El Origen de los Guardianes (William Joyce, Peter Ramsey)

“Rise of the Guardians”, es una película de animación y en 3D dirigida por William Joyce y Peter Ramsey. Ramsey con un trabajo en televisión en su portafolio y de William Joyce si hemos escuchado desde el año pasado. Si aún no lo recuerdan, mencionaré el título por el que seguro lo recordarán: “Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore”. El cortometraje animado ganador del Premio Oscar en la pasada edición. Joyce fue el director y guionista de ese genial corto.

Pero la carrera de Joyce viene desde mucho tiempo atrás, desde sus inicios en Pixar. Ya la historia de él la compartí en una entrada pasada donde le dediqué un especial a la que dice que es la nueva o futura Pixar: “Monnbot Studios”. Williams Joyce, es el creador de este estudio que produjo el cortometraje galardonado. Él empezó en Pixar, cuando el estudio estaba justo empezando, e incluso ayudó a diseñar a Woody, Buzz, y los otros personajes entrañables de ese ya clásico Toy Story, que se convertiría en el primer filme de Pixar. Pero bueno, esta no es una entrada sobre Joyce, sino sobre se último trabajo.

“El Origen de los Guardianes” tiene como productores ejecutivos a William Joyce y Guillermo del Toro, entre otros. Es dirigida por Joyce y Peter Ramsey, y el guión es basado en un libro escrito por el mismo William Joyce.

La película cuenta la historia de un grupo de guardianes que se dedican a proteger a los niños. Estos son personajes típicos de la cultura occidental, sobre todo de Estados Unidos, como: Santa Claus, El Conejo de Pascua, El Hada de los Dientes y Sandman. Ellos deben enfrentarse al resurgimiento de uno de sus grandes enemigos: Pitch (o el famoso Coco), que representa los miedos y las pesadillas. Para ayudarlos en este nuevo enfrentamiento recibirán la ayuda de un nuevo guardián, que es uno menos popular que los anteriores pero que se convierte en el salvador, este es Jack Frost, el que hace nevar y maneja el hielo y el invierno.

Esta es la base central del filme. La película es interesante, no inicia de la mejor forma. En los primeros minutos pensaba que estaba perdiendo el tiempo, ya que hay una especie de introducción y luego pasan muchas cosas de forma muy rápida, lo que le hace perder bastante en esa primera parte del metraje.

Afortunadamente el filme posteriormente se recupera, ya con un ritmo más pausado, con más detalles y atención en los personajes, la introducción de Pitch, la historia de Jack Frost, todos esos detalles empiezan a dar más credibilidad al filme, y un tono un poco más oscuro. También, aunque los personajes o los guardianes son caricaturizados, aún así mantienen aspectos de las historias tradicionales.  

La animación está muy bien lograda, además con un 3D destacable.

En síntesis, la película me ha gustado pero me ha parecido irregular, sobre todo con ese inicio flojo. Pero debo de reconocer sus virtudes, su propuesta y sobre todo su simbología, porque me gustó mucho el trasfondo que se analiza con la dualidad, la luz y la oscuridad, los miedos y temores  con la fe, la esperanza y la luz. Además con esa alusión que se hace, muy aplicable hoy en día, cuando la oscuridad ha eclipsado la mayoría de los corazones, siempre aunque sea una pequeña luz, en una persona, hace la diferencia. Por todo esto:

6/10

Trailer de El Origen de los Guardianes

Frases de la Película 

Rust and Bone (Jacques Audiard)

Película dirigida por el notable director francés Jacques Audiard, que hace unos años nos sorprendió con su anterior filme “Un Profeta”. En esta ocasión, Audiard se aparta del drama carcelario y se interna en una historia dura, intimista y a la vez conmovedora de dos almas golpeadas por la vida. Es una película dura, triste y tierna en algunos momentos. No deja muchos espacios para sentimentalismos y la lágrima fácil, pero no es una película redonda, ni una obra maestra.

