¿Quién no quiso a Damaris? (Glenda Vergara Estarita)

En la bella ciudad de Cartagena de Indias como escenario de fondo, entre el Centro Histórico y el tradicional barrio de Getsemaní, transcurren mayoritariamente los sucesos que se narran en la primera novela de la periodista y escritora colombiana Glenda Vergara Estarita. Aunque nació y creció entre Barranquilla y Sincelejo, y vivió otra parte de su vida en la ciudad de Bogotá, Glenda junto con Damaris y los diversos personajes que nutren la historia, desfilan y se pasean con gran destreza y con la sabiduría que sólo da la experiencia por cada uno de lugares de la ciudad colonial por donde transitan como el mismo viento ancestral que desde tiempo inmemoriales ha sido testigo de su desarrollo e inercia. 

¿Quién no quiso a Damaris? Como revela desde su enigmático título la novela, inicia con un párrafo donde inmediatamente reconocemos al tipo de narrador que nos acompañará durante todo el recorrido. En primera persona, Damaris, irrumpe con la introducción de su relato, que a la vez nos devela un narrador testimonial:

“En contra de lo puedan pensar algunos, yo fui modelo artística de Rubén Sampedro. Supongo que tal declaración no constituiría ninguna novedad si Rubén Sampedro no hubiera sido un artista plástico elevado a la categoría de maestro en esta ciudad. Pero tratándose de él, pongo en duda que mis palabras pasen desapercibidas si es que usted les da el visto bueno y, al fin, las decide publicar”   

De esa forma, dirigiéndose directamente a un usted que desconocemos de primera mano y que puede confundir al lector más despistado, emprendemos el viaje de Damaris desde el presente, su presente. Una mujer de 38 años que narra a una persona los acontecimientos que se llevaron a cabo 15 años atrás, cuando recuerda como llegaba por primera vez a la casa de Rubén Sampedro, el pintor asesinado, ubicada en la Calle de las Damas. Que Rubén Sampedro fue asesinado, se nos descubre desde la primera página, así que durante el resto del trayecto, Damaris nos trasladará años atrás, cuando con 23 años, radiante, encantadora, conservadora, seductora, supersticiosa y vivaz, la joven getsemanicense, que trabajaba como mesera en el restaurante de Fanor, inicia un viaje sin regreso cuando va a solicitar el puesto de modelo de desnudos para el famoso pintor de la ciudad. 

El personaje de Damaris, desde el inicio contagia al lector y crea una empatía con él, su personalidad que transita desde la tierna inocencia hasta el desfase pasional de su voluntad, va envolviéndonos como a cada uno de los hombres que la quisieron y la desearon. Pero sólo hubo uno que no quiso a Damaris. Y la mejor forma de descubrirlo es leyendo esta breve pero virtuosa novela, con un ritmo creciente y una atmósfera constante cubierta del calor del Caribe, de su cultura, su gastronomía, sus tradiciones y su gente. Así es, leer a Damaris, es también darnos un corto viaje por la historia de las últimas décadas en el Caribe y del país en general, ya que es inevitable la mención de los hechos como la violencia y la época de los traficante que es inmediatamente anterior a los acontecimientos que transcurren en la novela, por lo que nos ayuda a la vez a situarnos en el tiempo cronológico de la historia. 

Como mencioné al inicio, encontramos saltos temporales sin previo aviso, identificables solamente con el lenguaje y la narración, que intercala en la constante primera persona con los fashbacks y el narrador testimonial, que al fin y al cabo son la misma persona, las mismas Damaris, en distintos tiempos, edades y experiencias. También además de creciente, el ritmo es ágil y efectivo; la prosa sencilla, valiéndose de algunos términos locales, al mismo tiempo que hipnótica y melódica. 

Tengo la gran fortuna de conocer a la talentosa escritora, y me atrevo decir que trasladó varios aspectos de su personalidad, de su vida y su forma de ser a Damaris y a otros de los personajes. También son palpables y reconocibles los atisbos de su oficio de periodista en el lenguaje narrativo, como por ejemplo el de la crónica, en donde podemos ver una posible referencia a la gran obra de Gabriel García Márquez, “Crónica de una muerte anunciada”, al revelar el asesinato del protagonista desde la primera página. Centrando el interés del lector en el desarrollo de los acontecimientos. 

