Especial: Recomendados FICCI 2016 (Top 15) by A.S.B

Nuevamente llega Marzo con una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI 2016), con la edición número 56. Del 2 al 8 de Marzo, Cartagena como todos los años, se convierte en el gran epicentro del cine en el país. En esta ocasión, bajo el slogan de #EleganteFICCI56, que busca exaltar el gran momento por el que está pasando el cine colombiano en el último año y con vistas al futuro, luego de que el año pasado se dedicara a la memoria. Y ningún momento más adecuado y pertinente, porque el año pasado el cine colombiano dio dos de las mejores películas hechas en el país en mucho tiempo: La Tierra y la Sombra de César Augusto Acevedo (Cámara de Oro en Cannes a la Mejor Ópera Prima) y El Abrazo de la Serpiente (Primera película colombiana nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera, y ganadora de muchos premios y reconocimientos en el mundo). Y no sólo en Colombia ocurrió este fenómeno, en general el Cine Latinoamericano presentó en el 2015 obras de gran calidad, que triunfaron en diversos festivales de todo el mundo, y dirigen una nueva mirada al cine que se está haciendo en esta parte del continente. Además de las dos películas colombianas mencionadas, también dieron de qué hablar: El Club de Pablo Larraín (Chile), La Patota de Santiago Mitre (Argentina), Te prometo anarquía de Julio Hernández Cordón (México), y que participa en el FICCI 56 en Competencia Oficial; 600 Millas de Gabriel Ripstein (México), El botón de nácar de Patricio Guzmán (Chile), Chronic de Michel Franco (México), en la sección de Gemas del FICCI 56; Desde allá de Lorenzo Vigas (Venezuela) e Ixcanul de Jayro Bustamante (Guatemala). Películas que hablan por sí solas, y demuestran el gran potencial y el despertar del Cine Latinoamericano, que seguramente seguirá sorprendiéndonos en los próximos años. Y prueba de ello, está en la excelente selección de filmes en Competencia Oficial, donde tendremos varios estrenos, y filmes latinoamericanos, que de ahora en adelante, todo el público deberá apoyar mucho más, y descubrir las buenas y nuevas propuestas que están saliendo de nuestra cinematografía. 

En esta oportunidad, vuelven los tributos y retrospectivas, con personalidades como: Brillante Mendoza, Susan Sarandon, Sharunas Bartas y Luis Ospina. Además de los siempre esperados y estimulantes programas de Cine bajo las estrellas y de medianoche, que presentarán películas como El Abrazo de la Serpiente de Ciro Guerra, y la polémica película Love de Gaspar Noé.

Luego de conocer los filmes que estarán compitiendo en las distintas secciones del festival, confirmo que la calidad de los filmes se sigue manteniendo, con muchos más estrenos. Y este año se continúa apostando por un cine más radical, que impone nuevas tendencias, horizontes y retos al espectador, con autores jóvenes, tanto en Competencia Oficial, como en las demás secciones. En fin, como todos los años, a continuación comparto mi Top 15 con las producciones imperdibles o “must see” del festival:

1. Cemetery of Splendour (Rak Ti Khon Kaen) de Apichatpong Weerasethakul (Tailandia): Película más reciente del director ganador de la Palma de Oro en Cannes, por su película “Uncle Boonmee”. En “Cemetery of Splendour”, su más reciente producción, en competencia en Cannes, Sitges, entre otros importantes festivales, es una película, que como el director tiene acostumbrado a su público, trasciende la realidad física y el mundo espiritual, desde donde narra la historia de una ama de casa que atiende a un soldado con la enfermedad del sueño, cayendo en alucinaciones que desencadenan en sueños extraños, fantasmas y romances.

2. Taxi de Jafar Panahi (Irán): Documental Ganador del Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival de Berlín 2015, y del FIPRESCI de la Crítica Internacional, entre otros reconocimientos. En este documental, el director iraní Jafar Panahi, se hace pasar por taxista para poder realizar una película acerca del cambio social en Irán, debido al veto del gobierno que le prohibió realizar filmes. Un buen espejo que refleja el estado actual la sociedad iraní.

3. Te prometo anarquía de Julio Hernández Cordón (México): Una de las películas latinoamericanas más comentadas del pasado año, del director guatemalteco  Julio Hernández Cordón. Ganadora del Premio FIPRESCI a Mejor Filme Latinoamericano en el Festival Internacional de Cine de Rio de Janeiro 2015, y menciones en Festival de Locarno y Festival de San Sebastián en la Sección oficial Horizontes Latinos. En esta ocasión con este drama juvenil, que ha sido alabado por su energía y su retrato de la vida juvenil urbana, llena de drogas, sexo, al tiempo que de poesía y compromiso social.

