareja protagonista, Alina Khan y Ali Junejo.

Una película sencilla pero luminosa que encarna con mucha fuerza, gracia y belleza ese anhelo de escapar… de la sociedad, del hogar y del mismo cuerpo.Y también de descubrirse, de hallarse, encontrarse y reconocerse por primera vez.

La película ganó el Premio del Jurado en la sección “Una Cierta Mirada” en Cannes 2022. Una joya imperdible, que por supuesto entró muy bien posicionada en mi listado de los mejor del 2022.

Tráiler de Joyland - (Link 1)

El director Saim Sadiq, los protagonistas Alina Khan, Ali Junejo y el resto del reparto en el Festival de Cannes 2022:

martes, 27 de junio de 2023

Reseña del documental: Nuestra película (Diana Bustamante) - 2022 / Colombia

Hace pocos días tuve la oportunidad de ver el documental “Nuestra película” de la cineasta y reconocida productora colombiana Diana Bustamante, gracias a la gestión de Catalina Vela y Rafael Bossio del colectivo Imagina Cartagena, quienes proyectaron el documental en una sesión especial en Casa Chambacú para los cartageneros, en donde el documental lamentablemente no llegó a las salas de cine, ni en el FICCI (Festiva Internacional de Cine de Cartagena de Indias).

El documental nos muestra un mosaico de imágenes de archivo de nuestro pasado y nuestra historia, recorriendo la violencia, la muerte, la televisión, la esperanza, la muerte, el miedo y la sangre. Muchas de esas imágenes de archivo fueron inéditas para mí, que nací a finales del 89, y quizás haya visto alguna que otra en algún otro documental o especial de televisión, pero en su mayoría fueron escenas muy impactantes que veía por primera vez.

También el documental es un tratado sociológico y etnográfico de la Colombia qué sufría de la violenta década de los 80, los rostros de nuestros padres y de los fantasmas que se quedaron en el mito, en la incógnita y la eterna posibilidad. No pude evitar al ver las imágenes de las personas que se movían entre atentados, tumultos y masacres hacer una relación con las imágenes que había visto de mis padres u otros familiares en fotografías en su juventud en los 80, y quizás esa fue una de las intenciones de la directora: crear esa relación mental entre el espectador, las imágenes de archivo del país y nuestra propia memoria. Y por eso, también sería la película de cada uno. Nuestra película.

Bustamante interrumpe brevemente en una voz en off para enfatizar inicialmente en la mirada de la niña que veía éstas imágenes repetidas cada día de su infancia, que empezaba y terminaba con el himno nacional entonado por un coro de niños, y en medio a través de las noticias, pura muerte y violencia, como en una misma película de terror, más thriller y gore. Pero en otra voz en off también interviene ya la mirada de la adulta que mira hacia atrás y reflexiona sobre esas imágenes con las que creció. A través de imágenes con las que se empezaba a imaginar un país, y que luego nos comparte a través de un ensayo visual este testamento de historia y memoria. Un documental muy bien montado, editado, musicalizado y dirigido, que con suficientes imágenes poderosas nos relata una triste historia de nuestro pasado, que inevitablemente se traslada tristemente a escenas del presente, como una película que se repite eternamente, y a la que nos hemos acostumbrado. Todo el mundo debería verla, reflexionarla y conversarla.

Tráiler de Nuestra película (Link 1)

jueves, 22 de junio de 2023

Especial: Reseña de los Finales de dos series de comedia vanguardistas: “Atlanta” (Season 4) / Netflix-Disney+ y “Barry” (Season 4) / HBOMax

Surrealismo, terror, crítica, racismo, drama, humor negro, thriller, gore, romance, entre otros, son algunos de los géneros que más resaltan entre estas dos particulares series de comedia que han quebrado distintos esquemas desde sus respectivas emisiones. Ambas han llegado a la 4ta temporada, y ya sabemos que fue el final definitivo de “Barry”, parece que el de “Atlanta” también, pero a continuación comentaré sobre las últimas temporadas de estas series de las cuales nunca sabías qué te podía esperar en el siguiente episodio, y que representan dos formas distintas de hacer comedia, experimentando de forma creativa con géneros, símbolos, formatos, estilos y temas. Ambas son series muy sofisticadas y muchas veces con episodios brillantes que generan un gran impacto en el espectador. Empezamos:

ATLANTA

Sigo la serie desde sus inicios pero creo que es la primera vez que escribo sobre ella en el blog. Y desde hace años tenía preparados algunos textos pero nunca se dio la oportunidad de sacarlos en un post. De hecho, el primer post que tenía pensado hacer sobre “Atlanta” venía adjunto con comentarios de su 2da temporada y de paso un comentario del mediometraje “Guava Island” con el mismo Donald Glover y su colaborador Hiro Murai. Entonces voy a recopilar todo a continuación:

Mini/Doble Reseña (Sobre Donald Glover): "Atlanta - Season 2" y "Guava Island".