En esta ocasión, con un guión del mismo Audiard y Thomas Bidegain, nos cuenta la historia de Alí y Stéphanie. Él, un padre inexperto y un hombre desorientado que un día debe hacerse cargo de su pequeño hijo, por lo que decide irse a vivir con su hermana. Y ella, una domadora de orcas, que un día sufre un lamentable accidente en su trabajo, haciendo que le amputen las dos piernas.

El filme naufraga entre las historias de los dos protagonistas que se cruzan desde muy temprano. Y ambos protagonizan una historia de amor muy real, cruda y no muy convencional. A pesar de todo lo que pasan, ninguno de los personajes es retratado bajo una figura muy sesgada hacía el bien o el mal, sino que recorren ambos bandos, nos identificamos con ellos y los entendemos.

Lo anterior, es en gran parte labor de sus dos protagonistas que están excepcionales, Marion Cotillard y Matthias Shoenaerts. Ambos viven y sufren sus personajes, trasmiten en su totalidad y con veracidad y eficacia cada uno de los sentimientos que experimentan la pareja. El trabajo de ambos, es lo mejor del filme.

La película tiene grandes momentos, varias escenas en que se lucen el trabajo de sus actores, pero en general tiene algunos problemas. Inicia muy bien, pero el ritmo no se mantiene, se pierde en el camino y se va perdiendo poco a poco hasta el final, a pesar de algunos aciertos en el camino. Creo que pueden ser problemas con el guión, que en ocasiones parece un poco flojo, al no direccionar muy bien la historia, ni profundizar en algunos detalles. Aunque quizás sea intencional plasmar el estado de confusión de sus personajes, pero creo que no fue acertada la forma.

En síntesis, es un filme interesante que creo que pudo ser mejor, tiene como grandes fortalezas sus intérpretes, su dureza y franqueza en plasmar situaciones reales, en trasmitir el dolor. Pero no es un filme redondo, tiene sus fallas, y estoy de acuerdo en la opinión de un crítico que hizo en su comentario una comparación con una película de Iñárritu. Si, sobre todo en la parte final con ese “discurso” en referencia al título del filme, que me recordó a “21 Gramos”. Pero tal vez es insustancial porque ya Audiard nos ha mostrado esa dureza antes. De igual forma un filme recomendado, que sólo por sus actuaciones principales merece la pena. Y por todas sus virtudes mencionadas:

6.5/10    

Nota: Aunque entiendo que la canción de Katy Perry, puede sonar en ese tipo de shows, no me gustó su inclusión en la película, en las dos partes que sale. Y no es por la canción, es que no sé, me pareció fuera de lugar. Pero es opinión personal.

Trailerde Rust and Bone

Frases de la película

Beasts of the Southern Wild (Benh Zeitlin)

Película estrenada en el Festival de Sundance donde ganó el premio a la Mejor Película y a la Mejor Fotografía. Posteriormente se presentó en el prestigioso Festival de Cannes, en donde se llevó la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima y el premio FIPRESCI de la crítica internacional en la sección “Una Cierta Mirada”. Ante todas esas credenciales y su estupendo tráiler se había transformado en uno de los filmes que más tenía ganas de ver en todo el año. Ahora que ya lo he visto, ha cumplido absolutamente todas mis expectativas, es una ópera prima maravillosa, una película hermosa, triste, real y mágica. Muy conmovedora y magistralmente filmada. Hasta el momento, la mejor película del año.

Escrita y dirigida por Benh Zeitlin, un joven cineasta norteamericano (30 años de edad), que con su primera película en su currículo ha recibido múltiples elogios y reconocimientos, y todos muy merecidos.

“Bestias del Sur Salvaje”, en su título en español, es una película independiente que cuenta una historia ambientada e inspirada en una de las pequeñas comunidades de pesca independiente, que se encuentra en la parroquia de Terrebonne, en Luisiana, Estados Unidos. Una de esas comunidades apartadas y amenazadas por distintos fenómenos de la naturaleza, como huracanes y la subida del nivel del agua. En la actualidad, ese lugar se encuentra conformado por casi igual área de agua que de tierra firme.