4. No Home Movie de Chantal Akerman (Bélgica, Francia): Otra de las gemas más esperadas del FICCI. Documental que participó en la Competencia del pasado Festival de Toronto y nominada al Leopardo de Oro en el Festival de Locarno, donde luego de dos meses de su estreno en el festival en Suiza, en agosto de 2015, Chantal Akerman murió. Por lo que esta se ha convertido en su testimonio y último regalo al cine. En este documental, se observa la forma como la directora se despide de su madre que poco a poco se desvanece, al igual que ella, en medio de los recuerdos y de los espacios íntimos que comparten, y que jamás sale de su apartamento de Bruselas. Akerman es de las directoras europeas más importantes de su generación.

5. Cartas da Guerra de Ivo Ferreira (Portugal): Película en competencia oficial, del joven director y guionista nacido en Lisboa. Estrenada hace poco mundialmente en el prestigioso Festival de Berlín, donde participó en competencia oficial. La película está basada en un libro del importante autor portugués António Lobo Antunes. La novela epistolar, publicada en 2005, reúne las cartas que un joven soldado envió a su mujer desde Angola entre 1971 y 1973, durante la Guerra Colonial. Me recuerda en muchos aspectos a Tabú de Miguel Gomes, también de Portugal, que estuvo hace unos años en el FICCI, donde precisamente resultó ganadora. Sin dudas, una de las películas que más espero ver. Precisamente los productores, son los mismos de Tabú.

6. Rams (Carneros) de Grímur Hákonarson (Islandia): Una de las gemas del FICCI, ganadora de premio “Un Certain Regard” a la Mejor Película en el prestigioso Festival de Cannes 2015, y la Espiga de Oro a Mejor Película en el Festival de Valladolid. “Rams” se centra en la historia de dos hermanos en un valle de Islandia, que no se hablan desde hace 40 años, y que por circunstancias del destino, deberán reunirse para salvar uno de sus bienes más preciados: su rebaño de carnero.

7. The Assassin de Hou Hsiao-Hsien (Taiwán): Una de las gemas más esperadas, del emblemático director taiwanes Hou Hsiao-Hsien. Ganadora del Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes 2015, y menciones en los Bafta, y diversas asociaciones de críticos que la eligieron como una de las mejores películas del 2015. Es una historia de venganza, con una fotografía impresionante, quizás uno de los filmes visualmente más hermosos que podamos ver en el FICCI. Pero la historia es muy sencilla y opacada completamente por su propuesta visual. Recomendada, pero para apreciar una de las películas visualmente más hermosas de los últimos años.

8. La academia de las musas de José Luis Guerín (España): Ganadora del Giraldillo de Oro a la Mejor Película en el Festival de Sevilla, y uno de los estrenos latinoamericanos del festival. Último trabajo del reconocido director español, que en esta ocasión se embarca en una historia sobre la educación a través de la poesía, basada en hechos reales. Donde un profesor de filología se encuentra con que su mujer cuestiona y critica el enfoque pedagógico de las clases que imparte en la "Academia de las Musas" cuyo fin es regenerar el mundo a través de la poesía.

9. Madre Mía (Mia madre) de Nanni Moretti (Italia): Película más reciente del emblemático director italiano Nanni Moretti, ganador de la Palma de Oro (2001) y el Oso de Plata (1986). El año pasado presentó en el Festival de Cannes, “Mia Madre”, que recibió el Premio del Jurado Ecuménico, y donde cuenta la historia de una directora de cine y su hermano, que tienen que dedicarse al cuidado de su madre, gravemente enferma en un hospital. Película muy hermosa, con detalles curiosos, cómicos y emotivos. Muy recomendada.

10. O futebol de Sergio Oksman (España, Brasil): Uno de los documentales en mi lista, fue estrenado mundialmente en el Festival de Locarno, y ha estado en presente en otros festivales como Mar de Plata y Sevilla, donde cosechó críticas muy entusiastas. El documental es un poco biográfico, y mezcla la realidad y la ficción a partir de verdadero encuentro entre el director y su padre, a través del fútbol.