Finalmente he visto la 2da temporada de Atlanta, y me ha encantado al igual que la primera. Donald Glover sin dudas tiene un enorme talento para mezclar la comedia con la crítica social, la crónica y el análisis sociocultural, además de la revisión cultural y psicológica del tema racial en U.S.A, pero que al final también termina siendo y abarcando al ser humano en general. Porque se nota que habla de la experiencia, del conocimiento y de buenas bases. Aunque es actor, director, guionista, productor, compositor y hasta cantante, en Atlanta divide los créditos, así como en otros proyectos con el director Hiro Murai, quien también dirige el mediometraje que comentaré más abajo. Siguiendo en Atlanta, la 2da temporada sigue con ese estudio de la industria musical, de los raperos, pero también de la sociedad y la cultura. Hay episodios muy frescos, otros más hilarantes, otros más duros y tristes, y como siempre, reparte muy bien el protagonismo, dedicando episodios completos a sus compañeros del elenco. En esta temporada también está el estudio de la fama como tema en varios capítulos, la amistad, la familia y la infancia. Y su excelente elenco sigue brillando, acompañando a Glover: Keith Stanfield, Brian Tyree Henry y Zazie Beetz.

Por otro lado, he visto también el mediometraje "Guava Island", dirigido por Hiro Murai, y creado y protagonizado por Glover, acompañado de Rihanna y Letitia Wright. Es un pequeño cuento musical en forma de fábula, que inicia como un relato infantil y fantástico sobre una isla habitada por dioses e invadida posteriormente por unos hombres que reprendieron a sus habitantes a trabajar de manera incansable. Una pareja de niños se enamora en este nuevo ambiente y crecen con la ilusión de escapar algún día, pero el chico es un músico que toca en una radio local y adora y es adorado por la isla y su gente. Hasta que un día organiza un festival/concierto invitando a todos los habitantes para disfrutar tan siquiera un día. Me pareció un experimento interesante y original, con mucha simbología y crítica social. Hace una pequeña interpretación de su éxito como Childish Gambino, "This is America". Es otro producto fresco pero a la vez experimental e innovador, que sigue mostrando el talento de Glover en experimentar y buscar nuevas formas de expresión y narración, junto con Murai.

Afortunadamente seguiremos viendo y escuchando mucho sobre él. Si aún no ha visto Atlanta, no se la pierdan.

Atlanta (3ra y 4ta temporada)

La 3ra temporada de #Atlanta sigue manteniendo la calidad de la serie. Me continúa encantando la forma en que Glover te habla del mundo del espectáculo en los artistas afroamericanos, mientras disecciona con mucho cuidado, sutileza, humor negrísimo y contundencia los problemas de racismo que persisten en la sociedad. No faltan los toques surrealistas y sobre todo esos episodios intermedios, en donde no aparece ningún miembro del reparto principal, pero se centran en una historia particular para plantear una situación que pone el lente y el dedo en la llaga sobre diversos comportamientos que evidencian nuevas formas de racismo. Como el más reciente que vi, el episodio 7: "Trini 2 De Bone", que me pareció tremendo. Una pareja blanca de clase media alta se entera que la niñera de su pequeño (una mujer mayor de Trinidad y Tobago) ha muerto, y ante la tristeza del pequeño diciden llevarlo al funeral, donde se enfrentarán a muchas sorpresas y reflexionarán sobre ellos mismos.

Y en la 4ta temporada me gustaría resaltar algo de lo que no he hablado hasta el momento: #Atlanta tiene fácilmente una de las mejores bandas sonoras en cada episodio entre todas las series de los últimos años. Con un buen repertorio de Hip Hop, Rap y R&B, que se mezcla de forma perfecta con la banda sonora de cada episodio, el alma de los personajes y esa extraña atmósfera de ensueño o pesadilla que cubre muchos de los episodios, fiel a la fuente de inspiración que el mismo Glover ha mencionado varias veces: Twin Peaks (versión raperos) . Cada capítulo sigue siendo un viaje a ese universo surrealista, etéreo, oscuro, divertido y ferozmente crítico de Donald Glover, quien a la vez sigue analizando de forma compleja el racismo, como en sus nuevas formas de expresión, las tensiones entre la misma comunidad y todos esos elementos culturales y ancestrales característicos. En esta temporada tendría que resaltar los episodios, como: Light Skinned-Ed, Work Ethic, Snipe Hunt, The Goof Who Sat by The Door, en donde respectivamente nos habla del drama en la comunidad afroamericana con las personas que no son lo suficientemente negras o mestizas para algunos, también el paso por el duro mundo del espectáculo para los niños, en una especie de pesadilla distópica; pasando por un relajante e íntimo viaje al campo en familia en donde se discute sobre el futuro de la pareja principal; y en otro de esos episodios donde no sale ningún miembro del reparto principal, en forma de crónica se cuenta y se re-imagina una historia sobre un afroamericano que logró un alto puesto en la compañía Disney, y a la vez sobre el significado de Goofy, uno de los famosos amigos de Mickey Mouse, para la comunidad afroamericana. Y además de estos, todos los otros episodios tienen un componente muy fuerte que en realidad te golpea y te maravilla, y de vez en cuanto te divierte. Me parece una genialidad de serie.