En el filme, observamos que el lugar se conoce como “La Isla de Charles Doucet”, un lugar donde las personas viven en armonía, a pesar de las condiciones en las que se encuentran con diversas carencias materiales. Pero adoran su espacio, apartado de la ciudad y de esas fábricas que miran a lo lejos con recelo.   

La historia es narrada desde el punto de vista de una niña, Hushpuppy, una niña pequeña que vive con su padre. Una niña con una gran imaginación y con una gran fortaleza que ha ido adquiriendo a través de su corta vida. Su madre los abandonó a poco tiempo de ella haber nacido, según una de las historias que le cuenta su papá, pero ella siempre espera que ella aparezca, entre la oscuridad y entre ese mar por el que un día se fue, tal vez a probar suerte al otro lado de la realidad. Habla con ella y escucha su voz invisible.

Como el relato va de la mano de Hushpuppy, constantemente escuchamos una voz en off con la voz de la niña, en donde podemos ver sus pensamientos, ideas y visiones de la realidad que vive y observa. Este elemento es vital para la narración en general del filme, porque a través de la imaginación de la niña experimentamos la división de la historia, entre lo que ellos viven en la realidad y al mismo tiempo lo que se desarrolla en su imaginación, en donde los casquetes polares se van derritiendo y los Uros, unos animales de los que escucha en clase, van resurgiendo cada vez que el hielo se desvanece. Esos enormes animales y su desarrollo en la película van en coherencia a la historia de la niña, y son enormes símbolos que crecen a la medida que crece su seguridad y su fortaleza.  

Me gustaría hacer una pequeña comparación, en una pequeña alusión que me gustaría hacer con otros dos filmes que se me han venido a la mente al ver este filme. La primera alusión, es el filme “Léolo” de Jean-Claude Lauzon, en donde encontré similitudes con la sordidez que maneja, la crudeza con la que se muestra la realidad que viven en su entorno y sobre todo con la narración y la voz en off, que en esa ocasión se encontraba a cargo del niño Léolo, otro personaje infantil tan inolvidable, así como lo es ahora Hushpuppy.

Y la otra alusión, es con la mejor película del año pasado “El Árbol de la Vida” de Terrence Malick. Pero la alusión es más pequeña, en el filme de Malick observábamos como desde la introducción nos mostraban el camino de la naturaleza y la gracia, representado en el padre y la madre. En esta película observamos el total predominio de la naturaleza. El padre, preocupado de que su hija crezca fuerte e independiente, sin mostrar debilidad. De que se identifique con la naturaleza y busque su lado animal. Y eso es lo que ella hace.

El lado de la gracia en esta oportunidad, no se presenta, esta ha sido arrebatada o se le ha negado, aunque si se asoma el anhelo de alcanzarla, sobre todo en esa hermosa escena donde las niñas llegan a un bar, en donde se encuentran a varias mujeres, quienes en un breve momento les dan su cariño. En ese momento la gracia se presenta, pero ya la naturaleza se ha perpetuado y ha invadido el espíritu y el alma.

Además de todo esto, el filme cuenta con una excelente fotografía, el trabajo de Zeitlin, a pesar de ser su ópera prima, es muy destacable. Y hay que destacar la parte de las interpretaciones, priorizando la de la niña, la protagonista, Hushpuppy, interpretada por Quvenzhané Wallis, quien hace una interpretación magistral, que merece todos los premios del mundo. Vive absolutamente el personaje. También es notable la labor de su padre y el resto de secundarios.  

En síntesis, un filme hermoso y poético, es como un poema triste y doloroso pero a la vez luminoso. Una de las grandes joyas del año, y hasta el momento se perfila como una de las grandes películas del año. Un gran debut para este joven director, que hay que seguirle la pista.

9/10   

Trailer de Beast of the Southern Wild

Frases de la película 

De Animales y Bestias (A.S.B)

En los últimos días nuevamente se volvió a remover el tema del maltrato animal, cuando observábamos esas crudas escenas en donde dos hombres maltrataban a un indefenso caballo que no podía continuar con la carga que la había sido impuesta.