En síntesis, solamente me queda recomendar a que cada uno de los potenciales lectores se acerquen y se atrevan a descubrir a Damaris. Que sin dudas, como le escribí a la autora apenas acabé de leerlo, era una de las lecturas más estimulantes que había leído últimamente. Y obras que se desarrollen dentro de la misma ciudad, retratando la cultura y las tradiciones, son necesarias en cualquier sociedad, porque serán el patrimonio histórico e inmaterial del futuro. Y finalmente, como soy un eterno amante del cine, se me hizo inevitable, mientras leía a Damaris, proyectarla en mi cabeza como una película, y pienso que tiene recursos cinematográficos, que se pueden explotar y desarrollar para hacer una buena versión a la pantalla grande. Esperemos que el eco de Damaris retumbe y traspase las murallas de la heroica a nuevos horizontes. Lo merece con creces.

Nymphomaniac. Volumen 1 y 2. (Lars Von Trier)

La más reciente, esperadísima y sobre publicitada película del famoso, reconocido y polémico director danés Lars Von Trier, desde el momento en que se anunció su existencia, generó gran expectativa a los admiradores del director danés y a los que por simple morbo respondía al huracán publicitario, que enunciaban como la película porno de Von Trier. A los que ya conocíamos la obra del director, intuíamos que esa etiqueta del “película porno” no era más que un gancho para atraer más espectadores a ver el filme. Aunque en un momento, personalmente me llegué a asustar con lo patéticos de los pósters, aunque los adelantos de cada capítulo prometían algo interesante. Es así como prácticamente llegué a ver el filme con expectativas medias.

Inicialmente vi el Volumen 1 o la primera parte del filme, y recuerdo que aunque algunas escenas me parecieron interesantes, me resultó insoportable el personaje de Seligman, interpretado por Stellan Skarsgård, quien es el intelectual samaritano que recoge a Joe de la calle y la lleva a su casa, en donde la acoge, la alimenta y la anima a que le cuente su historia particular, la de una ninfómana. Empieza su historia desde niña, sus primeras sensaciones, pensamientos, la relación con sus padres, su primer amor, sus primeros amores y los distintos desaforos que la llevaron a experimentar a plenitud su sexualidad sin importar los daños colaterales que se generaran a su paso. Lo mejor de la primera parte llega en el tramo final, donde vemos varias escenas muy buenas, como la presentación de los tres amantes, el encuentro con Jerome y su drama al final cuando por fin ha encontrado cierta estabilidad en su vida. Nos deja con curiosidad para la segunda parte, a pesar de los malos ratos experimentados.

Luego de ver la segunda parte, comenté que quizás había juzgado apresuradamente al filme en general con sólo el visionado de la primera parte. Al finalizar el filme completo con ambas partes y tener el panorama completo del filme y de la historia de la ninfómana Joe, debo decir, no sin algo de tristeza, que Lars Von Trier sigue sin levantar cabeza. El gran director de Obras Maestras como Dogville o Bailar en la Oscuridad, aquí nos deja atisbar y recordar pinceladas de su maestría y genialidad, tiene en realidad momentos de gran cine. La historia en sí de Joe desde su infancia a su madurez y el relato de su historia explorando las distintas vertientes de la sexualidad me parecen muy ricas. Pero Lars, se pierde con sus excesos con el personaje de Seligman, que aunque en la segunda parte podamos ver el origen de su comportamiento, no deja de ser insoportable en muchos momentos.

La segunda parte en su  primer tramo me encantó, el dramatismo de la historia y la implacable narrativa del director deleita al espectador, pero llegados a la mitad del Vol. 2, la historia se vuelve a perder cogiendo otro rumbo, que a mi parecer le resta mucho. Un pecado común en el que se incurre al dividir una película en episodios con distintos personajes. En esta oportunidad, siguen habiendo personajes de sobra, e historias y subtramas que rompen el ritmo del filme. No mencionaré escenas específicas para evitar spoilers directos, pero me refiero a un cambio abrupto en la vida de Joe… una nueva profesión.

Sin mencionar un tramo final bastante patético. Aparte de eso, una mención especial para Stacy Martin, la Joe joven, un gran descubrimiento y la actriz que brilla durante todas las escenas en donde aparece. Su naturalidad y encanto son abrumadores, sólo equiparables a su belleza. En el resto del reparto, me queda muy difícil hacer menciones, pero cumplen LaBeouf y Gainsbourg, aunque esta última en ocasiones se pierde, aunque no es culpa de ella, sino de su personaje y los giros que le da el guión. Sin mencionar a Seligman, que ya expuse anteriormente lo que pienso de él. Pero calificando a la película en general, me siento confundido y muy decepcionado, porque estoy casi seguro de que pudo ser la nueva obra maestra que esperábamos de Von Trier, tenía muchos elementos para serlo, pero lamentablemente termina enfilándose en su lista de desaciertos. Aún así, recomiendo verla porque tiene varias escenas valiosas y trata temas y dilemas morales que llevan a reflexionar sobre el tema de la sexualidad en general. 