11. Aquí no ha pasado nada de Alejandro Fernández (Chile): Vuelve el director y guionista chileno, que pocas ediciones atrás estuvo con la exitosa “Matar a un hombre”, que se llevó el premio a Mejor Dirección en el FICCI, y diversos premios en festivales alrededor del mundo. En “Aquí no ha pasado nada”, fue seleccionada en la Competencia de Cine Dramático Mundial del reciente Festival de Sundance. Y es otra de las Premiere iberoamericana que tendremos. En esta oportunidad, Fernández Almendras, toma una historia verídica, del caso ocurrido en el 2013, cuando el hijo de un exsenador chileno atropelló a un hombre mientras conducía borracho. Almendras cambia pequeños detalles, pero deja lo suficiente claro las referencias, para presentar este trabajo como denuncia e indignación al hecho que sacudió a la sociedad chilena. Otra de las que más espero, ya que Almendras me parece un director muy interesante.

12. Chronic de Michel Franco (México): Una de las gemas latinoamericanas, ganadora del premio a Mejor Guión en el Festival de Cannes 2015. Michel Franco, el joven director, guionista y exitoso productor mexicano, que ha realizado e impulsado diversas películas en Latinoamérica en el último año con gran éxito, regresa con Chronic. Con el gran actor Tim Roth, que es un enfermero depresivo que se dedica a ayudar a pacientes terminales, al tiempo que trata de retomar la relación con la familia que abandonó.

13. Boi Neo (Neo Bull) de Gabriel Mascaron (Brasil): Último trabajo del joven director y reconocido artista visual brasilero. Ganadora  del Premio Especial del Jurado en la sección Horizontes del Festival de Venecia 2015, además de reconocimientos en Toronto, Gijón, entre otros. En esta oportunidad, con una película que ha impresionado en los lugares donde se ha proyectado por su estética y trabajo visual, sobre un hombre que desafía las concepciones machistas de su entorno, de trabajar con toros a interesarse por el diseño de moda.

14. Rabin, The Last Day de Amos Gitai (Israel): Una de las gemas del FICCI, del reconocido director Amos Gitai. Retrata los últimos días del líder israelí Isaac Rabin y los hechos que condujeron a su asesinato. Esta película llega al FICCI después de recibir el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, y estar en competencia oficial del Festival de Venecia 2015.

15. Todo comenzó por el fin  de Luis Ospina (Colombia): Otro de los documentales y uno de los filmes colombianos en competencia, además de Luis Ospina, que será uno de los tributos del FICCI, el primer director colombiano con ese honor. En “Todo comenzó por el fin”, su anunciado documental, Ospina realiza un autorretrato del Grupo de Cali, también conocido como "Caliwood", un grupo de cinéfilos, que en medio de la rumba desenfrenada y del caos histórico de los años 70s y 80s, lograron producir un conjunto de obras cinematográficas que ya son parte fundamental de la historia del cine colombiano. Al mismo tiempo, se muestra el momento en que el director se enfermó luego de la producción del filme, y sobrevivió.



Bonus adicional: 

Además de esas 15, tengo bonus adicionales: La última tierra de Pablo Lamar (Paraguay), el documental Casa Blanca de Aleksandra Maciuszek (Cuba, México, Polonia), Historias de dos que soñaron de Andrea Bussmann y Nicolás Pereda (México, Canadá), y las colombianas, Días extraños de Juan Sebastián Quebrada, Los Nadie de Juan Sebastián Mesa, que además será la película de apertura (y tiene buena pinta, a ver si se reconcilian con las galas de apertura), Siembra, ópera prima de Santiago Lozano y Ángela Osorio, y Oscuro animal de Felipe Guerrero (Colombia, Argentina, Holanda, Alemania, Grecia).


Acá mis recomendadas de años anteriores:

Recomendados del FICCI 2015

Recomendados del FICCI 2014

Como pueden apreciar, todo un banquete de cine que nadie puede perderse. ¡Nos vemos en el FICCI!

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

Facebook

Instagram

Twitter personal y A.S.B Virtual Info

Twitter de @CineenFrases

Google+

Fan Page A.S.B Virtual Info

Fan Page de Grandes Frases y Diálogos del Cine

El Hijo de Saúl (Son of Saul) de László Nemes

Ópera prima del joven director y guionista húngaro. Estrenada por primera vez en el prestigioso Festival de Cannes, donde cosechó las críticas más entusiastas, y se llevó el segundo premio en importancia, el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI, el Premio de la Crítica Internacional, a la mejor película del certamen. También es la primera película de Hungría en ganar el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera, y llega a la ceremonia de los Premios Oscar, siendo la gran favorita en la categoría. 