Si revisamos las noticias en los periódicos locales, podemos observar que a diario se ven este tipo de atropellos contra los animales. En los últimos meses desde septiembre, muchos casos han salido a la luz.

Es alarmante la noticia que salió publicada el pasado 23 de Octubre, en donde salió a la luz que varios jóvenes utilizaban a algunos animales para “practicar” puñaladas y perder la sensibilidad en el acto de causar daño. En donde además de puñaladas, propinaban golpes, quemaduras y machetazos, entre otras torturas equivalentes al de cualquier campo de tortura.

Si estos son los jóvenes, que han sido identificados en barrios como Torices, Nariño, Daniel Lemaitre y otros cercanos al cerro de la Popa, que se están preparando para ser los delincuentes del mañana, no sé qué se puede esperar en ese futuro cercano.

Históricamente los animales han estado al servicio del ser humano, y para mantener el equilibrio entre ambas especies, aunque actualmente sea más para mantener la sobrepoblación del planeta tierra, muchos animales son sacrificados. Lo conocemos como el ciclo de la vida, la cadena alimenticia, etc.  Pero, ¿de dónde viene esa crueldad? ¿Dónde están las autoridades? Y sobre todo ¿Dónde están los padres?

Hace poco estuve leyendo un libro de la india titulado “El cazador y el sabio” de Su Divina Gracia A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada. En uno de los diálogos, el cazador que se encuentra masacrando a todos los animales por su camino, se encuentra al gran sabio Narada. Cuando llega el gran sabio todos los animales huyen del lugar, el cazador reclama a Narada de por qué se le ha aparecido y espantado a los animales que cazaba. Él le responde: “Abandoné el camino y he venido a ti, para resolver una duda que hay en mi mente”.  Y prosigue: “Me estaba preguntando si todos los jabalíes y demás animales que están a medio matar te pertenecen”. El cazador responde afirmativamente. El sabio entonces le dice: “¿Por qué no mataste a los animales por completo? ¿Por qué los mataste a medias, traspasando con flechas sus cuerpos?”.

El cazador responde: “Mi querida persona santa, me llamo Mrgari, el enemigo de los animales. Mi padre me enseñó a matarlos de esa manera. Cuando yo veo sufrir a animales a medio matar, siento un gran placer”.

A pesar de que cada vez el tiempo transcurra más rápido, que vayamos “evolucionando” en muchos sentidos, aún prevalecen arraigadas ideas tradicionales y arcaicas, que por más que se enfrenten, nunca se llegan a erradicar por completo. Es una marca en nuestro subconsciente que se hace presente en los momentos en los que menos nos imaginamos. En esos momentos, en donde nuestra llamada “verdadera naturaleza” sale a flote.

Pero es importante que haya una orientación, una guía, que muestre a cada una de las personas, en este caso de los jóvenes, las capacidades que tienen para explorar, explotar y desarrollar para su propio crecimiento personal. Porque si no se presta atención a estos “pequeños” problemas, lo más probable es que el día de mañana no sean los animales las víctimas, sino otras bestias aparentemente más desarrolladas. 

(A.S.B)

Pueden encontrar el artículo publicado en la Revista La Urraka, en el siguiente enlace:

De Animales y Bestias (A.S.B)

Frankenweenie (Tim Burton)

“Frankenweenie” fue uno de los primeros proyectos en la carrera de Tim Burton, estrenado como un cortometraje de 26 minutos en 1984, bajo la producción de Walt Disney Pictures. Ya en ese momento, Burton había hecho su primer cortometraje con Disney, que fue su primer gran trabajo, el cortometraje en blanco y negro y con la técnica de stop motion: “Vincent” (1982), con un enorme éxito en la crítica y que definiría el estilo de Burton. Cuando dos años más tarde presentó Frankenweenie, un corto en blanco y negro inspirado en “Frankestein” de James Whale, tuvo una buena acogida, pero Disney despidió a Burton por considerar el corto demasiado terrorífico para los niños.