6/10
 

Trailer de Nymphomaniac Volumen 1 y 2
 
Frases y Diálogos de la película

De tal padre, tal hijo (Hirokazu Koreeda)

"De tal padre, tal hijo" la película más reciente del maestro nipón Hirokazu Koreeda, que fue presentada en el Festival de Cannes del año pasado donde logró el Premio Especial del Jurado. Desde inicios del año pasado era una de las películas que más esperaba por ver, pero la larga agonía duró hasta que a finales del año pasado se desvelaron las Gemas del FICCI 2014, donde para mi gran sorpresa estaba la película de Koreeda, que siempre ha sido recibido en el FICCI en distintos años en el apartado de Gemas. El día que ya por fin me tocaba ver la película en las salas del Centro de Convenciones, iba muy emocionado. La espera en la entrada se me hizo eterna, luego la subida por las escaleras, hasta llegar finalmente a las butacas de la sala. Cuando la pantalla en negro empezó a destellar los primeros colores con los anuncios y la publicidad del FICCI, simplemente después de tanta espera sólo se me aguaban un poco los ojos de estar apunto de verla en pantalla grande. Y ese fue sólo el inicio del recital de momentos conmovedores e inolvidables.

La película, dirigida y escrita por Hirokazu Koreeda, tal como lo esperaba, es una completa y absoluta maravilla. El director lleva un tema tan melodrámatico, como el intercambio de hijos en el momento del nacimiento y todas las reacciones que esto desencadena a otro nivel; con su particular sensibilidad, sutileza y precisión tras la cámara. En esta oportunidad, teniendo como telón de fondo a dos familias distintas, una de ellas liderada por Ryota, un profesional exitoso y obsesivo con su trabajo, con la perfección tanto en su vida laboral como en el hogar, por lo que exige siempre demasiado a su pequeño hijo Keita, con el que nunca tiene mucho tiempo de interactuar. Por otro lado, tenemos a la familia liderada por Yudai, un hombre de clase trabajadora, que vive en una modesta casa en donde además tiene y atiende su negocio. Yudai a diferencia de Ryota es alegre, despreocupado, además de amoroso y dedicado a sus hijos.

Cuando ambas familias se enteran de la noticia, y luego del impacto inicial, empiezan un largo proceso de reconocimiento, en donde cada uno de ellos empieza a mostrar el interés por reconocer a su verdadero hijo. Muchas preguntas invaden la mente de sus padres, cuestionamientos, rabia e impotencia, que diluyen y tratan de responder una de las preguntas que incluso se plantean dentro del filme: ¿Se puede realmente amar a un hijo sin tu propia sangre?

Durante todo el filme somos testigos de todo ese proceso al que acceden ambas familias. Es un proceso y una trama, que en manos de cualquier director se hubiese caído casi que inmediatamente en el melodrama fácil, pero Koreeda disecciona con pulcritud y detalles el mecanismo interno de las relaciones familiares. De forma simbólica, inicia un proceso de instrospección a través de los personajes, que traspasa a la pantalla. Temas tan universales, como los fantasmas del pasado, la dificultad de las relaciones parentales entre padre e hijo, desde el inicio de la cadena desde generaciones pasadas, el amor y admiración natural de los hijos por sus padres, sin importar la dureza de estos, entre muchos otros temas que siempre serán eternos en ese grupo tan importante y núcleo del futuro de la sociedad, como siempre ha sido la familia. Todos esos temas se abordan y es inevitable que lleguen directamente al espectador, donde muy seguramente muchos se sentirán identificados en algunas escenas. 

“De tal padre, tal hijo” es un poema en prosa sobre las relaciones parentales y familiares, que además cuenta con bellas escenas e inolvidables escenas, como esa donde las familias de reúnen por primera vez en un centro comercial y cada uno emíeza a detallar los detalles, gestos, comportamientos, fisionomía, entre tantos otros, de sus verdaderos hijos, como muchas otras escenas. La dirección y la fotografía son excelentes, acompañados de planos que hablan por sí mismos e imágenes poderosas que encierran y contienen mucho poder y significado. Además no podemos dejar de mencionar el notable guión y las interpretaciones, destacando especialmente a los niños protagonistas, que con toda naturalidad se desenvuelven al compás de la narración y la historia.