BARRY

Sobre “Barry” ya había escrito en el blog. Recuerdo que desde su primera temporada resaltaba esta comedia negra sobre un asesino a sueldo que en medio de una misión encuentra su vocación como actor de teatro. El alma de la serie es su creador y protagonista Bill Hader, quien personifica con efectividad este personaje tan particular y complejo. La duración de cada capítulo es ideal, como en todas las comedias, y el número de capítulos también. Además de Barry, hay una gama de personajes secundarios de lujo, más situaciones tan bien construidas, que simplemente te hacen disfrutar de cada segundo. Está muy bien escrita (Hader es guionista también), y en cierta forma es original al mezclar géneros, porque en medio de la comedia negra aflora la sátira, entre ellas al mundo del entretenimiento, y contiene momentos tan hilarantes, surrealistas y absurdos, así como tristes y dolorosos. Sin dudas, es una de las joyas de la televisión reciente.

Pero centrándome en su última temporada y despedida definitiva, debo decir que la serie alcanza otro punto alto desde su dirección, su fotografía y la estructura de su guión. Pues desde el inicio se nos planteó que el teatro y la puesta en escena eran muy importantes en esta historia, y en distintos puntos de la historia vemos que cada uno de los personajes principales se encuentran perdidos en una falta identidad, en una falsa realidad que han asumido para poder sobrellevar sus respectivas existencias. Barry y Sally intentando vivir una vida con su pequeño hijo lejos de la civilización, con el temor de ser descubiertos y con ello el oscuro pasado que cada uno arrastra, lo que los lleva a sobre proteger al pequeño. Y en esos planos que se mezclan, de Barry con su hijo, así como el Barry pequeño con su padre están muy bien realizados, y nos hablan mucho del pasado del protagonista y de la raíz de varios de sus traumas. Por otro lado, tenemos a Hank y al profesor Cousineau, ambos hicieron grandes sacrificios para encontrar cierta paz, pero pronto les explota en su cara el pasado, y Cousineau con su propio narcisismo como el causante que lo saca de su tranquilidad para volver al drama y revolver las historias de todos los demás.

Toda la temporada está llena de acción, de tensión, de tristeza, de tragedia, y finalmente se pone en escena el mismo poder del cine, del relato y la volatilidad de las historias según sea la perspectiva que se narre: el espectáculo reivindica a asesinos y los convierte en héroes, el crimen se convierte en otro producto de consumo, así como el de sus mismos perpetradores, y de alguna forma son glorificados. Lo que nos lleva a pensar en en boom que ha habido en los últimos años sobre las historias de asesinos seriales, con esa intención de humanizarlos a un punto extremo y poco saludable, y la gente que lo consume a gusto y le da los mayores índices de audiencia. “Barry” trata este tema y resulta bastante pertinente para analizar esa misma realidad y tendencia que vivimos o hemos vivido en los últimos años. De la banalidad del mal y el peligro de las historias únicas, o la hipocresía que a veces existe en querer contar el otro lado de las historias, pero con una intención comercial que puede llevar a una empatía extrema con los asesinos, resaltando el mal que vivieron y explorando sus traumas, pero obviando y muchas veces censurando la condición mental que persiste y los nubla para llevar a cabo sus objetivos, entre muchos otros temas.

Barry afortunadamente no huye de los análisis y dilemas psicológicos del protagonista, sino que ahonda en ellos, los enfrenta y nos sumerge en ellos, lo que a veces genera una densidad adicional y quizás una perturbación en el espectador, pero logra con su ágil escritura y los recursos en sus otros personajes balancear un poco estos momentos de densidad y oscuridad. Y tras de eso se da el lujo de hacer sátira del espectáculo, de los asesinos en la pantalla, del mercado de armas en U.S.A., sobre la violencia en nuestras vidas y la imposibilidad del cambio o de obtener alguna redención. Otra gran serie que seguro te hará cuestionar muchas veces de si lo que ves es una comedia.

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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