Tim Burton, posteriormente de su salida de Disney inició su carrera como director de largometrajes, en donde mantuvo el estilo que mostró en sus primeros cortometrajes. Y durante todo ese tiempo Burton se ha consolidado como uno de los directores más importantes de los últimos tiempos, por su estilo particular y original. Ha demostrado su versatilidad paseando por distintos géneros, pero siempre manteniendo esa marca “Burton”, que se encuentra en todos sus trabajos. En su carrera ha dirigido filmes tan memorables como Beetlejuice, Batman, Eduardo Manos de tijeras, Ed Wood, Big Fish, entre otras.

En este año 2012, ya Burton estrenó “Sombras Tenebrosas”, que aún no he visto y “Frankenweenie”, que es una nueva adaptación de ese cortometraje del 84, que hizo que lo despidieran de Disney. Curiosamente, la nueva adaptación es producida nuevamente por Walt Disney Pictures. En esta nueva adaptación, lo hace como un largometraje, sigue con el blanco y negro, pero en esta ocasión recurre a esa técnica que se le da tan bien, el stop motion.

La película cuenta la historia de Victor Frankestein, un niño un poco introvertido que se dedica a realizar cortos donde su perro Sparky es el protagonista, quien además es su único amigo. Hasta que un día Sparky es accidentalmente arrollado por un camión, muriendo al instante. Victor cae en una gran depresión, hasta que un día en su clase de ciencias se interesa sobre el impulso eléctrico de los músculos, lo que la lleva a utilizar esa técnica para revivir a su perro. El experimento sale muy bien, pero Victor deberá enfrentarse a los distintos obstáculos para que nadie descubra que ha revivido a Sparky.

La nueva adaptación de Burton es simplemente excelente, me ha fascinado, me ha llevado por muchas emociones como hace ya un tiempo no lo lograba un filme. Y me ha sacado la primera lágrima del año (en cuanto a películas). Durante este año estaba muy preocupado de no haber visto aún una obra maestra, finalmente la he visto.

El cine de Tim Burton siempre me ha gustado, a pesar de que en los últimos años no tuvo muchos aciertos, estaba esperando su regreso. En esta oportunidad, hace un homenaje a sí mismo, a sus inicios en el cine y sobre todo hace un excelente homenaje al cine de terror de antaño en general, logrando uno de los mejores filmes de su carrera.

“Frankenweenie” te lleva y te arrastra pos distintas emociones, te conmueve desde el drama y la tragedia, pasando por la comedia y toques de humor, y al mismo tiempo combinando el mejor cine de terror. Durante todo este tour sólo podía sostener una sonrisa y gran emoción, esas emociones que sólo te embargan cuando ves un filme que te llega y que no te abandonará durante mucho tiempo.

 Así como Steven Spielberg es un maestro en hacer cine de entretenimiento de gran calidad y de llegar a los niños, Tim Burton combina de gran forma estos géneros y emociones, mostrando la belleza y la sensibilidad tras esos personajes retorcidos y tenebrosos que proyecta.

Da una enorme alegría volver a tenerlo con su mejor cine, los homenajes al cine de terror están casi en cada fotograma, es muy creativo y lo hace sin perder el hilo de su historia principal, que es la de ese niño que ha perdido a su mascota, su mejor amigo y no se resigna a dejarlo ir. Creo que habrá un toque especial para aquellos que hayan experimentado la pérdida de alguna mascota querida.

Los personajes todos son identificables y simbólicos, desde el perro Sparky, el profesor de ciencias, que tiene la voz de Martin Landau, quien estuvo en el filme Ed Wood. Y además tenemos a Winona Ryder, una consentida de Burton, que interpreta a Elsa Van Helsing. El personaje me recordó mucho su papel en Beetlejuice, cuando era una joven aún. Es una actriz que extraño mucho. En fin, todos esos personajes entran a la lista de esa larga gama de personajes memorables de Burton, quien siempre ha sentido debilidad por mostrar esos seres solitarios, alejados, melancólicos pero llenos de luz y amor, a pesar de sus defectos. Y esa es una de las grandes virtudes de este genio a lo largo de su carrera.