Drama, humor y tristeza, todo un cóctel de emociones para disfrutar de este conmovedor y monumental trabajo de uno de los mejores directores japoneses y de la cinematografía mundial. Creo que está de más decir, que fue la única película que logró sacarme lágrimas de todas las películas en el festival, sobre todo en una escena al final que definitivamente rompe el corazón. Ya sabía de antemano que Koreeda lo iba a lograr, y en efecto no me decepcionó. Junto con La Grande Bellezza (otra que me hizo llorar pero la primera vez que la vi) y La Vida de Adéle, las grandes obras del 2013. Y metería también de cerca a La Jaula de Oro.    


9/10




Trailer de De tal padre, tal hijo
 
Frases y Diálogos de la película

La Jaula de Oro (Diego Quemada-Díez)

Ópera prima del joven director español Diego Quemada-Díez, luego de algunos cortometrajes. “La Jaula de Oro” filme mexicano, fue una de las películas lationamericanas que estuvieron en el FICCI en la sección de “Gemas”, y que llegó al festival siendo una de las producciones más premiadas y alabadas en el 2013, en su paso por distintos festivales alrededor del mundo, entre ellos Cannes, donde volvió con el premio a Mejor Reparto en la sección “Una Cierta Mirada”.

El filme tuve la oportunidad de verlo en presencia de su director Diego Quemadas-Díez, como proyección del programa “Cine bajo las estrellas”, en el Patio de Banderas del Centro de Convenciones. En donde a pesar de que cerca del centro amurallado había un sonido muy alto que en ocasiones interfería, el poder visual del filme se imponía con el pasar del metraje. Yo sentado en mi lugar en un buen puesto en la parte delantera, cerca del director, me disponía a ver este filme con expectativas medias. Pronto empezaron a aparecer las primeras imágenes y empecé a meterme en esa maravillosa historia de dolor, sobre un tema tan tratado como es el de la inmigración, pero que Quemada-Díez presenta de forma tan artística, original, retratando sin censura y contención la belleza y el dolor, en donde incluso tiene el humor cabida dentro de ese intenso drama.

“La Jaula de Oro”, dirigida por Diego Quemada-Díez y escrita por él mismo en compañía de Lucía Carreras y Gibrán Portela, nos relata la historia de dos adolescentes Guatemaltecos Juan y Sara (quien se ve obligada a vestirse de hombre), quienes pronto se cruzan en la travesía con un joven indígena, que emprenden un viaje con el objetivo de migrar a los Estados Unidos y cumplir el sueño americano, a través de una ruta donde les esperan muchas aventuras y experimentarán el terrible drama que muchas personas sufren en ese viaje de incertidumbre y peligros donde no vuelta atrás. Pero en todo ese trayecto, nuestros protagonistas un poco alejados del terror y miedo que los envuelve en cada paso que dan, pueden sortear la aventura fortaleciendo los lazos de amistad, comprensión, tolerancia, diversión y amor… aunque esto no sea garantía de la absoluta felicidad.

Todo este trabajo que realiza el director con su equipo, que además hay que mencionar el excelente trabajo de dirección y de fotografía, entre otros aspectos técnicos, y la dificultad que debió suponer filmar en esos escenarios reales, es totalmente solventado por un mangífico trabajo de los jóvenes actores, quienes actúan de forma muy natural, el mismo director mencionó que todo el reparto estaba conformado por novatos, pero aún así mantienen una buena química y trasmiten con veracidad todas las emociones por la que pasan en toda su travesía.

El director también mencionó antes de la proyección, que todas las escenas y las historias que se muestran en el filme son relatos reales de personas que lo han vivido, y esa veracidad la podemos experimentar en las misma locaciones, por lo que en muchas oportunidades podemos tener la sensación de estar viendo un documental. 

La película me gustó mucho, sus 110 minutos de metraje se pasan volando, y el ritmo que maneja el director es muy bien medido, creciente con buenos intervalos, muchas escenas me divirtieron, me pusieron nervioso al punto de entrecerrar los ojos, me conmovieron enormemente, me dejaron impresionado con los ojos abiertos de par en par y todo en todo ese drama cuasi documental, encontré planos y encuadres muy buen realizados, que sorprenden a todo cinéfilo que admire la belleza y la poesía en imágenes. Por todo esto, la primera reacción que tuve al ver el filme fue que estaba viendo sin dudas una Obra Maestra, pero mencioné que tenía que meditarlo un poco más. Ya lo he meditado lo suficiente y puedo afirmar con seguridad que “La Jaula de Oro” es una Obra Maestra. Una de las mejores películas proyectadas en el FICCI, y la mejor latinoaméricana que he visto en los últimos años.