Nemes inició su carrera desde muy joven, muy encaminada al cine, luego de sus estudios de historia, relaciones internacionales y de guionista. Empezó a trabajar como asistente de producción en distintas películas entre Francia y Hungría, de los cuales, trabajó durante dos años como asistente de producción del emblemático director de cine húngaro, Bela Tarr, durante el rodaje de The Man from London. La influencia en su trabajo de Tarr, más la de los otros directores que menciona entre sus favoritos, Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovsky, Ingmar Bergman, Terrence Malick y Stanley Kubrick, son notables, y le han ayudado a encontrar su propia voz. 

En su primer cortometraje “With a Little Patience” (2007), muestra rasgos y parte de sus inquietudes como contador de historias. Y es esa determinación de contar las historias desde distintas perspectivas. En ese primer cortometraje, que sería un pequeño esbozo de lo que años después haría en Son of Saul, también aborda el tema del holocausto de forma muy sutil, con grandes tomas, que seguiría desarrollando en los años con otros cortometrajes. 

Hasta Son of Saul, la ópera prima que deslumbró en su estreno en Cannes. Me sorprendió gratamente y cumplió con todas mis expectativas. En definitiva, es una visión y perspectiva distinta sobre el holocausto. Saúl es un prisionero judío húngaro, que pertenece al grupo de los 'Sonderkommando', que era los encargados de incinerar los cadáveres de los prisioneros en los campos de concentración. En la monotonía y crudeza de su trabajo, que parece haberlo despojado de su humanidad, Saúl encuentra el cuerpo de un niño, que toma como hijo y se propone cuidarlo para darle un entierro digno. Saúl parece aferrar lo que le queda de humanidad en el cuerpo de este niño, llevándolo a enfrentar distintos obstáculos para llevar a cabo su misión. 

Dirigida y escrita por Nemes, y rodada en 35 mm, en formato de 4:3, lo que en definitiva es un acierto, ya que Saúl casi siempre se encuentra en primer plano, y en ocasiones lo que pasa a su alrededor queda difuminado con clara intención de Nemes en lo que quiere contar y trasmitir con la historia. Este acercamiento literal con el personaje principal, interpretado de gran forma por Géza Röhrig, puede perturbar y asfixiar al espectador, pero que permite a la vez la conexión directa con el drama interno del personaje. Porque de forma inteligente, Nemes no enfoca lo que pasa alrededor, y las tradicionales escenas de sufrimiento y matanzas en los campos de concentración, nada de eso, acá el drama lo vivimos desde el drama interno de un hombre, que ante el horror se aferra a la humanidad.

Nemes, además de presentar una perspectiva inusual sobre un tema común, como el holocausto, muestra gran y destreza en la propuesta visual, con movimiento de cámara en mano caóticos y en primeros planos, que permiten un acercamiento íntimo y psicológico con el personaje de Saúl. 

Sin dudas, se percibe gran cine y buenas propuestas de este director, del que seguramente seguiremos escuchando. Por el momento, gran ópera prima y ovación de mi parte. ¡Imperdible! De las mejores películas del 2015, y vistas desde hace tiempo. Yo le daría el Oscar compartido con la película colombiana El Abrazo de la Serpiente, jeje. Ya veremos!

(9.5/10)


Tráiler de Son of Saul 

László Nemes recogiendo el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes

Janis: Little Girl Blue (Amy Berg)

La primera vez que escuché de Janis Joplin, fue en una entrevista a la cantante Alanis Morissette a finales de los 90 y cuando aún era muy pequeño, donde confesaba su admiración por ella, y su influencia. Y tal como podemos apreciar al final del documental, donde vemos distintas artistas del género rock y pop, que confiesan la gran influencia directa de Janis: Pink, Melissa Ethergide, Sheryl Crow, etc. Janis de hecho, es considerada la pionera en el rock femenino, la precursora, con el permiso de la gran Aretha Franklin. 

El trabajo de Amy Berg, reconocida documentalista de obras como “Delivers Us From Devil” (Líbranos del mal), polémica obra sobre la figura del padre Oliver O’Grady, conocido como el cura más pedófilo de la historia de la iglesia moderna, y “West of Memphis”, sobre el terrible caso de tres adolescentes encarcelados durante 18 años por el supuesto asesinato de tres niños con aparentes rituales satánicos. Estos dos documentales son un fiel retrato de la obra general de Berg, que si vemos, se centra en este tipo de personajes y temas, que tocan fibras y terrenos difíciles e incómodos para la sociedad. Es por esto que no me resultó extraño que se encargara del documental biográfico de Janis Joplin. 