En síntesis, es un filme muy recomendado, una nueva obra maestra de Burton en su regreso nuevamente a la animación. Además de todos los aspectos anteriores, todos los aspectos técnicos son combinados de gran forma, los momentos tristes y sobre todo esos en donde hace homenaje a los filmes de terror, con escenas excelentes, mucho mejores que muchos filmes mal llamados de terror, jugando con las sombras y las luces, la música, en fin. Y en su parte sentimental, se encarga de equilibrarla con los otros elementos y dosificarla en su justa medida y de nunca caer en el facilismo. Con todo esto, una obra imperdible.

9/10

Trailer de la película

Frases de la película

Holy Motors (Leos Carax)

Uno de los filmes que más tenía ganas de ver desde su estreno a principios de año en Cannes. Pensaba que me iba a encontrar la primera obra maestra del año, pero lamentablemente no la encontré.

“Holy Motors” es un filme raro y extraño, o al menos lo aparenta, pero en realidad es un filme con un argumento nada fuera de lo común, aunque esté adornado estéticamente. Cargado de gran simbología, con diversas críticas generales a la sociedad y al ser humano y sobre todo un retrato particular sobre la falta de identidad en la sociedad contemporánea.

Dirigida y escrita por Leos Carax, autor de filmes como Los amantes del Pont-Neuf y Pola X, en esta ocasión Carax cuenta la historia de Oscar, un hombre con muchas identidades, desde banquero y padre, hasta mendigo y asesino. Durante todo el filme lo vemos viajar en una limusina, en donde va cumpliendo cada uno de sus trabajos, en donde interpreta a un personaje diferente en cada uno. 

En cada una de las identidades asumidas por Oscar, que varían a diario, podemos observar desde distinta óptica distintos problemas de la sociedad, pero sobre todo, somos testigo de la inconformidad del ser humano con su propia existencia e identidad, y ese anhelo en ser alguien más, en hacer cosas diferentes que normalmente, con una vida normal no tendríamos la oportunidad de hacer por las distintas limitaciones del sistema.

Durante el filme podemos ver a otras personas que también se dedican al mismo trabajo de Oscar, y viajan en su limusina asumiendo distintos roles e identidades, vivir distintas vidas para así no pensar en sí mismo. Al final no sabemos cuál es la verdadera identidad de Oscar.

Aunque no he visto el filme “Alps” de Lanthimos, creo que se asemeja un poco en el argumento. La historia me gustó y su sentido simbólico y metafórico, pero el filme por alguna razón no me sorprendió, ni me emocionó, con esa emoción que siento cada vez que veo una obra maestra. En esta ocasión quedé esperando la sensación.

El filme cuenta como mayor virtud, su estética, ese universo y ese lenguaje que utiliza Carax para trasmitirnos con su historia, reforzando y acompañando la simbología del argumento, además de su excelente dirección y fotografía. Sin olvidar las excelentes actuaciones, resaltando sobre todas la del gran Denis Lavant, que se mete en los distintos personajes y los interpreta con fuerza y de forma convincente. Hace una gran labor. Además de Edith Scob y los pequeños personajes de Eva Mendes, Michel Piccoli y la cantante Kylie Minogue.

En síntesis, un filme muy interesante con una gran simbología y despliegue artístico, pero que sin embargo (para mí) no alcanza el estatus de obra maestra. A pesar de sus innegables virtudes.

7.5/10

Trailer de Holy Motors

Frases de la película

Argo (Ben Affleck)

Tercer filme de Ben Affleck como director, demostrando nuevamente que le va mejor tras las cámaras que frente a ellas. Excelente película, muy bien dirigida. Me recordó mucho a “Munich” de Spielberg, no sólo por ser basada en una historia real sino por el increíble ritmo que maneja y la tensión que mantiene hasta casi el final del filme. No es una obra maestra, pero si un excelente trabajo de Affleck tras las cámaras.