 
9/10



 
Trailer de La Jaula de Oro

Pelo Malo (Mariana Rondón)

Una de las películas que estuvieron compitiendo en el FICCI en la Competencia oficial Ficción, además de ser la ganadora de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián del pasado año. Todas grandes credenciales para esta película venezolana que hizo parte de las grandes cosechas de lationamerica en el pasado año. “Pelo Malo” es una película tierna, bella, conmovedora, a veces incluso cómica y con un duro drama social de trasfondo. Uno de esos títulos refrescantes que muestran la realidad latioamericana desde una perspectiva diferente y absolutamente humana.

El filme, dirigido y escrito por la directora Mariana Rondón (Postales de Leningrado), cuenta la historia de Junior, un niño de 9 años que tiene el “pelo malo”. Un término muy difundido dentro de esta misma parte del continente, donde curiosamente como afirmó la actriz Samantha Castillo (que presentó el filme) “todos tenemos el pelo malo”, o al menos la mayor parte de la población. Pero aunque el “Pelo Malo” es el título del filme, es solamente un símbolo para representar las distintas situaciones, discriminaciones y dramas que el pequeño Junior tiene que enfrentar en su corta vida. Una madre soltera e incomprensiva, un despertar y descubrimiento sexual que va en contravía de los cánones de la sociedad y un amor maternal no manifiesto, que es el motor que guía todas sus acciones.

Junior junto con su mejor amiga y vecina, tienen la ilusión de salir radiantes en la foto escolar, es por esto que cada uno trabaja para parecerse a algunos de sus modelos a seguir, desde las reinas de belleza hasta los cantantes pop con cabello liso. Junior piensa que alizando su pelo puede lucir mejor, salir bien en la foto escolar y que su mamá lo quiera más. Y el joven vecino tendero, por el que Junior siente una fuerte atracción o una gran admiración, una ambigüedad y duda que invade también al espectador, pero de las que el inocente Junior apenas es consciente.

Además del guión y el excelente argumento que maneja, la película tiene una buena dirección y una cuidada fotografía que en cada plano y encuadre dibuja la dura realidad, la pobreza y los dramas que invaden la infancia de Junior. Que es en cierta parte uno de los objetivos del filme, el de plasmar los infortunios y el sufrimiento en esta época de la vida que normalmente debería ser muy feliz. De igual forma, buen trabajo del reparto, destacando precisamente a Junior y su madre.

En síntesis, como mencioné al inicio, el filme tiene un buen ritmo y varios ingredientes que encantan, golpean y conmueven al mismo tiempo al espectador. Es una excelente película, aunque en el final me hubiese gustado una mayor contundencia, más sin embargo es duro y triste, pero recuerdo que me quedó alguna sensación de “falta de algo”. Aún así, es una muy buena película y muy recomendable. Una pequeña joya.

7/10




 
Trailer de Pelo Malo

El Sentido de un Final (Julian Barnes)

Preciso hace unas semanas comentábamos junto con mi amiga María Sixta Bustamante sobre los mejores autores que habían venido al Hay Festival de Literatura que se realiza en la ciudad de Cartagena de Indias en los últimos años, y coincidimos en que Julian Barnes ha sido uno de los mejores descubrimientos que hemos hecho a través del festival de literatura. En la edición en la que estuvo de invitado especial, nos deleitó en cada una de sus presentaciones, en especial la que tuvo casi al final del evento junto con Mario Vargas Llosa, donde discutieron sobre Gustave Flaubert. Luego leímos su libro “El Loro de Flaubert”, uno de sus libros más famosos que nos dejó encantados y prendidos de la destreza, la pulcritud y el ingenio de Barnes con su pluma. 

Seguí descubriendo otras de sus obras, pero había una en especial que me llamaba la atención pero que no había podido conseguir, que es preciso la obra sobre la que hablaré en el presente texto: El Sentido de un Final. Novela con la que ganó el prestigioso Premio Booker en el 2011, y que es preciso la última novela que ha publicado. Tuve el placer de leerla hace unos días y me ha gustado mucho. 

El libro nos cuenta la historia en primera persona a través de los ojos y recuerdos de Tony Webster, un hombre mayor que se encuentra ya en su retiro, que por distintos motivos se ve obligado a retroceder en su pasado y recordar los años de juventud cuando en el instituto junto con su pandilla de amigos conocieron a un cuarto integrante, a Adrián. Un chico que inmediatamente se hizo su propio lugar por su inteligencia e ingenio. Tony recuerda esos años donde juntos transitaban esa etapa de la adolescencia, con todos los ingredientes que siempre la componen, hambre de conocimiento, chicas, de libertad, de dudas, de decepciones, de descubrimiento y diversión. Pero este viaje de Tony a su pasado no es gratuito, un día recibe una carta de un abogado, donde le avisan que Sarah Ford, la madre de Veronica, su primera novia, ha fallecido y le ha dejado de herencia 500 libras y un sobre con un manuscrito. Pronto descubre que el manuscrito contiene el diario de Adrián, su brillante amigo que decidió quitarse la vida años atrás cuando aún eran jóvenes; y lo peor, que el diario lo tiene su ex novia Veronica, que también fue novia de Adrián y que ésta no está dispuesta a entregarle el diario que le legaron de herencia. 