El documental fluye con muy buen ritmo y se encuentra estructurado en el formato tradicional expositivo, entre narración, documentación, testimonios, entrevistas y grabaciones. La mezcla entre las imágenes y grabaciones de Janis, son precisamente el plato fuerte del documental. El acercamiento a su intimidad, a su infancia y adolesencia marcadas por el rechazo, por no ser tan agraciada físicamente, la marcaron de por vida, así como la incapacidad de conseguir el amor que tanto anhelaba. La falta de amor, los problemas familiares, y todos esos detalles que la hacían sentir sola, y le permitían al tiempo refugiarse más en su música, sus composiciones y presentaciones. 

Todos los apartes tristes de su vida, contrastan con el poder de su presencia en escena, y en general la potencia de su corta pero vibrante y electrizante carrera. Destacando su potente voz, su forma de interpretar y su presencia escénica, que hacían que verla en vivo se transformara en una experiencia irrepetible. Sus composiciones, llenas de vivencias personales, de dolor, tristeza, pero a la vez de fortaleza, redención y cotidianidad; junto con su poderosa voz, desgarradora y electrizante, mezclada con los versos recitados, que hacían sentir que estuviese hablando directamente con el público, contándoles una historia… un poco como Bob Dylan, la convirtieron en un símbolo y un icono cultural que aún trasciende y se hace presente. En los años 60, la personalidad de Janis rompió moldes y se salía completamente de los límites que hacían las mujeres, tanto en sus vidas, como musicalmente. Como era la única mujer cantante de rock, pasaba rodeada de hombres, lo que alarmaba a su conservadora familia.   

Amy Berg logró acercarnos un poco más al mito de Janis, y gracias al material de archivo, las entrevistas y las cartas que envió a sus amores y a su familia, permiten que el espectador se haga una idea de lo que fue en realidad Janis Joplin, una chica triste en busca de afecto, una mujer adelantada a su tiempo que contrastaba notablemente por la sociedad de la época, pero que al tiempo permitió e inspiró la entrada de más mujeres del género, de decir palabrotas y de ser mpas abiertas y liberales en sus propias vidas, y por supuesto, su mayor rasgo, el de la super estrella del rock, que es y será con mucho tiempo. El final es muy triste, ya que se enfoca en la correspondencia que Janis tiene con uno de los grandes amores de su vida, y al parecer uno de los únicos que le correspondía sinceramente, ante una carta que Janis nunca alcanzó a leer… junto a una presentación en vivo de su éxito Little Girl Blue, que da título al documental. Muy recomendado para los admiradores y no admiradores de Janis. 

7.5/10



Trailer de Janis: Little Girl Blue

Voces de Chernóbil (Svetlana Alexievich)

“Voces de Chernóbil” es uno de los libros más reconocidos de la periodista y escritora bielorrusa Svetlana Alexievich, Premio Nobel de Literatura 2015. Publicado por primera vez en el año de 1997 en su lengua original, casi 10 años después de la catástrofe de Chernóbil en el año de 1986. Para los que no lo conocen, lo que ocurrió en Chernóbil en el año de 1986, es conocido como uno de los accidentes nucleares y desastres ambientales más graves de la historia, junto con el accidente nuclear de Fukushima en Japón. 
La explosión de la central nuclear es un evento que ha marcado y ha partido en dos la historia de la misma Rusia/Ucrania, y que generó diversos efectos negativos al medio ambiente, al país, y en especial a las personas. Este mismo evento ha generado un sinfín de teorías, que aún hoy en día no cuentan con un responsable directo. 

Alexievich inició un trabajo durante 10 años, en donde entrevistó a más de 500 personas, que fueron testigos directos e indirectos del desastre nuclear. Desde médicos, ingenieros, bomberos, esposas, liquidadores, físicos, políticos de altos cargos, niños y personas del común, que cuentan desde su mirada humana, lastimada y herida, distintas perspectivas sobre lo que ocurrió, cómo lo afrontaron y los siguen afrontando, cómo se han resignado, cómo se han indignado… y como han quedado de mercados de por vida por ese hecho… Precisamente en uno de los testimonios, se cuenta cómo los reubicaron a otro barrio, en otro lugar, donde estuvieron apartados, y se le conocía como el barrio de los de Chernóbil. 