En esta ocasión, con un guión de Chris Terrio, ambienta la historia en Irán en el año de 1979. Cuando la embajada de Estados Unidos en Teherán es ocupada por seguidores del ayatolá Jomeini para pedir la extradición de Sha de Persia. En esa ocupación son secuestrados algunos diplomáticos americanos y seis logran escapar y ocultarse en la casa del embajador de Canadá. En el filme observamos la cooperación que hubo entre el gobierno de Canadá y la CIA para rescatar a esos seis diplomáticos. Donde contratan a un experto extractor que se ingenia la estrategia del proyecto “Argo”. Que consistía en simular la producción de una película falsa a rodarse en los escenarios de Teherán para luego rescatar a los seis ciudadanos haciéndolos pasar como parte del equipo de producción del filme.

El filme es basado en hechos reales y tiene un ritmo creciente con una primera mitad introductoria que se encarga de informar al espectador sobre lo que ocurre en el entorno y en esos momentos, la situación política, comentarios de las persones comunes, en fin. Con muchos elementos propios de la época y utilizando bastante imágenes con noticias verdaderas de los hechos reales. Son detalles que Affleck tuvo muy en cuenta y le dieron gran veracidad al filme. En la segunda mitad, inicia un ritmo que crece, se alimenta de intriga y tensión, con muy buenas tomas, acompañadas de una coherente música que involucra definitivamente al espectador con la acción del filme y con sus personajes.

Las actuaciones son muy buenas, sobre todo las de Alan Arkin y John Goodman que trasmiten el humor en el filme. Un correcto Affleck en el papel principal, y un reparto en general correcto.

En síntesis, un filme con muchos ingredientes, humor, drama, tensión, intriga, etc. Muy bien hilada y muy bien hecha. Al final percibí una pequeña dosis de ese inevitable patriotismo del que son inmunes este tipo de filmes sobre política, que aunque me molestó un poco, no le quita absolutamente nada de sus virtudes. Película muy recomendada y entretenida de buen cine.

7.5/10 

Trailer de Argo

Frases de la película

Especial: Violencia en las Aulas en el Cine (26-30 Noviembre)

El Especial de Violencia en las Aulas en el Cine, ya se encuentra terminado. El lanzamiento oficial será durante la semana del 26 al 30 de Noviembre. He escogido esta fecha para conmemorar la fecha de la muerte de Roger Crouch, quien fue encontrado muerto el 28 de Noviembre del 2011. Roger Crouch, era un hombre de 55 años de edad, quien sufrió la pérdida de su hijo Dominic Crouch, que se había suicidado en Mayo del 2010, debido a los constantes acosos de sus compañeros de escuela. Roger, su padre, quedó devastado y tomó importancia porque desde la muerte de su hijo empezó una campaña contra en Facebook contra el Bullying.

Es por esto, que aprovecho a lanzar el especial en esa semana. Además de que también será dedicado a todos esos jóvenes que han muerto debido como consecuencia de cualquier acto de violencia en las aulas. Entre los casos más famosos tenemos a: Jamey Rodemeyer, Ashlynn Conner, Jasmine McClain, Tim Ribberink, Amanda Todd, Yordan Valenzuela, Gauthier, y todos los otros jóvenes anónimos que representan los miles de casos que se ven a diario y a aquellos que en estos momentos están sufriendo algún tipo de violencia en sus instituciones.  

En la imagen pueden observar los 25 filmes que conformarán el especial. 

¡Ya casi!

Revista GPS - Edición 4

Hola a todos, los invito a revisar la edición digital número 4 de la Revista GPS. En donde en esta ocasión pueden leer un artículo de mi autoría sobre la Librería Ábaco. Y además pueden encontrar el texto de mi amigo Cristian Torres sobre las casas embrujadas en Cartagena de Indias.

A continuación el enlace:

RevistaGPS (Edición 4)