A partir de esta base, transcurre esta hipnótica historia que Barnes construye e hila con gran maestría, al mismo tiempo que a través de sus personajes realiza una reflexión sobre la memoria, la historia de nuestras vidas, los recuerdos, el pasado y la vida en general. Tony Webster poco a poco nos va contando su propia historia, su propia versión de los hechos que acontecieron en el pasado. Mientras que aparecen algunos personajes que traen evidencia de otro pasado ligeramente distinto, con pequeños cambios que implican en un enorme impacto en su presente. 

Sabemos desde el inicio que el tema de la memoria y la historia son de vital importancia en la trama, porque es un tema que se reitera en las conversaciones filosóficas que tienen los jóvenes en su juventud. (Al final he recolectado algunas de las frases en la obra con respecto al tema). 

La novela es breve, como ya comenté al inicio es en primera persona, a través de la perspectiva de Tony, también como es entendible hay muchas recurrencias a flashback sobre el pasado de los personajes. Tiene un tremendo ritmo, desde que inicias no puedes soltarlo hasta terminarlo y ver cómo termina todo ese entramado de conflictos y remembranzas de la memoria. Como es normal en Barnes, además de la agilidad y el ingenio de su prosa, recurre a las reflexiones filosóficas y existenciales, en esta oportunidad sobre la memoria e incluso en un tema tan incómodo como el suicidio, del que influyó en gran parte el título del libro. 

Como desde el inicio nos introducimos en la mente y en los recuerdos de Tony, y somos testigos también de sus desencuentros y nuevos descubrimientos de su pasado a través de los otros personajes, se puede afirmar que la novela está construida de forma tan sólida que alcanza a personalizar la introspección de Tony al lector, haciendo que lo juzguemos, lo entendamos como si lo estuviésemos haciendo con nosotros mismos, y sobre todo sorprendernos con un excelente final, que cierra con broche de oro toda esta montaña rusa de emociones.

En síntesis, me ha parecido un libro excelente, ágil y de gran profundidad filosófica y psicológica, tanto en la trama como en sus personajes. Contundente, duro y revelador. Muy recomendado.

8.5/10


 
Nota adicional: El tema que trata el libro me ha recordado un poco a un documental que vi el año pasado de Sarah Polley, titulado “Stories We Tell”, grabaciones que hace la directora recolectando la historia de su propia familia, en donde uno de los datos más curioso que podemos observar, es cómo cambian las versiones de la historias de los distintos miembros, y de la misma persona con respecto a su pasado. Sin dudas también la recomiendo (pronto rescataré la reseña que le hice) para seguir ahondando en este tema de la memoria selectiva y cómo nosotros mismo construimos nuestra historia.


 
Como prometí, algunas frases del libro: 

“Sobreviví. “Sobrevivió para contarlo”, es lo que dice la gente, ¿no? La historia no son las mentiras de los vencedores, como con mucha labia le aseguré una vez a Old Joe Hunt; ahora lo sé. Son más los recuerdos de los supervivientes, muchos de los cuales no son ni vencedores ni vencidos”. 

¿Cómo era la frase que Adrián solía citar?: “La historia es la certeza obtenida en el punto en que las imperfecciones de la memoria topan con las deficiencias de documentación”. 

Se me ocurre que aquí puede residir una de las diferencias entre la juventud y la vejez: cuando somos jóvenes, nos inventamos futuros distintos para nosotros mismos; cuando somos viejos, inventamos pasados distintos para los demás. 

¿Cuántas veces contamos la historia de nuestra vida? ¿Cuántas veces la adaptamos, la embellecemos, introducimos astutos cortes? Y cuanto más se alarga la vida, menos personas nos rodean para rebatir nuestro relato, para recordarnos que nuestra vida no es nuestra, sino sólo la historia que hemos contado de ella. Contado a otros, pero sobre todo a nosotros mismos.

Frances Ha (Noah Baumbach)

“Frances Ha” la última película película de Noah Baumbach, el director de “Una Historia de Brooklyn”. En esta ocasión regresa con esta excelente comedia drámatica en blanco y negro. Bella, melancólica y realista. Respira clasicismo y es moderna a la vez. Una triste y luminosa fábula de gran humanidad. Aunque recuerda al mejor Woody Allen de los 70, mantiene alma propia y refleja la identidad del director. 