Personalmente, conocía de lejos y de forma muy superficial lo que ocurrió en Chernóbil, pero el año pasado me relacioné con dos obras que abordan el tema. Uno, es el documental “The Russian Woodpecker” (http://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2015/11/critica-documental-the-russian-woodpecker-chad-gracia.html) de Chad Gracia, que me pareció estupendo, y despertó mucho más mi interés sobre este suceso, y me llevó a investigar un poco más. (En el enlace anterior pueden encontrar mi reseña sobre el documental)… y la otra obra fue precisamente este libro, que apenas me enteré de quien había sido la nueva Premio Nobel de Literatura, y busqué su bibliografía, dije que lo primero que quería leer de ella, era este libro sobre Chernóbil. Y no me ha decepcionado para nada, al contrario, me parece estupendo.

Dividido en tres partes, tituladas: 1. La tierra de los muertos, 2. La corona de la creación, y 3. La admiración de la tristeza, el libro, que es una sucesión de monólogos, de voces, de coros, que Alexievich extrae de las víctimas, y las plasma de forma magistral, con una belleza, un dolor, y una humanidad tan grande, que se nota que estableció una relación con cada una de las personas que entrevistó. Lo describe tan bien, que podemos imaginarnos en el acto a cada uno de los personajes. A veces no es una persona, sino dos o un grupo. En cada una de esas tres partes, hay diversos monólogos, que llevan otros títulos tan interesantes, como: monólogo… sobre para qué recuerda la gente, acerca de una canción sin palabras, acerca de que no sabemos vivir sin Chejov y Tolstoi, acerca de lo que no sabíamos de la muerte puede ser tan bella, acerca la añoranza de un papel y un argumento… y así unos títulos tan precisos, que resaltan el gran trabajo que realizó al dotar los hechos que ocurrieron en esta terrible catástrofe, de humanidad; al resaltar sus víctimas y darles una voz poética y una luz, que permitiera a las demás personas conocer sus dolores, sus ejemplos de vida y sus vivencias. 

No podría escoger una sola historia, muchas me conmovieron mucho, y me encantó la variedad de los temas. Personas que hablan del amor, de cosas tan bellas en medio de la tragedia. Personas que ven lo hermosa de la vida y de la muerte. Así como personas que ven la injusticia y que riñen contra el dolor… en fin, una variedad de sentimientos y emociones, que pertenecen a los seres humanos, humanizan estas historias, y sirven de catalizador a sus víctimas. 

Sin dudas, fue una de las mejores lecturas que tuve desde finales del 2015 e inicios del 2016. Confirma el merecido reconocimiento de la escritora y periodista por parte del Premio Nobel. Y como muchas veces ocurre en estos premios, ha sido un grato descubrimiento. Quiero seguir leyendo más sobre Alexievich, y recomiendo a todos su lectura. Es el periodismo que nunca debe dejar de ser, hecho con esfuerzo, trabajo, talento, poesía y literatura. 

8.5/10

Fragmentos:

"Muchos mueren. De repente. Sobre la marcha. Va uno por la calle y, depronto, cae muerto. Se acuesta y ya no despierta. Le lleva unas flores a una enfermera y, de pronto, se le para el corazón.
Esta gente se está muriendo pero nadie les ha preguntado de verdad sobre lo sucedido. Sobre lo que hemos padecido. Lo que hemos visto. La gente no quiere oír hablar de la muerte. De los horrores.
Pero yo les he hablado del amor... De cómo he amado".

(Un fragmento de una de las historias de "Voces de Chernóbil" de Svetlana Alexievich. Premio Nobel de Literatura 2015. Una triste y hermosa historia de amor entre la catástrofe)

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

Facebook

Instagram

Twitter personal y A.S.B Virtual Info

Twitter de @CineenFrases

Google+

Fan Page A.S.B Virtual Info

Fan Page de Grandes Frases y Diálogos del Cine

Las Mejores Películas del 2015 (Versión 1)

Así como es tradición en el blog desde hace varios años, solía sacar una primera versión del listado de las mejores películas antes que finalizara el año, en esta ocasión el 2015, pero como en el 2015 estuve un poco atrasado en los visionados, esta primera versión la saco ahora en los primeros días de enero. Así que a continuación comparto la lista de las películas que para mí son las mejores que vi en el año 2015. Y como también suelo hacerlo, a principios del mes de Marzo , y luego de haber visto el otro grupo de filmes del 2015 que me faltan por ver, publicaré la lista final.