En el filme se aprecia un excelente y cuidado trabajo de dirección y fotografía, el blanco y negro se amolda de maravilla a la historia, que refleja con fideladidad la constante atmósfera y el estado de ánimo de Frances, que varía entre la despreocupación, la pérdida de rumbo en la vida y la nostalgia. 

El guión escrito a dos manos por Baumbach y su actriz principal Greta Gerwing, que además hace una interpretación inolvidable, dotando de vida y gran naturalidad a Frances, esa chica que a veces parece perdida y aferrada al pasado, y que en muchas ocasiones retrata con fidelidad varios rasgos de la juventud contemporánea, con sus inseguridades, temores e ilusiones, que aunque se centre en la vida de los jóvenes artistas, los sentimientos que recorren a Frances y sus amigos son universales. También el guión tiene varias perlas y buenos diálogos. 

Además de Greta, el resto del reparto cumple y se desenvuelve con gran naturalidad. La película me ha encantó, y curiosamente me recuerdó en el momento en que la vi, un poco al filme alemán “Oh Boy”, otra excelente comedia drámatica en blanco y negro, con un joven a la deriva. Por eso la he llamado como la versión femenina de “Oh Boy”.  Muy recomendada, de lo mejor del año del año pasado. Estoy seguro que muchos se identificaran con Frances en algún momento y Noah Baumbach se sigue confirmando como uno de los nuevos maestros de las comedias drámaticas y de los mejores exponentes del cine independiente americano .

8/10



 
Trailer de Frances Ha
Frases y Diálogos de la película

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (Daniel Ribeiro)

Otra de las películas que estuvieron compitiendo en la Competencia Oficial Ficción del FICCI, luego de su premiere mundial en el Festival de Berlín donde compitió en la sección Panorama y fue doblemente premiada con el Premio de la crítica internacional (FIPRESCI) y el Premio Teddy (Premio entregado por un jurado independiente a la mejor película de temática LGBT) fue “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho” (The Way He Looks), del joven director brasileño Daniel Ribeiro. Desde que el año pasado vi el cortometraje de Daniel Ribeiro "No quiero volver solito", que me gustó mucho, quedé con muchas ganas de ver algo más sobre esa historia y me uní a la petición de que hicieran un largometraje. Pasó un tiempo y cuando me enteré que ya habían hecho un largometraje, me alegré mucho e inmediatamente se convirtió en uno de los filmes que más esperaba por ver este 2014. Y cuando me enteré que iba a estar en la Competencia Oficial del Ficci, pues mi dicha fue enorme. Es así como Ribeiro presenta su ópera prima, su primer largometraje ficción, luego de su trabajo como cortometrajista.

El cortometraje “No quiero volver solito” (2010), que pueden ver al final del texto, cuenta la historia de Leonardo, un adolescente ciego de nacimiento que asiste a una escuela normal, donde tiene el apoyo de su mejor amiga, Giovana. Pronto la vida de ambos amigos sufre un cambio con la llegada de Gabriel, un joven que inmediatamente logra una empatía con el dúo. Juntos empiezan a crear una linda amistad, donde se divertirán, aflorarán sentimientos y descubrirán muchas cosas sobre ellos mismos. En especial, Leo y Gabriel. El corto de 17 minutos, está muy bien filmado, con una sutileza y sensibilidad poco habitual en el tratamiento de estos temas. El éxito del corto fue tan grande, que inmediatamente y por pedido del mismo público se inició con el proceso para hacer la adaptación como un largometraje.

Y es así como 4 años después, con los mismos actores del cortometraje, Daniel Ribeiro presenta “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”. La película, continuando con la trama del cortometraje, simplemente te da más detalles sobre cada uno de los protagonistas, sobre todo de Leo, en donde podemos ver sus padres, quienes también luchan y se preocupan por la incapacidad de su hijo y lo sobreprotegen un poco. También podemos ver más sobre la interacción entre los tres amigos, su relación con sus otros compañeros de la escuela, las bromas a Leonardo por parte de algunos compañeros por su ceguera y sobre todo, podemos ver más sobre los detalles de la construcción de la relación y el descubrimiento de Leonardo y Gabriel. 

El largometraje me gustó mucho también. El director ha hecho un excelente trabajo, agregando detalles al corto e hilando con sutileza, naturalidad y sentimiento esta bella historia de descubrimiento personal, sexual, y sobre todo de amor. Muy bien dirigida y escrita, en donde podemos ver reflejada la misma sensibilidad que el director trasmite en persona, y sobre todo hay que destacar a los excelentes jóvenes actores Ghilherme Lobo, Fabio Audi y Tess Amorim, quienes se ganan el corazón del público en general, por su naturalidad y una conexión y química que traspasa la pantalla.

También fue muy interesante ver que la película tuvo una excelente recepción del público general del FICCI. Aunque incluso se podían escuchar algunos comentarios durante el filme y reacciones que criticaban algunas escenas y comportamiento de los personajes, realmente eran muy mínimos ante la reacción de la mayoría del público, quien en todas las proyecciones del filme en el festival dieron una extendida lluvia de aplausos al director cada vez que acaba de proyectarse el filme. La misma suerte no corrió la incomprendida “El Desconocido del Lago”, de la que tengo pendiente hacer una próxima reseña, la cual tuvo comentarios muy negativos de parte del público. Sin embargo, el contraste entre las reacciones entre estos dos filmes que tienen una delgada línea que los une, da testimonio de una leve concientización del público en tratar y abordar estos temas de forma abierta y con normalidad. Por todo esto:
 
8/10


Trailer de Hoje Eu Quero Voltar Sozinho
 
Cortometraje “No quiero volver solito”

Frases y Diálogos de la película 

Fabio Audi, Ghilherme Lobo y Tess Amorim en el Festival de Berlín

Frozen. El Reino de Hielo (Chris Buck, Jennifer Lee)

Rescatamos la reseña de "Frozen", luego de la reciente de noticia que acaba de pasar a ser la película de animación más taquillera de la historia, desbancando a Toy Story 3.

La nueva película de Disney, Frozen, había sido bienvenida con muy entusiastas comentarios, incluso calificándola de “nuevo clásico” o “el mejor musical desde la Bella y la Bestia”. Acabando de terminar de verla, y luego de imaginármela un poco ilusionado, un pequeño asomo de decepción de asoma en mi semblante. La película tiene cosas muy buenas, pero también tiene notables fallos.

Iniciemos con lo bueno: Desde el primer fotograma sientes nostalgia de estar recordando esos eternos clásicos de Disney,  el ambiente de misterio y oscuro predomina la pantalla. La primera parte me gustó mucho por eso, además de la innegable calidad técnica y artística del filme, que es desbordante durante todo el metraje. También me gustaron varios aciertos del guión, la eterna estrategia de drama, comedia, aventuras, romance y fraternidad, da muy buenos resultados, sobre todo en algunos pequeños detalles que introducen para marcar una diferencia con los clásicos de antaño. Y por último, pero el más importante, Olaf, el muñeco de nieve, quién sigue la tradición de los personajes secundarios de lujo tradicionales en los clásicos de Disney.

Ahora los puntos negativos: Seguir e iniciar un filme promoviendo el recuerdo de los clásicos de antaño de Disney, es muy bueno, pero a la vez un riesgo. Hay un momento, sobre todo en la segunda parte del filme, en que todo ocurre muy rápido, se pierde el hilo y algunas cosas me empezaron a parecer falsas, superficiales, frías y sin alma, así como las relaciones entre los personajes. Sufrí en muchos momentos de esa segunda parte, porque presentía que la historia se iba por la borda, a pesar de algunos momentos afortunados que tiene.

Además de todo lo anterior, hace falta un villano “respetable”, los que encontramos en el filme son patéticos e incluso la propia Elsa en momentos llena ese rol de mejor forma. Sin contar los números musicales, que aunque algunos son muy buenos, y nuevamente recuerdan a los clásicos musicales de antaño que seguían el guión, la historia y tenían una secuencia y coherencia, en esta ocasión hay algunos que se colaron en exceso; unos demasiado teatrales (pensé en una escena estar reviviendo  la terrible experiencia del año pasado con el musical de “Los Miserables”), y otros que más que recordar esas excelentes canciones que Disney ha sabido imprimir siempre a sus filmes, me hacían recordar más a un episodio de alguna serie de adolescentes de Disney, estilo “High Scool Musical”, lo cuál es deprorable.

Al final, todo sigue transcurriendo demasiado rápido, todos los defectos tratan de resolverse de alguna forma, pero hay un detalle diferente y sorpresa al final, que me gustó mucho y redimió un poco el anterior suplicio. Estas son las razones que encuentro hasta ahora para calificarla de esta forma: Una historia animada y mágica que evoca el clasicismo de Disney, pero se pierde un poco en el camino, al tratar de allanar en algunas de las bases que cimentaron esos mismos clásicos. Lo que es realmente lamentable, ya que pudo ser mucho mejor. Y este nuevo trabajo no le llega ni a los talones a ese verdadero clásico de Disney “La Bella y la Bestia”. Por todo esto: 

6/10

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