Las posiciones son asignadas de acuerdo a los puntajes que yo mismo les he dado en el transcurso del año. En la versión 1 siempre saco un solo top; es decir, que largometrajes están mezclados con documentales, películas de animación, algunas del 2014 que vi este año, en fin todas juntas. En la versión 2 final de Marzo del próximo año, haré varios tops de acuerdo a cada categoría. 

Casi todas las películas de la lista tienen su reseña en el blog de A.S.B Virtual Info y/o se encuentran en mi otro blog de Frases y Diálogos del Cine, por lo cual pondré los enlaces disponibles abajo del nombre de cada película... las que no tengan ningún enlace, próximamente lo tendrán en alguno de los dos blogs, o en ambos. Para esta lista me ha salido un Top 20. 

Así que sin más preámbulos, por el momento, las 20 mejores películas del año son: 

20) Spotlight (Thomas McCarthy)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

19. The Farewell Party (Tal Granit, Sharon Maymon)

18. Ixcanul (Jayro Bustamante)

Reseña de la película (A.S.B Virtual Info)

17. Steve Jobs (Danny Boyle)

16. A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence (Roy Andersson)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

15. La Giovinezza (Youth) de Paolo Sorrentino

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

14. Truman (Cesc Gay)

Reseña de la película (A.S.B Virtual Info)

13. Corn Island (George Ovashvili)

12. The Russian Woodpecker (Chad Gracia)

Reseña del documental (A.S.B Virtual Info)

11. Room (Lenny Abrahamson)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

10. La Tierra y la Sombra (César Augusto Acevedo)

Reseña de la película (A.S.B Virtual Info)

9. Mistress America (Noah Baumbach)

8. Me & Earl & the Dying Girl (Alfonso Gomez-Rejon)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

7. 45 Years (Andrew Haigh)

6. Mad Max: Fury Road (George Miller)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

Reseña de la película (A.S.B Virtual Info)

5. The Revenant (Alejandro González Iñárritu)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

4. El Abrazo de la Serpiente (Ciro Guerra)

Reseña de la película (A.S.B Virtual Info)

3. Carol (Todd Haynes)

Frases de la película (Frases y Diálogos del Cine)

2. Listen to Me Marlon (Stevan Riley)

1. Anomalisa (Charlie Kaufman, Duke Johnson)

Espero les haya gustado, que se animen a ver las que no han visto. Y nos vemos a principios de marzo del 2016, donde tendré la versión 2 o lista final, con la lista definitiva de las mejores películas del 2015... ¿Se mantendrán las posiciones? ¿Veremos alguna obra maestra que se cuele en la lista? ¿Anomalisa mantendrá el primer lugar? Pues esperemos que si!!! Ya veremos!

Saludos!

Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

Facebook

Instagram

Twitter personal y A.S.B Virtual Info

Twitter de @CineenFrases

Google+

Fan Page A.S.B Virtual Info

Fan Page de Grandes Frases y Diálogos del Cine

Knight of Cups (Terrence Malick)

Desde hace años el cine de Terrence Malick ha venido desmaterializándose, con un claro punto de quiebre desde El Árbol de la Vida, aunque en El Nuevo Mundo ya mostraba algunos indicios. A partir de ese punto, Malick ha venido mostrando un cine más experimental (del usual) en distintos aspectos, desde el narrativo hasta en la misma dirección de actores, con muestras reiterativas de imágenes, escenas y ambientaciones parecidas de las mostradas en su obra maestra El Árbol de la Vida. Desde esta película, Malick llegó a un nivel tan alto y se puso la vara muy alta a sí mismo, y él mismo aún parece hechizado con lo alcanzado en ese filme, que al mismo tiempo fue tan general y ambicioso, que muchas cosas cabían en él. Es por esto, que en sus posteriores trabajos, Malick inició con una especia de trilogía del amor o de las relaciones de pareja, iniciando con “To the Wonder”, y llegando al filme que motiva esta reseña, “Knight of Cups”, la segunda parte de esa trilogía. Si en To the Wonder, la narración se diluye y los personajes se desdibujan en la pantalla y se funden con la fotografía, con voces en off que acompañan y reflexionan junto con el espectador, en Knight of Cups no se encuentra exenta de esto, sino que al contrario, lo magnífica. 

Si hay algo general en el cine de Malick, y que lo he mencionado en post anteriores, es que para él los actores no son importantes, y no es algo contra los actores, porque todos los mejores hacen fila para trabajar con él; es porque en el cine de Malick, los actores y los personajes son instrumentos necesarios para la narración, son complementos de la obra en general, son a veces elementos simbólicos, emociones y animas con cuerpo. Y supongo que a los actores les gusta eso, porque les permite desaparecer dentro de la obra, y nunca llevan el peso general de la película. En Knight of Cups, como inició en To the Wonder, los actores no tenían guión sino pequeñas descripciones de sus personajes, y Malick les daba pequeñas indicaciones, e incluso les mandaba torpedos, que eran grupos de personas, para generar emociones naturales en sus personajes. Hay una escena en la película donde dos de los personajes, Christian Bale y Natalie Portman, se encuentran observando exposiciones de arte contemporáneo en un museo. Y resulta curioso, que la misma película tendría cabida como reproducción en ese museo; es una obra de arte contemporáneo, abstracta, y desde ese punto de vista me parece válido e interesantes las intenciones del director, los experimentos con la cámara, con el discurso, con los actores, etc. Y aparte de la forma y las intenciones tras la obra, en el aspecto y estructura narrativa, también me parece interesante que juegue con una división clásica de capítulos, los cuales están nombrados como las distintas cartas del Tarot, por algo su título traducido “Rey de Copas”. Aparte de eso, el mismo filme nos da una pista al inicio, al narrar la historia que el padre del protagonista le contaba de niño, sobre un príncipe y su padre, el Rey del Oriente…. Esta es una pequeña pista sobre la esencia del filme, y a partir de allí iniciaremos un viaje conjunto, sin límites de tiempo y espacio, junto con Rick, quien a la vez con la recurrente voz en off, nos hace participes de su conciencia, sus cavilaciones y sus distintas reflexiones.  

Y ahora, lo más importante, que es lo que la película generó en mí. Pues vi cosas que adoro en el cine y adoro en Malick, que es la belleza de sus imágenes, la poesía, la evocación, planos impecables, una gran fotografía del gran Emmanuel Lubezki… aunque debo decir que si percibí un mayor problema o conflicto en el montaje, no todas las imágenes fluyen como una canción o una melodía, sino que algunas de alguna forma interrumpen la sincronía de esta gran partitura… Pero en general sigue siendo una bella muestra de cine, sobre un hombre atormentando por su pasado y sus demonios personales, que le impiden vivir su vida tranquilamente. Rick, es una especie de Don Juan moderno o un Casanova, que trata de llenar sus vacíos internos con otros excesos, que vienen desde su infancia, cuando era un pequeño príncipe, y su padre, el Rey del Oriente lo envió a una misión... Un hombre, exitoso de adulto pero sumergido en la banalidad y la superficialidad de su oficio, que al parecer es el de productor o guionista de cine.

Aún así, a pesar de que me gustaron muchas cosas, quedo un poco frio en algunos momentos y en resultado final, porque aunque percibo las intenciones, el efecto no es totalmente efectivo… Pero es admirable que Terrence Malick con 72 años, y una carrera admirada por cinéfilos, críticos y cineastas, aún siga innovando su estilo y proponiendo cosas nuevas al cine. 

(7/10)


Trailer de Knight of Cups

Truman (Cesc Gay)

Película más reciente del director español Cesc Gay (Una pistola en cada mano), ganadora de la Concha de Plata a los Mejores actores en el Festival de San Sebastián, a sus dos protagonistas. “Truman” cuenta la historia de dos amigos que se encuentran tras varios años, porque uno de ellos sufre las secuelas de un cáncer avanzado. A partir de ese momento inicia una bella y conmovedora travesía, donde con humor, cuidado, detalle y delicadeza, observamos como dos grandes amigos se preparan para la muerte de uno de ellos. 

Truman, es el perro del enfermo de cáncer, quien a la vez es un símbolo personal de fortaleza y de mantenimiento de los recuerdos y la memoria. Me encanta el minimalismo con que es narrada la historia, sencilla pero con detalles que le dan un plus especial, que le permiten alejarse de lugares comunes a los que pudo caer fácilmente, por la temática de enfermedades.

Acá al contrario, nos muestran una película que se siente, que se sufre, que divierte y conmueve. Y gran parte de eso se debe a sus dos grandes protagonistas, Ricardo Darín y Javier Cámara, que acá brindan excelentes y emotivas interpretaciones, sin olvidar el papel de Dolores Fonzi, que también hace un muy buen papel. Una de las joyas del 2015. Muy recomendada, y disponible en Cinecolombia de Bocagrande Plaza. 


8/10



Trailer de Truman

Javier Cámara y Ricardo Darín, con la Concha de Plata a los Mejores Actores